The undisputed heavyweight champion of my world."
Alan Berliner
Untitled from malena cordova on Vimeo.
sábado, 20 de junio de 2009
Yo 2009
"He was my sparring partner, my leading man,
The undisputed heavyweight champion of my world."
Alan Berliner
The undisputed heavyweight champion of my world."
Alan Berliner
Nobody's Business
Nobody's Business, Alan Berliner 1996
"He was my sparring partner, my leading man,
The undisputed heavyweight champion of my world."
Alan Berliner
Alan Berliner se ha dedicado a plasmar su vida y su entorno. En Nobody's Business desea inmortalizar a su padre Oscar y hacer una búsqueda de su pasado. ¿De dónde exactamente provienen los Berliner? A Oscar no le importa, pero a pesar de esto, Alan logra plasmar su pasado y su personalidad al igual que la de él mismo.
Creo yo que el tema de su pasado familiar es una excusa para incitar a Oscar. Lo que Alan realmente quiere es plasmar a su padre, hacerle un homenaje en vida (aunque a Oscar no le agrade mucho) e inmortalizarlo de alguna manera. Podemos ver a Oscar a travéz de la entrevista que le hace Alan y numerosos videos familiares. La entrevista pareciera que dura lo que la película y nunca se siente que fueron una serie de entrevistas. Nobody's Business cuenta con una edición meticulosa y precisa, existe una habilidad muy elevada en el montaje y mantiene siempre un ritmo muy dinámico y todo fluye. La película logra converger el pasado con el presente, a su padre y a él mismo.
Oscar es una persona que con la edad se ha amargado más. Alan ha sido capaz de aceptar y amar a su padre tal y como es. Existe algo especial en la entrevista, pues es entrevistar a alguien que no solamente ama sino conoce demasiado bien. Alan no solamente entrevista a su padre, también entrevista a su madre, su hermana e integrantes de la familia Berliner. Esto integrantes incluyen la prima del primo, el hermano de la abuela, parientes que Alan no conocía y ni siquiera sabía que existían. Descubre que su familia proviene de Polonia y decide viajar hacia allá y también a Salt Lake City, Utah donde se encuentra el archivo familiar más grande del mundo. Digamos que la búsqueda de sus ancestros no fue del todo exitosa. Berliner sí triunfa en inmortalizar a su padre, y con ello su historia personal.
Usualmente son los padres y/o abuelos que se quejan de la apatía de los jóvenes y su pasado. En este caso es el de la generación más joven el que se encuentra interesado en esta búsqueda. A su padre no le podría importar menos y realmente no le ve el por qué. A Oscar le duele recordar su pasado, no le gusta revivir aquellos momentos en el que no fue feliz. Esto provocó que se convirtiera en un hombre solitario que solamente convive con sus hijos y nietos. Lo más conmovedor para mí fue el ver a unos hijos que aman incondicionalmente a su padre. Sabemos que Oscar también los ama y son su razón de existir.
Esta película es un placer para el espectador, es conmovedora, muy graciosa y se encuentra llena de vida.
Cuando comenzó la película me encontraba un poco nerviosa, pues no había pasado ni un mes desde que murió mi padre. Tenía miedo de que algo en mí no aguantara las ganas de llorar. Fueron muchas la emociones que experimenté al ver la película. Esta película, demasiado íntima para Berliner, se convirtió en algo íntimo para mí también. Muchas escenas me recordaron mucho a él. Cuando Oscar se encuentra en el hospital recordé a mi padre en terapia intensiva. Cuando Oscar juega con su nieta, recordé a mi padre y la felicidad que le daban sus nietos, y el día que le enseñó a jugar basketball a su nieto a pesar de lo frágil que se encontraba su cuerpo de 74 años. Un sin fin de imágenes, recuerdos y sentimientos recorrieron mi mente durante la película. A mi padre le hubiera gustado que yo hiciera algo así, pues siempre se enorgulleció de haber llevado una vida bastante rica y demasiado peculiar, aunque a veces muy dura. Me percaté de que nunca podré hacer algo de este estilo. Lo que me corresponde hacer es mantener los recuerdos vivos e ingeniarme otra recurso diferente a la de Berliner, de plasmar los recuerdos y la vida de mi padre. Esta película se ha convertido en una película muy especial para mí y una fuente de inspiración para el futuro.
Everywhere At Once, Alan Berliner 1985
Entrevista con Alan Berliner
Alan Berliner's Audiofile
Eulogy For Oscar Berliner by Alan Berliner
http://www.alanberliner.com/flm_02.html
"He was my sparring partner, my leading man,
The undisputed heavyweight champion of my world."
Alan Berliner
Alan Berliner se ha dedicado a plasmar su vida y su entorno. En Nobody's Business desea inmortalizar a su padre Oscar y hacer una búsqueda de su pasado. ¿De dónde exactamente provienen los Berliner? A Oscar no le importa, pero a pesar de esto, Alan logra plasmar su pasado y su personalidad al igual que la de él mismo.
Creo yo que el tema de su pasado familiar es una excusa para incitar a Oscar. Lo que Alan realmente quiere es plasmar a su padre, hacerle un homenaje en vida (aunque a Oscar no le agrade mucho) e inmortalizarlo de alguna manera. Podemos ver a Oscar a travéz de la entrevista que le hace Alan y numerosos videos familiares. La entrevista pareciera que dura lo que la película y nunca se siente que fueron una serie de entrevistas. Nobody's Business cuenta con una edición meticulosa y precisa, existe una habilidad muy elevada en el montaje y mantiene siempre un ritmo muy dinámico y todo fluye. La película logra converger el pasado con el presente, a su padre y a él mismo.
Oscar es una persona que con la edad se ha amargado más. Alan ha sido capaz de aceptar y amar a su padre tal y como es. Existe algo especial en la entrevista, pues es entrevistar a alguien que no solamente ama sino conoce demasiado bien. Alan no solamente entrevista a su padre, también entrevista a su madre, su hermana e integrantes de la familia Berliner. Esto integrantes incluyen la prima del primo, el hermano de la abuela, parientes que Alan no conocía y ni siquiera sabía que existían. Descubre que su familia proviene de Polonia y decide viajar hacia allá y también a Salt Lake City, Utah donde se encuentra el archivo familiar más grande del mundo. Digamos que la búsqueda de sus ancestros no fue del todo exitosa. Berliner sí triunfa en inmortalizar a su padre, y con ello su historia personal.
Usualmente son los padres y/o abuelos que se quejan de la apatía de los jóvenes y su pasado. En este caso es el de la generación más joven el que se encuentra interesado en esta búsqueda. A su padre no le podría importar menos y realmente no le ve el por qué. A Oscar le duele recordar su pasado, no le gusta revivir aquellos momentos en el que no fue feliz. Esto provocó que se convirtiera en un hombre solitario que solamente convive con sus hijos y nietos. Lo más conmovedor para mí fue el ver a unos hijos que aman incondicionalmente a su padre. Sabemos que Oscar también los ama y son su razón de existir.
Esta película es un placer para el espectador, es conmovedora, muy graciosa y se encuentra llena de vida.
Cuando comenzó la película me encontraba un poco nerviosa, pues no había pasado ni un mes desde que murió mi padre. Tenía miedo de que algo en mí no aguantara las ganas de llorar. Fueron muchas la emociones que experimenté al ver la película. Esta película, demasiado íntima para Berliner, se convirtió en algo íntimo para mí también. Muchas escenas me recordaron mucho a él. Cuando Oscar se encuentra en el hospital recordé a mi padre en terapia intensiva. Cuando Oscar juega con su nieta, recordé a mi padre y la felicidad que le daban sus nietos, y el día que le enseñó a jugar basketball a su nieto a pesar de lo frágil que se encontraba su cuerpo de 74 años. Un sin fin de imágenes, recuerdos y sentimientos recorrieron mi mente durante la película. A mi padre le hubiera gustado que yo hiciera algo así, pues siempre se enorgulleció de haber llevado una vida bastante rica y demasiado peculiar, aunque a veces muy dura. Me percaté de que nunca podré hacer algo de este estilo. Lo que me corresponde hacer es mantener los recuerdos vivos e ingeniarme otra recurso diferente a la de Berliner, de plasmar los recuerdos y la vida de mi padre. Esta película se ha convertido en una película muy especial para mí y una fuente de inspiración para el futuro.
Everywhere At Once, Alan Berliner 1985
Entrevista con Alan Berliner
Alan Berliner's Audiofile
Eulogy For Oscar Berliner by Alan Berliner
http://www.alanberliner.com/flm_02.html
Die Schulung
Indoctrination (Die Schulung), Harun Farocki 1987
Harun Farocki nos presenta en 45 minutos, la condensación de un seminario de 5 días. Este seminario es para todos aquellos hombres de negocios que desean mejorar sus ventas a travéz de ciertas habilidades. Los temas de las películas de Farocki son bastante variados pero podemos notar cuales son alguno de sus intereses. Farocki le gusta explorar fenómenos sociales meramente contemporáneos como el capitalismo, los medios y el consumismo y como estos afecta fenómenos arcaicos como la guerra.
Estos ejecutivos aspiran a subir de nivel en su empresa. Para ello necesitan vender más y no es tarea fácil. El cómo se presenta uno con el cliente lo es todo. Este seminario enseña a estos ejecutivos a mejorar su presentación a travéz de la dialéctica, la retórica y el lenguaje corporal. La película se da en un momento en donde el capitalismo toma cada vez más fuerza y surgen los populares "yuppies". Todos aspiran a ser ricos y por lo visto muchos jóvenes lo estaban logrando.
Farocki nos revela una sociedad que se rige por recetarios para vivir la vida personal y profesional. Es cuestión de ir a una libreria y ver los títulos de los libros y quienes los escriben. Jerry Seinfeld dijo una vez “A bookstore is one of the only pieces of evidence we have that people are still thinking.” Quizás esto podía aplicarse hace 100 años. Hoy vas a la librería y puedes encontrar más de 10 títulos "escritos" por Donald Trump. Todos sus libros son sobre como te puedes hacer millonario, y sobre todo, de cómo Trump es brillante. Lo mas triste de todo es que siempre habrá gente que consuma estas ideas y adoctrinamientos.
La cámara de Farocki se encuentra presente sin nunca intervenir. No existe una imposición por parte de Farocki, la cámara nos muestra. Es en la edición donde podemos sentir la manos de Farocki. Podemos ver que escogió los momentos que más representan el fin último del seminario, que es el de adquirir habilidades para convertirse en unas máquinas vendedoras. El seminario es dirigido por un moderador que es realmente un cliché andando. No se por qué pero muchos de estos moderadores son realmente ridículos y parecen que todos tienen una afinidad por la actuación. Quizás todos estos moderadores se parecen por que también ellos lo aprendieron en un curso donde se les modeló y ellos lo siguen al pie de la letra. Este moderador es gracioso pues es una persona directa y va al grano con sus comentarios. El hecho de que sea alemán puede influir en el hecho de que sus comentarios y críticas son bastante mordaces a la hora de corregir a sus alumnos.
Existe también un juego de poder protagonizado por el moderador. Estos seminarios para esas personas son el escenario para poder brillar. Lo que sale de su boca es la verdad. La palabra adoctrinamiento implica no cuestiona ni examinar lo que se te enseña. Es realmente gracioso y en ocasiones parece actuado, es aquí donde nos deberíamos preocupar pues Indoctrination es real y una realidad que rige al mundo.
"For those who stubbornly seek freedom, there can be no more urgent task than to come to understand the mechanisms and practices of indoctrination. These are easy to perceive in the totalitarian societies, much less so in the system of 'brainwashing under freedom' to which we are subjected and which all too often we serve as willing or unwitting instruments"
Noam Chomsky
Inextinguishable Fire, Harun Farocki 1969
Images of the World and the Inscription of War, Harun Farocki 1988
Harun Farocki By Harun Farocki, Thomas Elsaesser (completo)
http://books.google.com/books?id=OHBrp2_W2ccC&lpg=PA1&dq=harun%20farocki&client=firefox-a&pg=PA3
Speaking about Godard By Kaja Silverman, Harun Farocki, Constance Penley
http://books.google.com/books?id=m4iq7264svIC&lpg=PP1&dq=harun%20farocki&client=firefox-a&pg=PA4
Sobre el Thought-terminating Cliché
http://bigfrankdickinson.blogspot.com/2008/07/clichs-are-simplistic-thought-negating.html
Harun Farocki nos presenta en 45 minutos, la condensación de un seminario de 5 días. Este seminario es para todos aquellos hombres de negocios que desean mejorar sus ventas a travéz de ciertas habilidades. Los temas de las películas de Farocki son bastante variados pero podemos notar cuales son alguno de sus intereses. Farocki le gusta explorar fenómenos sociales meramente contemporáneos como el capitalismo, los medios y el consumismo y como estos afecta fenómenos arcaicos como la guerra.
Estos ejecutivos aspiran a subir de nivel en su empresa. Para ello necesitan vender más y no es tarea fácil. El cómo se presenta uno con el cliente lo es todo. Este seminario enseña a estos ejecutivos a mejorar su presentación a travéz de la dialéctica, la retórica y el lenguaje corporal. La película se da en un momento en donde el capitalismo toma cada vez más fuerza y surgen los populares "yuppies". Todos aspiran a ser ricos y por lo visto muchos jóvenes lo estaban logrando.
Farocki nos revela una sociedad que se rige por recetarios para vivir la vida personal y profesional. Es cuestión de ir a una libreria y ver los títulos de los libros y quienes los escriben. Jerry Seinfeld dijo una vez “A bookstore is one of the only pieces of evidence we have that people are still thinking.” Quizás esto podía aplicarse hace 100 años. Hoy vas a la librería y puedes encontrar más de 10 títulos "escritos" por Donald Trump. Todos sus libros son sobre como te puedes hacer millonario, y sobre todo, de cómo Trump es brillante. Lo mas triste de todo es que siempre habrá gente que consuma estas ideas y adoctrinamientos.
La cámara de Farocki se encuentra presente sin nunca intervenir. No existe una imposición por parte de Farocki, la cámara nos muestra. Es en la edición donde podemos sentir la manos de Farocki. Podemos ver que escogió los momentos que más representan el fin último del seminario, que es el de adquirir habilidades para convertirse en unas máquinas vendedoras. El seminario es dirigido por un moderador que es realmente un cliché andando. No se por qué pero muchos de estos moderadores son realmente ridículos y parecen que todos tienen una afinidad por la actuación. Quizás todos estos moderadores se parecen por que también ellos lo aprendieron en un curso donde se les modeló y ellos lo siguen al pie de la letra. Este moderador es gracioso pues es una persona directa y va al grano con sus comentarios. El hecho de que sea alemán puede influir en el hecho de que sus comentarios y críticas son bastante mordaces a la hora de corregir a sus alumnos.
Existe también un juego de poder protagonizado por el moderador. Estos seminarios para esas personas son el escenario para poder brillar. Lo que sale de su boca es la verdad. La palabra adoctrinamiento implica no cuestiona ni examinar lo que se te enseña. Es realmente gracioso y en ocasiones parece actuado, es aquí donde nos deberíamos preocupar pues Indoctrination es real y una realidad que rige al mundo.
"For those who stubbornly seek freedom, there can be no more urgent task than to come to understand the mechanisms and practices of indoctrination. These are easy to perceive in the totalitarian societies, much less so in the system of 'brainwashing under freedom' to which we are subjected and which all too often we serve as willing or unwitting instruments"
Noam Chomsky
Inextinguishable Fire, Harun Farocki 1969
Images of the World and the Inscription of War, Harun Farocki 1988
Harun Farocki By Harun Farocki, Thomas Elsaesser (completo)
http://books.google.com/books?id=OHBrp2_W2ccC&lpg=PA1&dq=harun%20farocki&client=firefox-a&pg=PA3
Speaking about Godard By Kaja Silverman, Harun Farocki, Constance Penley
http://books.google.com/books?id=m4iq7264svIC&lpg=PP1&dq=harun%20farocki&client=firefox-a&pg=PA4
Sobre el Thought-terminating Cliché
http://bigfrankdickinson.blogspot.com/2008/07/clichs-are-simplistic-thought-negating.html
viernes, 19 de junio de 2009
Grey Gardens
Grey Gardens 1975 Albert Maysles y David Maysles, Ellen Hovde y Muffie Meyer (trailer)
Una película de la que mucho se ha hablado y analizado. No me sorprende el hecho de que Grey Gardens se ha convertido en una película de culto. Son de esas películas que por más que se escriba de ellas, por más que se describa con toda precisión, no se puede realmente transmitir lo que la película sí logra.
Esta película es realmente hipnotizante y misteriosa pues no sabría descifrar con exactitud qué es lo que nos atrae tanto. Creo que esto es gracias a la combinación de tantos elementos, de muchos detalles que nunca más se repetirán. Detalles propios que sólo existen dentro de la película. Cada elemento en la película es poderoso y esencial; la casa, las Edie, las voces, sus recuerdos, sus gatos, su tapiz, Jerry, los Maysles, las peleas, la ropa, los bailes, la sangre aristócrata, la fotografía de Albert Maysles, los elotes, la terraza, la decadencia, los mapaches, todo esto en conjunto y más da vida a Grey Gardens.
Los hermanos Maysles fueron ofrecidos un documental sobre Jackie Kennedy (en ese entonces Onassis) y su familia, los aristócratas del este de Estados Unidos los Bouvier. Reto fácil para los Maysles que han filmado a personalidades como Marlon Brando, The Beatles, The Rolling Stones, Truman Capote entre otros. Filmaron horas de material incluyendo a la tía y prima de Jackie, Edith Bouvier Beale y su hija "little" Edie Beale. Fascinados por sus personalidades, los Maysles abandonaron el proyecto inicial y comenzaron una nueva aventura con las Beales.
Grey Gardens es el nombre de la mansión de 28 recámaras de las Beale en East Hampton, Nueva York. Todo ocurre en esta decadente y decrépita mansión donde alguna vez fueron amenazadas con desalojarla. La mansión se encontraba llena de pulgas y basura, cohabitaban con varios gatos y mapaches y carecían de corriente de agua. Gracias a la donación de Jackie y su hermana Lee Radzill, las Beale pudieron seguir viviendo ahí.
¿Por dónde empezar a la hora de hablar de Grey Gardens? Es extraño encontrar a personalidades tan singulares como las Beale. Ambas excéntricas y abrumadoras, son filmadas por la cámara de Albert Maysles de una manera muy bella. Todo lo que sale a cuadro es hipnotizante e irradia color. Estos personajes superan la ficción, si existieran en la ficción no sé que tan carismáticas y amadas pudieran haber sido. Aquí la cámara es mucha más que un "fly on the wall". Los Maysles se relacionan con las Beale y sobre todo ellas con los cineastas. Los Maysles son como un especie de diario donde podrán contar todos sus anécdotas. Los Maysles son su audiencia que siempre les aplaudirá. Para "little" Edie la cámara es lo que siempre soñó tener, una cámara que logra filmar y preservar los cantos y bailes que no se registraron en su juventud.
Los Maysles nos demuestran una vez más lo brillante que son como retratistas. Grey Gardens es un retrato de dos mujeres en su vida cotidiana. Existe un grado elevado de sencillez contrastado con la excesiva personalidad de las Beales. Entre las dos existe un pique, pequeñas riñas que giran torno al "hubieras" y aprovechan la presencia de los Maysles para buscar su aprobación y comprobarse la una a la otra, quien es la que tiene la razón. Mucho afirman que realmente no era una relación de amor, simplemente una co-dependencia enfermiza. Yo difiero y opino que si existía amor entre ambas. También compartían el amor al arte, al baile y al canto y a recordar y revivir sus pasados. Creo que su relación co-dependiente se formó por el hecho de que ambas llevaron (voluntaria e involuntariamente) su vida hacia el mismo camino.
Se nos muestra lo que es imposible mostrarnos, el pasado. La mayoría del tiempo se encuentran hablando del pasado y podemos ver pinceladas de ello a travéz de las fotografías que le enseñan a los Maysles. Podemos verlas en su plena juventud y nos percatamas de lo cruel que es el tiempo. El tiempo mata y arrasa con todo; la juventud, el dinero, los objetos, la vida. La única manera de seguir inyectando vida es a travéz de la memoria y lo que esta pueda rescatar.
"It's very difficult to keep the line between the past and the present,"
Little Edie Beale
Grey Gardens trata precisamente sobre el tiempo. Lo único que tienen es su pasado. Parece que "little" Edie aún se comporta como lo hacía en su juventud. Canta y baila las misma canciones que antes. Nunca se siente incomodidad a la hora de revivir su pasado, les gusta y quizás es de alguna forma terapéutico para ellas. Cada conversación de su pasado es para nosotros un descubrimiento, y se vuelve cada vez más profundo. Las Beales sobreviven por que tuvieron un pasado.
Las Beales fueron capaces de conquistar a los Maysles y a todos los que hemos visto esta película. Existe algo demasiado atractivo en sus personalidades y su manera de vivir. De nuevo me cuestiono, ¿qué es exactamente lo que nos atrae?. La respuesta no es simple y los motivos, como ya mencioné sobran. Las Beales son un enigma (en el buen sentido de la palabra, no como algo oscuro) e irradian un carisma fuera de lo común, y, combinado con su extraño estilo de vida y filosofía, forman parte de su complejo encanto.
Albert Maysles regresa a Grey Gardens 30 años después.
Fotos de grey gardens
http://www.nytimes.com/slideshow/2009/04/17/garden/20090417-insidegreygardens_index.html?scp=6&sq=grey%20gardens&st=cse
The Marble Faun. La historia de Jerry quién regularmente visitaba a las Beales.
http://www.newyorker.com/archive/2006/03/06/060306ta_talk_green
Una película de la que mucho se ha hablado y analizado. No me sorprende el hecho de que Grey Gardens se ha convertido en una película de culto. Son de esas películas que por más que se escriba de ellas, por más que se describa con toda precisión, no se puede realmente transmitir lo que la película sí logra.
Esta película es realmente hipnotizante y misteriosa pues no sabría descifrar con exactitud qué es lo que nos atrae tanto. Creo que esto es gracias a la combinación de tantos elementos, de muchos detalles que nunca más se repetirán. Detalles propios que sólo existen dentro de la película. Cada elemento en la película es poderoso y esencial; la casa, las Edie, las voces, sus recuerdos, sus gatos, su tapiz, Jerry, los Maysles, las peleas, la ropa, los bailes, la sangre aristócrata, la fotografía de Albert Maysles, los elotes, la terraza, la decadencia, los mapaches, todo esto en conjunto y más da vida a Grey Gardens.
Los hermanos Maysles fueron ofrecidos un documental sobre Jackie Kennedy (en ese entonces Onassis) y su familia, los aristócratas del este de Estados Unidos los Bouvier. Reto fácil para los Maysles que han filmado a personalidades como Marlon Brando, The Beatles, The Rolling Stones, Truman Capote entre otros. Filmaron horas de material incluyendo a la tía y prima de Jackie, Edith Bouvier Beale y su hija "little" Edie Beale. Fascinados por sus personalidades, los Maysles abandonaron el proyecto inicial y comenzaron una nueva aventura con las Beales.
Grey Gardens es el nombre de la mansión de 28 recámaras de las Beale en East Hampton, Nueva York. Todo ocurre en esta decadente y decrépita mansión donde alguna vez fueron amenazadas con desalojarla. La mansión se encontraba llena de pulgas y basura, cohabitaban con varios gatos y mapaches y carecían de corriente de agua. Gracias a la donación de Jackie y su hermana Lee Radzill, las Beale pudieron seguir viviendo ahí.
¿Por dónde empezar a la hora de hablar de Grey Gardens? Es extraño encontrar a personalidades tan singulares como las Beale. Ambas excéntricas y abrumadoras, son filmadas por la cámara de Albert Maysles de una manera muy bella. Todo lo que sale a cuadro es hipnotizante e irradia color. Estos personajes superan la ficción, si existieran en la ficción no sé que tan carismáticas y amadas pudieran haber sido. Aquí la cámara es mucha más que un "fly on the wall". Los Maysles se relacionan con las Beale y sobre todo ellas con los cineastas. Los Maysles son como un especie de diario donde podrán contar todos sus anécdotas. Los Maysles son su audiencia que siempre les aplaudirá. Para "little" Edie la cámara es lo que siempre soñó tener, una cámara que logra filmar y preservar los cantos y bailes que no se registraron en su juventud.
Los Maysles nos demuestran una vez más lo brillante que son como retratistas. Grey Gardens es un retrato de dos mujeres en su vida cotidiana. Existe un grado elevado de sencillez contrastado con la excesiva personalidad de las Beales. Entre las dos existe un pique, pequeñas riñas que giran torno al "hubieras" y aprovechan la presencia de los Maysles para buscar su aprobación y comprobarse la una a la otra, quien es la que tiene la razón. Mucho afirman que realmente no era una relación de amor, simplemente una co-dependencia enfermiza. Yo difiero y opino que si existía amor entre ambas. También compartían el amor al arte, al baile y al canto y a recordar y revivir sus pasados. Creo que su relación co-dependiente se formó por el hecho de que ambas llevaron (voluntaria e involuntariamente) su vida hacia el mismo camino.
Se nos muestra lo que es imposible mostrarnos, el pasado. La mayoría del tiempo se encuentran hablando del pasado y podemos ver pinceladas de ello a travéz de las fotografías que le enseñan a los Maysles. Podemos verlas en su plena juventud y nos percatamas de lo cruel que es el tiempo. El tiempo mata y arrasa con todo; la juventud, el dinero, los objetos, la vida. La única manera de seguir inyectando vida es a travéz de la memoria y lo que esta pueda rescatar.
"It's very difficult to keep the line between the past and the present,"
Little Edie Beale
Grey Gardens trata precisamente sobre el tiempo. Lo único que tienen es su pasado. Parece que "little" Edie aún se comporta como lo hacía en su juventud. Canta y baila las misma canciones que antes. Nunca se siente incomodidad a la hora de revivir su pasado, les gusta y quizás es de alguna forma terapéutico para ellas. Cada conversación de su pasado es para nosotros un descubrimiento, y se vuelve cada vez más profundo. Las Beales sobreviven por que tuvieron un pasado.
Las Beales fueron capaces de conquistar a los Maysles y a todos los que hemos visto esta película. Existe algo demasiado atractivo en sus personalidades y su manera de vivir. De nuevo me cuestiono, ¿qué es exactamente lo que nos atrae?. La respuesta no es simple y los motivos, como ya mencioné sobran. Las Beales son un enigma (en el buen sentido de la palabra, no como algo oscuro) e irradian un carisma fuera de lo común, y, combinado con su extraño estilo de vida y filosofía, forman parte de su complejo encanto.
Albert Maysles regresa a Grey Gardens 30 años después.
Fotos de grey gardens
http://www.nytimes.com/slideshow/2009/04/17/garden/20090417-insidegreygardens_index.html?scp=6&sq=grey%20gardens&st=cse
The Marble Faun. La historia de Jerry quién regularmente visitaba a las Beales.
http://www.newyorker.com/archive/2006/03/06/060306ta_talk_green
Lecumberri
Lecumberri, Arturo Ripstein 1977
David Alfaro Siqueiros 1960
Qué mejor manera para empezar el siglo XX que con la inauguración de una prisión. Después de 12 años de construcción, Porfirio Díaz da a conocer al mundo su ambicioso proyecto que mostraba la grandeza mexicana, La prisión de Lecumberri. Esta prisión no sería como las anteriores en donde carecían higiene y estructura. Después de 76 años, Lecumberri, desde 1982, El archivo general de la nación, decide clausurarse y todos los reos fueron trasladados a las nuevas cárceles. Se le ofrece a Arturo Ripstein grabar los últimos días de Lecumberri. Demasiadas memorias habitan "El Palacio Negro" y Ripsten trata de capturar lo más que se pueda.
Lecumberri es una prisión con una estructura imponente e intimidante. Su forma es la de un panóptico (en la película sólo lo vemos una vez en un a toma aérea) que permite vigilar a los prisioneros sin ellos saber que están siendo vigilados. La idea del panóptico fue diseñada en 1785 por el filósofo inglés Jeremy Bentham. La idea principal del panóptico es poder vigilar sin que los presos sepan cuando están siendo vigilados. Para Bentham esto permitiría crear una especie de presencia inexistente que siempre estaría presentes en las mentes de los prisioneros. Esta presencia intimidaría al preso y una vez liberado sentiría esa misma sensación de que está siendo vigilado, por lo que sería más probable que se abstenga de cometer un crimen. Como un Big Brother sin realmente serlo. Algo que me resulta graciosos es que Bentham le ve otro beneficio al panóptico, y este es el del ahorro de dinero. No se necesita contratar un guardia, una simple torre es suficiente para que los presos no hagan ninguna revuelta. No se por qué no se les había ocurrido algo así. La idea de Bentham es la idea con la que el mundo se ha regido por varios siglos. La gente se abstiene o se abstenía por miedo a Dios. Miedo al Dios omnipresente que siempre nos observa, y si pecas se te castiga con el infierno.
Lecumberri es una prisión bastante ecléctica. Dentro de ella podemos ver a ancianos, criminales con cargos menores, presos políticos, los ricos que pagan por la celda lujosa y uno que otro rubio alto americano. El documental no se rige por un solo estilo, sino combina muchos. Para mí las entrevista sobran, quizás la que rescataría sería cuando son preguntados su motivo en Lecumberri, y sus respuestas son por crímenes tontos y menores. Otro elemento que eliminaría yo serían las voces en off de los prisioneros. Creo que lo que dicen no es muy revelador, sabemos todos que la cárcel ha de ser una pesadilla y realmente estas voces no conmueven ni nos sitúan en su situación. Aunque nos queda claro que no iba a haber manera, por lo menos en los últimos días de la prisión, de poder captar esos abusos y por eso las voces en off. Creo que hubiera sido increíble que la película fuera un poco del estilo de Wiseman, simplemente estar presentes. Ripstein emplea muchos recursos, como si quisiera plasmar absolutamente todo de Lecumberri, las rutinas, los procesos, las distracciones, las vivencias, los maltratos y los recuerdos, cosa que es muy entendible, pues era su única oportunidad.
Ripstein logra plasmar con exactitud y algo de sentido del humor los procesos burocráticos que en ocasiones son algo ridículos y absurdos. La cámara va siguiendo todos estos proceso sin cortar. Este es un buen recurso para adentrarnos un poco y desesperarnos tantito. Existe un momento en donde la cámara panea bruscamente de un lado a otro. Esto es como en un patio circular con unas celdas amplias, al aire libre y solo una pequeña rejilla donde podemos ver sus ojos. Lo genial de la escena es que estos presos se comunican a gritos ininteligible de celda a celda, mientras la cámara va siguiendo la conversación. Existe una recreación que es de lo mejor de la película. La secuencia inicia con la claqueta indicándonos que es una actuación, un prisionero se encuentra hincado en los baños sosteniendo una piedra. Al sonar la claqueta el reo es empapado por un cubeta de agua y este comienza a tallar el piso.
Otro momento especial es cuando la familia viene a visitar a los presos en un domingo. Existen varios juegos al estilo carnaval y la familias disfrutan del domingo con sus familiares presos, pero antes tuvieron que pasar por la inspección en donde unas mujeres revisan la comida de los visitantes que se encuentran en fila. Existe en este secuencia un travelling que se vuelve bastante bizarro. La cámara se desplaza por donde las familias están comiendo, vemos a un hombre con un bigote delgado ver fijamente a la cámara. La cámara sigue desplazándose y de nuevo aparece ese hombre en otro posición pero con la misma mirada. La cámara sigue su movimiento y por tercera vez aparece el hombre en otra posición. Esta escena es realmente graciosa y bastante extraña y es inevitable no imaginártelo corriendo detrás de la cámara y colocándose frescamente para ser filmado.
Ripstein filmó más de 20 horas de material y lo condensó a 1 hora 45 minutos. Creo que está bien para fines comerciales pero me hubiera gustado que existiera una versión más larga pues se presta para mucho tiempo más. Creo que a pesar de estas fallas que no puedo evitar mencionar, es una muy buena película y vale la pena, y su valor aumenta por la exclusividad que tiene por ser el único registro de Lecumberri. Es un registro histórico con gran valor cultural para México y el resto del mundo.
Mientras José Revueltas estuvo prisionero en Lecumberri, escribió su más celebrada obra El Apando. En 1976 Felipe Cazals, director de Las poquianchis, adaptó la novela al cine.
El Apando, Felipe Cazals 1976 (1)
Prison Nation, un programa de National Geographic que he visto en varias ocasiones, que nos muestra la vida dentro de las cárceles y los grupos que se forman dentro y el poder que pueden tener fuera.
Continuando con el tema de las instituciones, el otro día estaba leyendo sobre un extraño tipo de institución, los Needle Parks de Suiza. Los Needle Parks eran parques para que los adictos a la heroína se pudieran inyectar con agujas limpias entre otros servicios. Aquí unos links que hablan del tema y unos con muy buenas fotos.
http://picturesandperspectives.blogspot.com/2009/04/switzerland-platzspitz-or-needle-park.html
http://www.swissinfo.ch/eng/front/detail/Ten_years_on_from_Needle_Park.html?siteSect=105&sid=1008665&cKey=1012813920000
http://www.reconsider.org/wordpress/?p=73
La peores prisiones del mundo.
http://www.13above.com/2008/11/worlds-most-deadliest-prisons.html
http://www.foreignpolicy.com/story/cms.php?story_id=4641
http://www.dirty-rotten-scoundrels.co.uk/2008/06/30/the-10-worst-prisons-in-the-world/
Una prisión algo diferente, Leoben Justice Centre, Steiermark, Austria
http://www.hohensinn-architektur.at/jz_leoben.html
Michel Foucault On 'Disciplinary Society,' Part 1
http://www.youtube.com/watch?v=Xk9ulS76PW8
David Alfaro Siqueiros 1960Qué mejor manera para empezar el siglo XX que con la inauguración de una prisión. Después de 12 años de construcción, Porfirio Díaz da a conocer al mundo su ambicioso proyecto que mostraba la grandeza mexicana, La prisión de Lecumberri. Esta prisión no sería como las anteriores en donde carecían higiene y estructura. Después de 76 años, Lecumberri, desde 1982, El archivo general de la nación, decide clausurarse y todos los reos fueron trasladados a las nuevas cárceles. Se le ofrece a Arturo Ripstein grabar los últimos días de Lecumberri. Demasiadas memorias habitan "El Palacio Negro" y Ripsten trata de capturar lo más que se pueda.
Lecumberri es una prisión con una estructura imponente e intimidante. Su forma es la de un panóptico (en la película sólo lo vemos una vez en un a toma aérea) que permite vigilar a los prisioneros sin ellos saber que están siendo vigilados. La idea del panóptico fue diseñada en 1785 por el filósofo inglés Jeremy Bentham. La idea principal del panóptico es poder vigilar sin que los presos sepan cuando están siendo vigilados. Para Bentham esto permitiría crear una especie de presencia inexistente que siempre estaría presentes en las mentes de los prisioneros. Esta presencia intimidaría al preso y una vez liberado sentiría esa misma sensación de que está siendo vigilado, por lo que sería más probable que se abstenga de cometer un crimen. Como un Big Brother sin realmente serlo. Algo que me resulta graciosos es que Bentham le ve otro beneficio al panóptico, y este es el del ahorro de dinero. No se necesita contratar un guardia, una simple torre es suficiente para que los presos no hagan ninguna revuelta. No se por qué no se les había ocurrido algo así. La idea de Bentham es la idea con la que el mundo se ha regido por varios siglos. La gente se abstiene o se abstenía por miedo a Dios. Miedo al Dios omnipresente que siempre nos observa, y si pecas se te castiga con el infierno.
Lecumberri es una prisión bastante ecléctica. Dentro de ella podemos ver a ancianos, criminales con cargos menores, presos políticos, los ricos que pagan por la celda lujosa y uno que otro rubio alto americano. El documental no se rige por un solo estilo, sino combina muchos. Para mí las entrevista sobran, quizás la que rescataría sería cuando son preguntados su motivo en Lecumberri, y sus respuestas son por crímenes tontos y menores. Otro elemento que eliminaría yo serían las voces en off de los prisioneros. Creo que lo que dicen no es muy revelador, sabemos todos que la cárcel ha de ser una pesadilla y realmente estas voces no conmueven ni nos sitúan en su situación. Aunque nos queda claro que no iba a haber manera, por lo menos en los últimos días de la prisión, de poder captar esos abusos y por eso las voces en off. Creo que hubiera sido increíble que la película fuera un poco del estilo de Wiseman, simplemente estar presentes. Ripstein emplea muchos recursos, como si quisiera plasmar absolutamente todo de Lecumberri, las rutinas, los procesos, las distracciones, las vivencias, los maltratos y los recuerdos, cosa que es muy entendible, pues era su única oportunidad.
Ripstein logra plasmar con exactitud y algo de sentido del humor los procesos burocráticos que en ocasiones son algo ridículos y absurdos. La cámara va siguiendo todos estos proceso sin cortar. Este es un buen recurso para adentrarnos un poco y desesperarnos tantito. Existe un momento en donde la cámara panea bruscamente de un lado a otro. Esto es como en un patio circular con unas celdas amplias, al aire libre y solo una pequeña rejilla donde podemos ver sus ojos. Lo genial de la escena es que estos presos se comunican a gritos ininteligible de celda a celda, mientras la cámara va siguiendo la conversación. Existe una recreación que es de lo mejor de la película. La secuencia inicia con la claqueta indicándonos que es una actuación, un prisionero se encuentra hincado en los baños sosteniendo una piedra. Al sonar la claqueta el reo es empapado por un cubeta de agua y este comienza a tallar el piso.
Otro momento especial es cuando la familia viene a visitar a los presos en un domingo. Existen varios juegos al estilo carnaval y la familias disfrutan del domingo con sus familiares presos, pero antes tuvieron que pasar por la inspección en donde unas mujeres revisan la comida de los visitantes que se encuentran en fila. Existe en este secuencia un travelling que se vuelve bastante bizarro. La cámara se desplaza por donde las familias están comiendo, vemos a un hombre con un bigote delgado ver fijamente a la cámara. La cámara sigue desplazándose y de nuevo aparece ese hombre en otro posición pero con la misma mirada. La cámara sigue su movimiento y por tercera vez aparece el hombre en otra posición. Esta escena es realmente graciosa y bastante extraña y es inevitable no imaginártelo corriendo detrás de la cámara y colocándose frescamente para ser filmado.
Ripstein filmó más de 20 horas de material y lo condensó a 1 hora 45 minutos. Creo que está bien para fines comerciales pero me hubiera gustado que existiera una versión más larga pues se presta para mucho tiempo más. Creo que a pesar de estas fallas que no puedo evitar mencionar, es una muy buena película y vale la pena, y su valor aumenta por la exclusividad que tiene por ser el único registro de Lecumberri. Es un registro histórico con gran valor cultural para México y el resto del mundo.
Mientras José Revueltas estuvo prisionero en Lecumberri, escribió su más celebrada obra El Apando. En 1976 Felipe Cazals, director de Las poquianchis, adaptó la novela al cine.
El Apando, Felipe Cazals 1976 (1)
Prison Nation, un programa de National Geographic que he visto en varias ocasiones, que nos muestra la vida dentro de las cárceles y los grupos que se forman dentro y el poder que pueden tener fuera.
Continuando con el tema de las instituciones, el otro día estaba leyendo sobre un extraño tipo de institución, los Needle Parks de Suiza. Los Needle Parks eran parques para que los adictos a la heroína se pudieran inyectar con agujas limpias entre otros servicios. Aquí unos links que hablan del tema y unos con muy buenas fotos.
http://picturesandperspectives.blogspot.com/2009/04/switzerland-platzspitz-or-needle-park.html
http://www.swissinfo.ch/eng/front/detail/Ten_years_on_from_Needle_Park.html?siteSect=105&sid=1008665&cKey=1012813920000
http://www.reconsider.org/wordpress/?p=73
La peores prisiones del mundo.
http://www.13above.com/2008/11/worlds-most-deadliest-prisons.html
http://www.foreignpolicy.com/story/cms.php?story_id=4641
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Una prisión algo diferente, Leoben Justice Centre, Steiermark, Austria
http://www.hohensinn-architektur.at/jz_leoben.html
Michel Foucault On 'Disciplinary Society,' Part 1
http://www.youtube.com/watch?v=Xk9ulS76PW8
jueves, 18 de junio de 2009
Titicut Follies
Titicut follies, Frederick Wiseman 1967
Titticut Follies es de esas películas que nunca se olvidan. Las imágenes se quedan impregnadas en la memoria y no se qué podría hacerlas desvanecer. Esta película y la mayoría de la filmografía de Frederick Wiseman deberían ser incluidos en las cápsulas de tiempo (que tanto les encanta hacer) para las futuras generaciones. En la actualidad existe una absurda cantidad de registros del mundo, y realmente creo que si se tuviera que elegir, Wiseman debería entrar en esa categoría. Wiseman es un antropólogo contemporáneo, un etnógrafo de su propia cultura.
Titicut follies nos muestra la vida dentro de una institución mental en Massachussetts. Vemos a todos los que coexisten en ese lugar, los pacientes, los guardias, las enfermeras y los médicos. Algunos de ellos tratan a los pacientes con indiferencia y existe una abuso físico y psicológico. Esta película fue prohibida simplemente por mostrar demasiado. Wiseman se vio enredado en varias batallas legales que le permitieron exhibir la película siempre y cuando fuera para médicos, estudiantes y gente especializada en el tema. A la hora de proyectar las películas, Wiseman tenía que verificar a travéz de identificaciones y documentos, que todos los presentes entraran a esta categoría. La excusa para prohibir la película era por qué violaba la dignidad y la privacidad de los pacientes, a pesar de que todos los que aparecen en la película dieron autorización. “The obvious point that I was making was that the restriction of the court was a greater infringement of civil liberties than the film was an infringement on the liberties of the inmates”
Wiseman ha podido mantener un mismo estilo durante cuarenta años. Titicut siendo su primera difiere en pequeños detalles. Además de que es más corta que el resto, Titicut es un poco más didáctica, aunque al igual que las demás es muy dialéctica. Con esto me refiero a que la edición es más notoria, elemento que Wiseman no le agrada tanto el día de hoy y se arrepiente un poco. Esto es cuando alimentan involuntariamente a un hombre a travéz de un tubo. Los médicos son algo agresivos y sus bromas son bastante crueles. Esta imágenes son yuxtapuestas con el mismo hombre siendo embalsamado de una manera muy dócil. Para mí esta escena es increíble, con un enorme peso cinematográfico, y claro, es también una imagen bastante perturbante, triste y muy difícil de aguantar. Para Wiseman la edición es elemental, pues sin ella es simplemente un registro de eventos. Existe siempre una subjetividad y Wiseman trata de encontrar un balance y aún así dejar que el espectador llegue a su propia conclusión. Existen muchas imágenes que contrastan unas de otras. Unas imágenes son muy duras y crudas, otras son bastante bizarras y surreales y también hay elementos graciosos protagonizados por Eddie el guardia e intérprete oficial.
El principio de Titicut parece como de otra película. Podemos ver a unas personas cantar con mucho entusiasmo a pesar de que la luz inferior le agregue una sensación algo tenebrosa. Se ha hablado mucho en el blog sobre el poder que tiene la cámara. En esta escena la cámara que se encuentra en el mismo lugar que el de la audiencia, hace un acercamiento a uno de ellos. Este acercamiento es muy cerrado y pareciera que la cámara logra hacerlo prisionero. El poder le pertenece a quien sea capaz de sostener la mirada, usualmente lo tiene la cámara. Algo interesante que ocurre en Titicut es que muchos de los internados retan a la cámara, fijan la mirada. La cámara esta viendo a un paciente, él no lo sabe. El paciente voltea y ve fijamente a la cámara, la cámara no se mueve, la mirada sigue igual. La cámara pareciera que se intimida y da un ligero paneo, el paciente la sigue y nunca quita su mirada. Este es un momento que rara vez ocurre y habla de lo acostumbrados que se encuentran de ser observados en todo momento.
El enfoque de Wiseman durante todos estos años ha sido el de las instituciones, el de las organizaciones culturales, el dónde se reúne la gente. Para Wiseman todo lo que ocurre en una institución pública debe ser transparente. Pero no lo es y Wisemana ha podido enfatizar en la manera en que dichas instituciones suelen deshumanizar. Tema interesante que toca es sobre la brecha que existe entre la ideología principal y las metas de una institución y lo que realmente ocurre en la práctica. En Titicut vemos a una enfermera regocijarse por una carta que le da el paciente. Esto hace reír al espectador pues ya pudimos ver el abuso que existe dentro de ese lugar. Creo que es injusto generalizar y decir que todos los que aparecen ahí son unos malditos, cuando sabemos que existen varios que sí tienen buenas intenciones y que realmente creen que están haciendo un bien. Concuerdo con Wiseman con el hecho de que esta brecha entre la ideología y la práctica existe en cada persona y todos hemos sido culpables de cometerlo alguna vez; es una falla humana.
A pesar de que tenemos una idea de cómo funcionan estas instituciones, lo increíble de Wiseman es que pareciera que siempre nos revela algo nuevo. Sus películas son, sencillamente dicho, un retrato de cómo vivimos, pero con un trasfondo muy profundo y merecedor de numerosos análisis.
Law and Order 1969 (clip)
Entrevista a Frederick Wiseman (parte 1)
http://www.viceland.com/int/v14n9/htdocs/doc.php?country=us
Entrevistas
http://www.reason.com/news/show/123022.html
http://www.notcoming.com/features/wiseman-interview/
Titticut Follies es de esas películas que nunca se olvidan. Las imágenes se quedan impregnadas en la memoria y no se qué podría hacerlas desvanecer. Esta película y la mayoría de la filmografía de Frederick Wiseman deberían ser incluidos en las cápsulas de tiempo (que tanto les encanta hacer) para las futuras generaciones. En la actualidad existe una absurda cantidad de registros del mundo, y realmente creo que si se tuviera que elegir, Wiseman debería entrar en esa categoría. Wiseman es un antropólogo contemporáneo, un etnógrafo de su propia cultura.
Titicut follies nos muestra la vida dentro de una institución mental en Massachussetts. Vemos a todos los que coexisten en ese lugar, los pacientes, los guardias, las enfermeras y los médicos. Algunos de ellos tratan a los pacientes con indiferencia y existe una abuso físico y psicológico. Esta película fue prohibida simplemente por mostrar demasiado. Wiseman se vio enredado en varias batallas legales que le permitieron exhibir la película siempre y cuando fuera para médicos, estudiantes y gente especializada en el tema. A la hora de proyectar las películas, Wiseman tenía que verificar a travéz de identificaciones y documentos, que todos los presentes entraran a esta categoría. La excusa para prohibir la película era por qué violaba la dignidad y la privacidad de los pacientes, a pesar de que todos los que aparecen en la película dieron autorización. “The obvious point that I was making was that the restriction of the court was a greater infringement of civil liberties than the film was an infringement on the liberties of the inmates”
Wiseman ha podido mantener un mismo estilo durante cuarenta años. Titicut siendo su primera difiere en pequeños detalles. Además de que es más corta que el resto, Titicut es un poco más didáctica, aunque al igual que las demás es muy dialéctica. Con esto me refiero a que la edición es más notoria, elemento que Wiseman no le agrada tanto el día de hoy y se arrepiente un poco. Esto es cuando alimentan involuntariamente a un hombre a travéz de un tubo. Los médicos son algo agresivos y sus bromas son bastante crueles. Esta imágenes son yuxtapuestas con el mismo hombre siendo embalsamado de una manera muy dócil. Para mí esta escena es increíble, con un enorme peso cinematográfico, y claro, es también una imagen bastante perturbante, triste y muy difícil de aguantar. Para Wiseman la edición es elemental, pues sin ella es simplemente un registro de eventos. Existe siempre una subjetividad y Wiseman trata de encontrar un balance y aún así dejar que el espectador llegue a su propia conclusión. Existen muchas imágenes que contrastan unas de otras. Unas imágenes son muy duras y crudas, otras son bastante bizarras y surreales y también hay elementos graciosos protagonizados por Eddie el guardia e intérprete oficial.
El principio de Titicut parece como de otra película. Podemos ver a unas personas cantar con mucho entusiasmo a pesar de que la luz inferior le agregue una sensación algo tenebrosa. Se ha hablado mucho en el blog sobre el poder que tiene la cámara. En esta escena la cámara que se encuentra en el mismo lugar que el de la audiencia, hace un acercamiento a uno de ellos. Este acercamiento es muy cerrado y pareciera que la cámara logra hacerlo prisionero. El poder le pertenece a quien sea capaz de sostener la mirada, usualmente lo tiene la cámara. Algo interesante que ocurre en Titicut es que muchos de los internados retan a la cámara, fijan la mirada. La cámara esta viendo a un paciente, él no lo sabe. El paciente voltea y ve fijamente a la cámara, la cámara no se mueve, la mirada sigue igual. La cámara pareciera que se intimida y da un ligero paneo, el paciente la sigue y nunca quita su mirada. Este es un momento que rara vez ocurre y habla de lo acostumbrados que se encuentran de ser observados en todo momento.
El enfoque de Wiseman durante todos estos años ha sido el de las instituciones, el de las organizaciones culturales, el dónde se reúne la gente. Para Wiseman todo lo que ocurre en una institución pública debe ser transparente. Pero no lo es y Wisemana ha podido enfatizar en la manera en que dichas instituciones suelen deshumanizar. Tema interesante que toca es sobre la brecha que existe entre la ideología principal y las metas de una institución y lo que realmente ocurre en la práctica. En Titicut vemos a una enfermera regocijarse por una carta que le da el paciente. Esto hace reír al espectador pues ya pudimos ver el abuso que existe dentro de ese lugar. Creo que es injusto generalizar y decir que todos los que aparecen ahí son unos malditos, cuando sabemos que existen varios que sí tienen buenas intenciones y que realmente creen que están haciendo un bien. Concuerdo con Wiseman con el hecho de que esta brecha entre la ideología y la práctica existe en cada persona y todos hemos sido culpables de cometerlo alguna vez; es una falla humana.
A pesar de que tenemos una idea de cómo funcionan estas instituciones, lo increíble de Wiseman es que pareciera que siempre nos revela algo nuevo. Sus películas son, sencillamente dicho, un retrato de cómo vivimos, pero con un trasfondo muy profundo y merecedor de numerosos análisis.
Law and Order 1969 (clip)
Entrevista a Frederick Wiseman (parte 1)
http://www.viceland.com/int/v14n9/htdocs/doc.php?country=us
Entrevistas
http://www.reason.com/news/show/123022.html
http://www.notcoming.com/features/wiseman-interview/
The Thin Blue Line
The Thin Blue Line, Errol Morris 1988
"The fact that it took 12 and a half years and a movie to prove my innocence should scare the hell out of everyone in this room and, if it doesn’t, then that scares the hell out of me"
Randall Dale Adams
La película anterior a The Thin Blue Line salió siete años antes (Vernon, Florida 1981). Errol Morris tardó tanto pues no solamente fungió como director sino como detective. Originalmente estaba trabajando un documental sobre el psicólogo Dr. James Grigson, conocido como Doctor Death. Gracias su participación en más de 100 juicios, todos resultaron con la condena de pena de muerte. Al conocer Morris a Randall Dale Adams, no le pareció una persona capaz de asesinar a alguien. Esto incitó a que investigara arduamente el caso de Adams y descubrir que realmente no era culpable.
En 1976 un policía es asesinado. Randall Adams y el joven de 16 años David Harris pasaron la noche juntos en el cine. Fue Adams a quien encontraron culpable y lo sentencian con la pena de muerte. Este es el típico caso que le llaman coloquialmente en inglés whodunit (¿Quién lo hizo?). La película cuenta con recreaciones meticulosas y muy estilizadas de las diferentes versiones que brindó cada testigo. Morris logra crear dentro del documental, pequeñas ficciones que para un individuo son realidades. Estas recreaciones y demás entrevistas nos ayudan a armar el rompecabezas (aunque ya armado por Morris) y darnos cuenta de que Randall Adams no es el asesino.
El por qué Adams cumplió 12 años en prisión es completamente absurdo. Harris al día siguiente le confiesa a sus amigos de haber matado a un policía. Harris ya tenía un pasado criminal mientras que Adams no. Pero al ver que Adams era mayor de edad, captamos que es mejor candidato que un joven de 16 años que no puede ser enviado a la silla eléctrica. Es, para los policías y otros burócratas americanos, humillante cuando matan a un policía y no se resuelve el caso. El fin es culpar a alguien y sentenciarlo. Matar a un policía es como matar a un Cristo, y su muerte debe ser vengada de la forma más dura posible.
Para mí las entrevistas suelen ser muy complicadas de lograr, y muchos documentales suelen fallar en ese aspecto. Para mí Morris es uno de los mejores entrevistadores, ya sea entrevistando a Donald Trump, a los testigos white-trash del caso de Adams, o a una serial killer groupie. En el 2000 Morris hizo un programa de televisión llamada First Person basado completamente en entrevistas y pocas recreaciones y recursos como fotografías. Este programa es muy dinámico y nos demuestra su gran habilidad para entrevistar. En The Thin Blue Line las entrevistas para mí aportan mucho a pesar de estar hablando de muchas tonterías. Esto se da cuando entrevista a varios de los testigos en donde nos platican las peleas con sus esposos y esposas, y se va convirtiendo en pláticas sin sentido que creeríamos que no aportan nada al caso. Es después que nos damos cuenta de que este tipo de simplezas tuvieron la capacidad enorme de formar el destino de una persona. La vida de Adams estaba en manos de personas como estas. Lo que la gente puede llegar a distorsionar, por lo visto, puede cambiar por completo la vida de una ser humano.
Errol Morris de manera discreta nos muestra lo ridículo que son estos procesos. La gente participa por que hay una recompensa o un acuerdo favorable. Se basan en demasiados papeleos que deben cumplirse al pie de la letra para llevar a cabo un juicio. Un grupo de personas deciden que hacer con la vida de una persona como si se decidiera que hacer con un terreno. “Hoy te matan, mañana no, quizás en dos meses, te van a matar en 48 horas”. Esto le ocurrió a Adams y no me puedo imaginar lo difícil y surreal que ha de ser el hecho de que sepas que te van a matar en varias ocasiones.
A mí Morris siempre me ha gustado por el hecho de que le encanta las peculiaridades de las personas. Sus documentales giran en torno a las personas y los anécdotas que nos puedan contar. Le gusta lo excéntrico pero también lo mundano, lo “insignificante”. El crítico de cine (para mí uno de los mejores de la actualidad) Jonathan Rosenbaum, afrima que sus películas se basan en lo extraño de las personas a quienes filma y también la extrañeza que produce el hecho de que los filma.
El término "la delgada línea azul" proviene del término de "la delgada línea roja" que refiere al ejército Británico y su rol defendiendo al Imperio. La delgada línea azul se refiere a que es solamente una delgada línea de policías lo que previene a una sociedad de sucumbir al caos.
"Thin red line of 'eroes when the drums begin to roll"
Tommy 1892, Rudyard Kipling
"Because we assemble our picture of reality from details. We don’t take in reality whole. Our ideas about reality come from bits and pieces of experience. We try to assemble them into something that has a consistent narrative."
"Memory is an elastic affair. We remember selectively, just as we perceive selectively. We have to go back over perceived and remembered events, in order to figure out what happened, what really happened."
"The brain elides, confabulates, conflates, denies, suppresses, evades, confuses and distorts."
Errol Morris
A Brief History of Errol Morris, Kevin Macdonald 2000 (part 1)
Para mí una de las páginas oficiales más completas de un director.
http://errolmorris.com/
The Interrotron, una máquina similar al teleprompter que Morris usa para entrevistar. .
http://www.errolmorris.com/content/eyecontact/interrotron.html
Una plática entre Errol Morris y Werner Herzog
http://www.believermag.com/issues/200803/?read=interview_herzog
Errol Morris escribe para el New York times. Suelen ser algo largas pero he leído una que otra y creo que estan bastante buenos y valen la pena leerlos. Este es uno reciente (2008) que habla sobre The thin blue line y reflexiona sobre la manera en que se puede contar una historia como esta. Se pregunta si son válidos los reenactments en los documentales, tema que aún genera controversia y discuciones en la actualidad.
http://morris.blogs.nytimes.com/2008/04/03/play-it-again-sam-re-enactments-part-one/?scp=2&sq=the%20thin%20blue%20line&st=cse
http://morris.blogs.nytimes.com/2008/04/10/play-it-again-sam-re-enactments-part-two/
El blog con todos los artículos para el Nytimes.com El tema es sobre la fotografía. Zoom Errol Morris
http://morris.blogs.nytimes.com/?scp=1&sq=errol%20morris%20blog&st=cse
Una noticia que acaba de salir hace unos momentos que me traumó.
http://www.nytimes.com/2009/06/19/us/19scotus.html?_r=1&hp
"The fact that it took 12 and a half years and a movie to prove my innocence should scare the hell out of everyone in this room and, if it doesn’t, then that scares the hell out of me"
Randall Dale Adams
La película anterior a The Thin Blue Line salió siete años antes (Vernon, Florida 1981). Errol Morris tardó tanto pues no solamente fungió como director sino como detective. Originalmente estaba trabajando un documental sobre el psicólogo Dr. James Grigson, conocido como Doctor Death. Gracias su participación en más de 100 juicios, todos resultaron con la condena de pena de muerte. Al conocer Morris a Randall Dale Adams, no le pareció una persona capaz de asesinar a alguien. Esto incitó a que investigara arduamente el caso de Adams y descubrir que realmente no era culpable.
En 1976 un policía es asesinado. Randall Adams y el joven de 16 años David Harris pasaron la noche juntos en el cine. Fue Adams a quien encontraron culpable y lo sentencian con la pena de muerte. Este es el típico caso que le llaman coloquialmente en inglés whodunit (¿Quién lo hizo?). La película cuenta con recreaciones meticulosas y muy estilizadas de las diferentes versiones que brindó cada testigo. Morris logra crear dentro del documental, pequeñas ficciones que para un individuo son realidades. Estas recreaciones y demás entrevistas nos ayudan a armar el rompecabezas (aunque ya armado por Morris) y darnos cuenta de que Randall Adams no es el asesino.
El por qué Adams cumplió 12 años en prisión es completamente absurdo. Harris al día siguiente le confiesa a sus amigos de haber matado a un policía. Harris ya tenía un pasado criminal mientras que Adams no. Pero al ver que Adams era mayor de edad, captamos que es mejor candidato que un joven de 16 años que no puede ser enviado a la silla eléctrica. Es, para los policías y otros burócratas americanos, humillante cuando matan a un policía y no se resuelve el caso. El fin es culpar a alguien y sentenciarlo. Matar a un policía es como matar a un Cristo, y su muerte debe ser vengada de la forma más dura posible.
Para mí las entrevistas suelen ser muy complicadas de lograr, y muchos documentales suelen fallar en ese aspecto. Para mí Morris es uno de los mejores entrevistadores, ya sea entrevistando a Donald Trump, a los testigos white-trash del caso de Adams, o a una serial killer groupie. En el 2000 Morris hizo un programa de televisión llamada First Person basado completamente en entrevistas y pocas recreaciones y recursos como fotografías. Este programa es muy dinámico y nos demuestra su gran habilidad para entrevistar. En The Thin Blue Line las entrevistas para mí aportan mucho a pesar de estar hablando de muchas tonterías. Esto se da cuando entrevista a varios de los testigos en donde nos platican las peleas con sus esposos y esposas, y se va convirtiendo en pláticas sin sentido que creeríamos que no aportan nada al caso. Es después que nos damos cuenta de que este tipo de simplezas tuvieron la capacidad enorme de formar el destino de una persona. La vida de Adams estaba en manos de personas como estas. Lo que la gente puede llegar a distorsionar, por lo visto, puede cambiar por completo la vida de una ser humano.
Errol Morris de manera discreta nos muestra lo ridículo que son estos procesos. La gente participa por que hay una recompensa o un acuerdo favorable. Se basan en demasiados papeleos que deben cumplirse al pie de la letra para llevar a cabo un juicio. Un grupo de personas deciden que hacer con la vida de una persona como si se decidiera que hacer con un terreno. “Hoy te matan, mañana no, quizás en dos meses, te van a matar en 48 horas”. Esto le ocurrió a Adams y no me puedo imaginar lo difícil y surreal que ha de ser el hecho de que sepas que te van a matar en varias ocasiones.
A mí Morris siempre me ha gustado por el hecho de que le encanta las peculiaridades de las personas. Sus documentales giran en torno a las personas y los anécdotas que nos puedan contar. Le gusta lo excéntrico pero también lo mundano, lo “insignificante”. El crítico de cine (para mí uno de los mejores de la actualidad) Jonathan Rosenbaum, afrima que sus películas se basan en lo extraño de las personas a quienes filma y también la extrañeza que produce el hecho de que los filma.
El término "la delgada línea azul" proviene del término de "la delgada línea roja" que refiere al ejército Británico y su rol defendiendo al Imperio. La delgada línea azul se refiere a que es solamente una delgada línea de policías lo que previene a una sociedad de sucumbir al caos.
"Thin red line of 'eroes when the drums begin to roll"
Tommy 1892, Rudyard Kipling
"Because we assemble our picture of reality from details. We don’t take in reality whole. Our ideas about reality come from bits and pieces of experience. We try to assemble them into something that has a consistent narrative."
"Memory is an elastic affair. We remember selectively, just as we perceive selectively. We have to go back over perceived and remembered events, in order to figure out what happened, what really happened."
"The brain elides, confabulates, conflates, denies, suppresses, evades, confuses and distorts."
Errol Morris
A Brief History of Errol Morris, Kevin Macdonald 2000 (part 1)
Para mí una de las páginas oficiales más completas de un director.
http://errolmorris.com/
The Interrotron, una máquina similar al teleprompter que Morris usa para entrevistar. .
http://www.errolmorris.com/content/eyecontact/interrotron.html
Una plática entre Errol Morris y Werner Herzog
http://www.believermag.com/issues/200803/?read=interview_herzog
Errol Morris escribe para el New York times. Suelen ser algo largas pero he leído una que otra y creo que estan bastante buenos y valen la pena leerlos. Este es uno reciente (2008) que habla sobre The thin blue line y reflexiona sobre la manera en que se puede contar una historia como esta. Se pregunta si son válidos los reenactments en los documentales, tema que aún genera controversia y discuciones en la actualidad.
http://morris.blogs.nytimes.com/2008/04/03/play-it-again-sam-re-enactments-part-one/?scp=2&sq=the%20thin%20blue%20line&st=cse
http://morris.blogs.nytimes.com/2008/04/10/play-it-again-sam-re-enactments-part-two/
El blog con todos los artículos para el Nytimes.com El tema es sobre la fotografía. Zoom Errol Morris
http://morris.blogs.nytimes.com/?scp=1&sq=errol%20morris%20blog&st=cse
Una noticia que acaba de salir hace unos momentos que me traumó.
http://www.nytimes.com/2009/06/19/us/19scotus.html?_r=1&hp
miércoles, 17 de junio de 2009
Salesman
Salesman, Albert and David Maysles, and Charlotte Zwerin 1969 (clip)
Yesterday...
"Every documentary is sort of an adventure into the heart and soul of certain people"
"When you see somebody on the screen in a documentary, you're really engaged with a person going through real life experiences. So for that period of time, as you watch the film, you are, in effect, in the shoes of another individual. What a privilege to have that experience."
Albert Maysles
Salesman se enfoca en un pequeño sector de la población americana, que termina revelando sobre toda una sociedad de un país. Los Maysles se enfocan en lo ordinario, aquí no existen The Beatles ni los Rolling Stones. Un vendedor de Biblias es capaz de mostrarnos la soledad, lo vil ordinario de una existencia, la decepción y la supervivencia del hombre. Salesman nos muestra la realidad que confronta a la mayoría. No es una tragedia de gran magnitud la vida de estos hombres, pero sus vivencias son las que perduran por mucho tiempo y, a la larga, amargan más.
Los hermanos Maysles recorren la vida de 4 vendedores de Biblias originarios de Boston. Los 4 personajes son los típicos católicos irlandeses con un acento muy marcado de la ciudad de Boston. La película se enfoca principalmente en Paul Brennan "The Badger". Podemos ver a Paul Brennan convivir con sus compañeros en el viaje que hacen a Miami. Entre ellos se cuentan anécdotas graciosas que ocurrieron durante el día en los cuartos de hotel que comparten. También hablan, de manera algo tajante, sobre la carencia de ventas del día. Estos momentos, son los que conmueven, los que en ocasiones entristecen. Creo que la intención de los Maysles nunca fue el de deprimirnos, simplemente conmovernos con una realidad presente en una mayoría.
Podemos ver a estos vendedores en todo lo que conlleva ser vendedor. Vemos como se les cierran puertas por gente nerviosa que no sabe cómo rechazarlos. Algo que caracteriza a los vendedores es su insistencia. Podemos ver las estrategias que emplean para poder vender una sagrada Biblia. No importa si uno es pobre, todo hombre debe tener una Biblia en casa. Estas escenas logran hacernos sentir incómodos por ambos lados, pues ellos también están concientes de su propia incomodidad y la ajena.
Paul Brennan cada vez se encuentra más desilusionado y podemos sentir que se ve a sí mismo como un fracaso.
Podemos sentir, por parte de los Maysles, una empatía hacia la gente que escogen filmar. Albert compara esto con alguien a quien uno ama. Cuando amas a una persona, eres capaz de ver el lado bueno y el lado malo y aceptarlo. Es lo mismo que ocurre con las personas que filman. Se genera un cariño y son capaces de ver de una manera redonda e integral lo que la gente ve como bueno y malo en una persona.
Salesman es considerada como una película del género direct cinema y la tendencia fly on the wall. Albert Maysles niega el término fly on the wall pues eso significaría que no existe una cercanía con el sujeto. Esta cercanía se da con la simple mirada. Una mirada que no juzga, que trata de comprender. La intervención de los Maysles se trata de brindarles un apoyo a los que están siendo filmados, pero nunca los incitan, no manipulan. En Salesman impresiona la comodidad en la que se encuentran los vendedores ante la cámara, realmente como si no estuviera presente. Por momentos se nos olvida que gracias a la cámara, estamos presenciando estos eventos. La cámara se desliza suavemente por el lugar, sentimos como si la cámara fuera nuestros propios ojos.
Para mí Salesman me mueve más que cualquier otra película que trata de ser explícita y gráfica. Salesman es una película "sencilla", elegante y rica en poesía. Lo que ocurre es una introspección que va fluyendo sutilmente durante la película hasta darte cuenta de que te encuentras muy conmovido.
Psychiatry in Russia, Albert Maysles 1955
Gimme Shelter, David Maysles, Albert Maysles and Charlotte Zwerin 1970
An Evening with Albert Maysles, Hammer Screenings
Varias series de una misma entrevista bastante autobiográfica de Albert Maysles. También hay de Raoul Coutard, Jonas Mekas, Andrzej Wajda entre otros.
http://www.peoplesarchive.com/browse/movies/5525/en/off/
Documentary filmmakers speak By Liz Stubbs
http://books.google.com/books?id=i4dDdV5m2UkC&dq=Documentary+filmmakers+speak++By+Liz+Stubbs&printsec=frontcover&source=bl&ots=6OAReo93Pd&sig=2YX2-Es4O9F4m5EmSM08RbJSgNE&hl=en&ei=mWw2SviTO4vEMd__hIIK&sa=X&oi=book_result&ct=result&resnum=3#PPA13,M1
Albert Maysles By Joe McElhaney. Entrevista algo extensa aunque incompleta de Albert Maysles pg 157
http://books.google.com/books?id=LbdmgLhLqIgC&pg=PP1&dq=Albert+Maysles++By+Joe+McElhaney&ei=a3s4SrXVKYbgkQTgj_SZDg&client=firefox-a#PPP1,M1
Yesterday...
"Every documentary is sort of an adventure into the heart and soul of certain people"
"When you see somebody on the screen in a documentary, you're really engaged with a person going through real life experiences. So for that period of time, as you watch the film, you are, in effect, in the shoes of another individual. What a privilege to have that experience."
Albert Maysles
Salesman se enfoca en un pequeño sector de la población americana, que termina revelando sobre toda una sociedad de un país. Los Maysles se enfocan en lo ordinario, aquí no existen The Beatles ni los Rolling Stones. Un vendedor de Biblias es capaz de mostrarnos la soledad, lo vil ordinario de una existencia, la decepción y la supervivencia del hombre. Salesman nos muestra la realidad que confronta a la mayoría. No es una tragedia de gran magnitud la vida de estos hombres, pero sus vivencias son las que perduran por mucho tiempo y, a la larga, amargan más.
Los hermanos Maysles recorren la vida de 4 vendedores de Biblias originarios de Boston. Los 4 personajes son los típicos católicos irlandeses con un acento muy marcado de la ciudad de Boston. La película se enfoca principalmente en Paul Brennan "The Badger". Podemos ver a Paul Brennan convivir con sus compañeros en el viaje que hacen a Miami. Entre ellos se cuentan anécdotas graciosas que ocurrieron durante el día en los cuartos de hotel que comparten. También hablan, de manera algo tajante, sobre la carencia de ventas del día. Estos momentos, son los que conmueven, los que en ocasiones entristecen. Creo que la intención de los Maysles nunca fue el de deprimirnos, simplemente conmovernos con una realidad presente en una mayoría.
Podemos ver a estos vendedores en todo lo que conlleva ser vendedor. Vemos como se les cierran puertas por gente nerviosa que no sabe cómo rechazarlos. Algo que caracteriza a los vendedores es su insistencia. Podemos ver las estrategias que emplean para poder vender una sagrada Biblia. No importa si uno es pobre, todo hombre debe tener una Biblia en casa. Estas escenas logran hacernos sentir incómodos por ambos lados, pues ellos también están concientes de su propia incomodidad y la ajena.
Paul Brennan cada vez se encuentra más desilusionado y podemos sentir que se ve a sí mismo como un fracaso.
Podemos sentir, por parte de los Maysles, una empatía hacia la gente que escogen filmar. Albert compara esto con alguien a quien uno ama. Cuando amas a una persona, eres capaz de ver el lado bueno y el lado malo y aceptarlo. Es lo mismo que ocurre con las personas que filman. Se genera un cariño y son capaces de ver de una manera redonda e integral lo que la gente ve como bueno y malo en una persona.
Salesman es considerada como una película del género direct cinema y la tendencia fly on the wall. Albert Maysles niega el término fly on the wall pues eso significaría que no existe una cercanía con el sujeto. Esta cercanía se da con la simple mirada. Una mirada que no juzga, que trata de comprender. La intervención de los Maysles se trata de brindarles un apoyo a los que están siendo filmados, pero nunca los incitan, no manipulan. En Salesman impresiona la comodidad en la que se encuentran los vendedores ante la cámara, realmente como si no estuviera presente. Por momentos se nos olvida que gracias a la cámara, estamos presenciando estos eventos. La cámara se desliza suavemente por el lugar, sentimos como si la cámara fuera nuestros propios ojos.
Para mí Salesman me mueve más que cualquier otra película que trata de ser explícita y gráfica. Salesman es una película "sencilla", elegante y rica en poesía. Lo que ocurre es una introspección que va fluyendo sutilmente durante la película hasta darte cuenta de que te encuentras muy conmovido.
Psychiatry in Russia, Albert Maysles 1955
Gimme Shelter, David Maysles, Albert Maysles and Charlotte Zwerin 1970
An Evening with Albert Maysles, Hammer Screenings
Varias series de una misma entrevista bastante autobiográfica de Albert Maysles. También hay de Raoul Coutard, Jonas Mekas, Andrzej Wajda entre otros.
http://www.peoplesarchive.com/browse/movies/5525/en/off/
Documentary filmmakers speak By Liz Stubbs
http://books.google.com/books?id=i4dDdV5m2UkC&dq=Documentary+filmmakers+speak++By+Liz+Stubbs&printsec=frontcover&source=bl&ots=6OAReo93Pd&sig=2YX2-Es4O9F4m5EmSM08RbJSgNE&hl=en&ei=mWw2SviTO4vEMd__hIIK&sa=X&oi=book_result&ct=result&resnum=3#PPA13,M1
Albert Maysles By Joe McElhaney. Entrevista algo extensa aunque incompleta de Albert Maysles pg 157
http://books.google.com/books?id=LbdmgLhLqIgC&pg=PP1&dq=Albert+Maysles++By+Joe+McElhaney&ei=a3s4SrXVKYbgkQTgj_SZDg&client=firefox-a#PPP1,M1
lunes, 15 de junio de 2009
Capturing the Friedmans
Capturing the Friedmans, Andrew Jarecki 2003
Capturing The Friedmans es un vistazo a una familia de clase media americana de los suburbios. Como en todas las familias, los Friedmans nos van revelando secretos y pasados oscuros. Los secretos, ahora públicos, de los Friedmans, son más perturbante que los de la mayoría de las familias.
Capturing the Friedmans, como su nombre lo sugiere, es sobre capturar a los Friedmans legalmente, capturarlos en la cámara, y capturar las diferentes psicologías de las personas y con ello muchas verdades. Esta película es resultado de una coincidencia. Originalmente Andrew Jarecki quería filmar el medio del entretenimiento infantil. Entre ellos se encontraba uno de los payasos más populares de Nueva York, David Friedman. Al descubrir Jarecki que el padre de David Friedman y su hermano fueron encarcelados en los ochenta acusados de pedofilia, decidió darle otro enfoque a su película.
Arnold Friedman impartía clases particulares de computación en un suburbio en Nueva York. Al recibir su dosis de pornografía infantil desde Holanda la policía lo arrestó a él y a su hijo Jesse y los culpan de abusar a los estudiantes de computación. Esto genera una cacería de brujas por parte de toda la comunidad, histeria por parte de los padres y confusión entre los niños que son presionados por la policía. También genera la desintegración de una familia y el colapso emocional de cada integrante. Y para fortuna del director, David Friedman era aficionado de grabar su situación familiar, incluyendo todo este proceso íntimo y difícil.
Los Friedmans son una familia bastante compleja. Algo extraño es la relación que tienen los tres hijos con cada uno de sus padres. Usualmente los hijos varones tienen una afinidad de carácter protector con la madre. En el caso de los Friedman, los hijos se apoyan por completo en el padre, Arnold. Podemos sentir la frustración de la madre, su mirada nos indica que se siente incómoda en su propia casa. Arnold, a pesar de su "inconveniente" es respetado e idealizado ciegamente por sus hijos. Existe la probabilidad de que los hijos aceptan su condición demasiado bien o simplemente se rehúsan a aceptarlo. Creo que esta postura es muy comprensible y quizás bastante noble. Al final fue un buen padre para ellos, y es lo que a los hijos les interesa.
Otro aspecto importante que nos revela la película, es sobre cómo se comporta una sociedad, más específicos, una comunidad. Unos afirman que nunca ocurrió nada aparte de la clase de computación en casa de los Friedmans. Otros describen con mucho detalle los juegos perversos que se jugaban en vez de realmente jugar Frogger, como otros cuentan. Se habla en la película sobre la manera, muy conocida, en que los policías e investigadores abordan el cuestionamiento, presionando a los interrogantes para que contesten lo conveniente. Muchas personas sucumben a la presión, pues se crea una aura de histeria, pero hay otros que simplemente quieren ser parte de ello. Muchos de los que participan en los juicios de este tipo, lo suelen hacer simplemente para pertenecer a algo interesante y morboso, algo que no ocurre diario y los desvié de su vida cotidiana.
David Friedman no tiene pudor con su cámara. Los momentos más incómodos de una familia se encuentran presentes en sus videos. Existe una tendencia en la sociedad americana de indagar en sus situaciones personales, siempre y cuando se quede registro de ello, ya sea en los diarios, películas o blogs. David pudo amasar una serie de videos caseros peculiares, Jarecki nos muestra los que contienen momentos incómodos, momentos de desahogo, y momentos de distracción donde se arman shows absurdos y cómicos. Estos video caseros, que probablemente no tenían mucho valor cuando lo hacían, son lo que hace a la película. Estas películas nos hacen comprender lo complejo que es la vida de cada persona. Estos videos nos presentan una retrato familiar inquietante y muy intrincado. La cámara era su distracción y el humor era su escudo.
Un momento en donde Jesse es criticado es después de escuchar su sentencia. Jesse se encuentra en el estacionamiento con sus hermanos haciendo shows frente a la cámara. Este momento habla mucho de la manera en que las personas reaccionan ante ciertos momentos que te marcan de por vida. Me he dado cuenta de que el hombre tiene la capacidad de despejar la mente, de distraerse con frivolidades con tal de no pensar en lo denso. Esto es una forma de mecanismo de defensa, de una terapia y sobre todo de una sanación. Y este momento es exactamente eso. Jesse sabe que no podrá ver a sus hermanos por muchos años, por qué no alivianar la noticia bromeando con ellos. Es probable que estos videos son la mejor manera de comunicarse con sus hermanos. Su reacción no tiene nada que ver con su culpabilidad ni con la persona que es, es simplemente una reacción humana. También ocurre que las noticias de este calibre tardan en percatar al hombre.
Jarecki logra darle voz a los Friedmans, a las víctimas, a quienes lo defienden y a las autoridades. Pero mientras más información, más enredado se vuelve. Todo gira de una manera cíclica, cuando comenzamos a empatizar con Arnold, nuevos datos aparecen que nos hacen retroceder, pero de nuevo algo aparece que nos hace empatizar otra vez. Esto para muchos puede ser perturbante, pues nunca queremos ver las diferentes caras de las personas. O son personas buenas o personas malas. El hecho de que alguien pueda tener algo de malo nos asusta. Es difícil evitar el mencionar el efecto Roshomon que la película genera. Nos damos cuenta de que el efecto Roshomon existe en la vida real, todos los días. La verdad depende de quien lo cuente. A final no importa si Jesse es inocente o culpable, lo que importa es la reflexión que se genera, y estar concientes de los diferente tonos de gris que tiene la vida.
En la página de Jesse Friedman (que creo que lleva un rato sin actualizar) se encuentran varias cosas interesantes, como videos personales y recomendaciones. http://www.freejesse.net/
Video musical de la luna de miel de Jesse Friedman, que presume de haber editado.
sobre el false memory syndrome
http://www.freejesse.net/fmsdoc.htm
http://en.wikipedia.org/wiki/False_memory_syndrome
la entrevista de Jesse Friedman con Geraldo Rivera en 1989. Aquí admite que fue abusado sexualmente por su padre. Ha dicho que esta entrevista no es cierta y lo que dijo fue por que su abogado se lo recomendó.
http://www.leadershipcouncil.org/1/ctf/geraldo.html
Capturing The Friedmans es un vistazo a una familia de clase media americana de los suburbios. Como en todas las familias, los Friedmans nos van revelando secretos y pasados oscuros. Los secretos, ahora públicos, de los Friedmans, son más perturbante que los de la mayoría de las familias.
Capturing the Friedmans, como su nombre lo sugiere, es sobre capturar a los Friedmans legalmente, capturarlos en la cámara, y capturar las diferentes psicologías de las personas y con ello muchas verdades. Esta película es resultado de una coincidencia. Originalmente Andrew Jarecki quería filmar el medio del entretenimiento infantil. Entre ellos se encontraba uno de los payasos más populares de Nueva York, David Friedman. Al descubrir Jarecki que el padre de David Friedman y su hermano fueron encarcelados en los ochenta acusados de pedofilia, decidió darle otro enfoque a su película.
Arnold Friedman impartía clases particulares de computación en un suburbio en Nueva York. Al recibir su dosis de pornografía infantil desde Holanda la policía lo arrestó a él y a su hijo Jesse y los culpan de abusar a los estudiantes de computación. Esto genera una cacería de brujas por parte de toda la comunidad, histeria por parte de los padres y confusión entre los niños que son presionados por la policía. También genera la desintegración de una familia y el colapso emocional de cada integrante. Y para fortuna del director, David Friedman era aficionado de grabar su situación familiar, incluyendo todo este proceso íntimo y difícil.
Los Friedmans son una familia bastante compleja. Algo extraño es la relación que tienen los tres hijos con cada uno de sus padres. Usualmente los hijos varones tienen una afinidad de carácter protector con la madre. En el caso de los Friedman, los hijos se apoyan por completo en el padre, Arnold. Podemos sentir la frustración de la madre, su mirada nos indica que se siente incómoda en su propia casa. Arnold, a pesar de su "inconveniente" es respetado e idealizado ciegamente por sus hijos. Existe la probabilidad de que los hijos aceptan su condición demasiado bien o simplemente se rehúsan a aceptarlo. Creo que esta postura es muy comprensible y quizás bastante noble. Al final fue un buen padre para ellos, y es lo que a los hijos les interesa.
Otro aspecto importante que nos revela la película, es sobre cómo se comporta una sociedad, más específicos, una comunidad. Unos afirman que nunca ocurrió nada aparte de la clase de computación en casa de los Friedmans. Otros describen con mucho detalle los juegos perversos que se jugaban en vez de realmente jugar Frogger, como otros cuentan. Se habla en la película sobre la manera, muy conocida, en que los policías e investigadores abordan el cuestionamiento, presionando a los interrogantes para que contesten lo conveniente. Muchas personas sucumben a la presión, pues se crea una aura de histeria, pero hay otros que simplemente quieren ser parte de ello. Muchos de los que participan en los juicios de este tipo, lo suelen hacer simplemente para pertenecer a algo interesante y morboso, algo que no ocurre diario y los desvié de su vida cotidiana.
David Friedman no tiene pudor con su cámara. Los momentos más incómodos de una familia se encuentran presentes en sus videos. Existe una tendencia en la sociedad americana de indagar en sus situaciones personales, siempre y cuando se quede registro de ello, ya sea en los diarios, películas o blogs. David pudo amasar una serie de videos caseros peculiares, Jarecki nos muestra los que contienen momentos incómodos, momentos de desahogo, y momentos de distracción donde se arman shows absurdos y cómicos. Estos video caseros, que probablemente no tenían mucho valor cuando lo hacían, son lo que hace a la película. Estas películas nos hacen comprender lo complejo que es la vida de cada persona. Estos videos nos presentan una retrato familiar inquietante y muy intrincado. La cámara era su distracción y el humor era su escudo.
Un momento en donde Jesse es criticado es después de escuchar su sentencia. Jesse se encuentra en el estacionamiento con sus hermanos haciendo shows frente a la cámara. Este momento habla mucho de la manera en que las personas reaccionan ante ciertos momentos que te marcan de por vida. Me he dado cuenta de que el hombre tiene la capacidad de despejar la mente, de distraerse con frivolidades con tal de no pensar en lo denso. Esto es una forma de mecanismo de defensa, de una terapia y sobre todo de una sanación. Y este momento es exactamente eso. Jesse sabe que no podrá ver a sus hermanos por muchos años, por qué no alivianar la noticia bromeando con ellos. Es probable que estos videos son la mejor manera de comunicarse con sus hermanos. Su reacción no tiene nada que ver con su culpabilidad ni con la persona que es, es simplemente una reacción humana. También ocurre que las noticias de este calibre tardan en percatar al hombre.
Jarecki logra darle voz a los Friedmans, a las víctimas, a quienes lo defienden y a las autoridades. Pero mientras más información, más enredado se vuelve. Todo gira de una manera cíclica, cuando comenzamos a empatizar con Arnold, nuevos datos aparecen que nos hacen retroceder, pero de nuevo algo aparece que nos hace empatizar otra vez. Esto para muchos puede ser perturbante, pues nunca queremos ver las diferentes caras de las personas. O son personas buenas o personas malas. El hecho de que alguien pueda tener algo de malo nos asusta. Es difícil evitar el mencionar el efecto Roshomon que la película genera. Nos damos cuenta de que el efecto Roshomon existe en la vida real, todos los días. La verdad depende de quien lo cuente. A final no importa si Jesse es inocente o culpable, lo que importa es la reflexión que se genera, y estar concientes de los diferente tonos de gris que tiene la vida.
En la página de Jesse Friedman (que creo que lleva un rato sin actualizar) se encuentran varias cosas interesantes, como videos personales y recomendaciones. http://www.freejesse.net/
Video musical de la luna de miel de Jesse Friedman, que presume de haber editado.
sobre el false memory syndrome
http://www.freejesse.net/fmsdoc.htm
http://en.wikipedia.org/wiki/False_memory_syndrome
la entrevista de Jesse Friedman con Geraldo Rivera en 1989. Aquí admite que fue abusado sexualmente por su padre. Ha dicho que esta entrevista no es cierta y lo que dijo fue por que su abogado se lo recomendó.
http://www.leadershipcouncil.org/1/ctf/geraldo.html
miércoles, 3 de junio de 2009
The Animated Life
Jeff Scher es un pintor aplicándolo al cine. Sus trabajos han estado en el MOMA, Museo Guggenheim y el Pompidou Center. En Nytimes.com se pueden ver varios de sus cortos.
http://www.nytimes.com/2008/09/23/business/worldbusiness/23krona.html?scp=5&sq=swedish%20government&st=cse
http://www.nytimes.com/2008/09/23/business/worldbusiness/23krona.html?scp=5&sq=swedish%20government&st=cse
domingo, 31 de mayo de 2009
Tarnation
Tarnation, Jonathan Caouette 2003 (clip)
Más que un documental, más que una manera de expresarse a travéz del cine (en este caso el video), Tarnation es un diario, un archivo de memorias privadas, es una catarsis. Jonathan Caouette nos revela su dura infancia que todavía perdura en él. Esta película es sobre su vida emocionalmente sujeta a la vida de su madre.
Tarnation es un autorretrato experimental. Para Caouette, la cámara sustituye a los diarios, la pluma se convierte en cinta. A travéz de intertítulos nos va narrando, en tercera persona, una historia al estilo cuento infantil, irónico con lo que está por venir. Adolph y Rosemary se conocen, se enamoran y se casan. Tienen una hija, Renee, que era muy hermosa, tan hermosa que se convierte en modelo infantil. Un día cae del techo (evento en el cual no hay mucha indagación) y por un tiempo queda paralizada. Unos vecinos recomiendan terapia electroshock (trivia: a Lou Reed también se lo hicieron ) y a partir de ahí Renee pierde su personalidad. Un día queda embarazada, y aquí es donde entra Jonathan Caouette.
La vida de Caouette es bastante trágica, y desafortunadamente no tan inusual en Estados Unidos. Caouette es adoptado por foster homes, donde es abusado, su madre mientras, entraba y salía de hospitales psiquiátricos. Fue adoptado por sus abuelos, quienes le regalaron una cámara súper 8, Caouette a tan temprana edad, tiene la necesidad de grabar su entorno. Caouette al igual que su madre, está constantemente internándose en los hospitales. Caouette sufre de despersonalización, donde se ve a si mismo haciendo las cosas, como si fuera una película. Quizás Caouette al ver la película podía verse a sí mismo viéndose a si mismo, 3 Caouettes.
Vemos unos videos de Caouette a los once años actuando nerviosamente con un acento de mujer sureña. Está imitando a una mujer que podría salir en The Jerry Springer show, o cualquier programa de ese estilo de principio de los 80. Su actuación es bastante buena y a la vez algo perturbante. Podemos ver que desde pequeño tiene esta necesidad de liberar sus demonios, actuando de mujeres con problemas, una distracción de sus propios problemas. Caouette tiene la fortuna de haberse grabado de niño, y poder usarlo hoy como testimonio, como comprobante. No es lo mismo que no los cuente a que no los enseñe, sobre todo este tipo de peculiaridades, que quizás son más significativas que eventos de "mayor importancia". Son estos videos caseros que conforman a la película, grabaciones que narran su vida.
Caouette es el típico ejemplo de los niños que crecen demasiado rápido, por lo menos sus experiencias llegan mucho antes de lo normal. A los trece ya frecuentaba antros gay underground. Por esa época conoce la música punk y el cine americano underground. La influencia del cine underground y la escena queer/new-wave/punk está muy presente en la estética de la película. Caouette nos muestra sus propios films underground que hace en su adolescencia; sangre, ancianos y gritos. En general la estética es muy DIY y bajo presupuesto que le agrega al mood que tiene de domesticidad, intimidad y en ocasiones falta de "belleza".
La película se encuentra repleta de momento incómodos para el espectador. Caouette lo logra con gran precisión, y quizás el más grande acierto. Si pudieran ver esta película alguno de los participantes de Chronique d'un été, creo que vomitarían de lo impúdico que es Caouette. Les repelaría su apertura a su vida personal y lo acusarían de exhibicionista. Al espectador le incómoda ver a la gente en una posición física que nos resulte desagradable, fuera de lo común. Podemos ver a su abuela sentada, su cara es muy delgada, sus ojos salidos y por alguna razón le ponen una peluca negra. El espectador se ríe, pero sabemos que lo hace con incomodidad, con una pequeña carga de culpa. Si tuviera que rescatar tan sólo un momento, sería una escena, que, quizás explicada por este medio, resultaría sencillo y su fuerza no saldría a relucir. Después de que su madre intenta suicidarse, Caouette regresa de Nueva York, en un tiempo más actual a cuando salió la película. Su abuela ya había muerto, sólo quedaba el muy anciano de su abuelo, en una casa completamente desordenada y algo destruida. Su madre es cuidada por este frágil anciano. La escena a la que me refiero es bastante sencilla. Se encuentra Renee sentada en el sofá y canta, más bien la oración que dice la canta. Toma una calabaza y demás objetos decorativos a su alredor y con cada oración suelta una carcajada. Esta escena dura bastante (puede ser que sean 3 minutos, pero se siento mucho más) e incómoda demasiado al espectador. Este momento es muy poderoso en cuanto a lo que nos hace sentir y su función narrativa y explicativa. Con esto quiero decir que al ver esta escena sabemos que ella no se encuentra muy sana de sus facultades mentales y con esto podríamos saber y entender el por qué de la inestabilidad de Caouette.
Nos queda claro que Caouette se siente bastante cómodo frente a la cámara, aunque a veces no pudo expresarse del todo frente a ella. Los abuelos y Renee también se sienten cómodos frente a la cámara, y esto se da más por el hecho de que acostumbrados a que Caouette y su cámara han estado presentes a travéz de los años. Cuando la película se vuelve más intenso, el abuelo y Renee, rechazan varias veces la presencia de la cámara. Esto es por que Caouette les pregunta sobre su pasado y sobre momentos que ellos no quieren reflexionar, revelar y/o admitir frente a la cámara. De cierta manera los acosa para que ellos también se abran como lo está haciendo Caouette.
Si algo podría criticar de la película sería que por momentos son bastante melosas las reacciones de Caouette. Pero creo que no impide a la película de transmitirnos y además no podríamos realmente saber lo que siente alguien en situaciones tan horribles como esas. Creo que el haber hecho esta película es para Caouette un gran logro a nivel personal, pues logró apartar por momentos sus demonios, percatarse de que sobrevive (mantiene una relación estable con su novio David), y pudo revivir su pasado y catalizar sus miedos en su diario no tan privado. La película nos deja ciertas cosas no muy claras y permanecen ambiguas.
A mí algo que me intriga, es la postura de Caouette con una enfermedad mental. Caouette afirma que los problemas de su madre se originan por la terapia electroshock. Los de él surgen cuando probó la marihuana que contenía pcp (angel dust). Pero el temor más grande de Caouette es heredar la enfermedad mental de su madre. Creo que el tema de la terapia electroshock es una manera de evadir el hecho de que quizás ya viene en su carga genética. La pregunta principal es, si él terminará como su madre, pregunta que aún no se puede responder.
Aprovecharé la influencia que tuvo el cine underground sobre Caouette, para poner películas de este género.
Flaming creatures, Jack Smith 1962
más de Jack Smith http://www.ubu.com/film/smith_jack.html
Early Abstractions, Harry Smith 1946-57 (part 1)
Scenes from Allen's Last Three Days on Earth as a Spirit, Jonas Mekas 1997
A video diary of Ginsberg in the days immediately before and after his death.
más de Jonas Mekas http://www.ubu.com/film/mekas.html
The Mongreloid, George Kuchar 1978
más de George Kuchar http://www.ubu.com/film/kuchar.html
Más que un documental, más que una manera de expresarse a travéz del cine (en este caso el video), Tarnation es un diario, un archivo de memorias privadas, es una catarsis. Jonathan Caouette nos revela su dura infancia que todavía perdura en él. Esta película es sobre su vida emocionalmente sujeta a la vida de su madre.
Tarnation es un autorretrato experimental. Para Caouette, la cámara sustituye a los diarios, la pluma se convierte en cinta. A travéz de intertítulos nos va narrando, en tercera persona, una historia al estilo cuento infantil, irónico con lo que está por venir. Adolph y Rosemary se conocen, se enamoran y se casan. Tienen una hija, Renee, que era muy hermosa, tan hermosa que se convierte en modelo infantil. Un día cae del techo (evento en el cual no hay mucha indagación) y por un tiempo queda paralizada. Unos vecinos recomiendan terapia electroshock (trivia: a Lou Reed también se lo hicieron ) y a partir de ahí Renee pierde su personalidad. Un día queda embarazada, y aquí es donde entra Jonathan Caouette.
La vida de Caouette es bastante trágica, y desafortunadamente no tan inusual en Estados Unidos. Caouette es adoptado por foster homes, donde es abusado, su madre mientras, entraba y salía de hospitales psiquiátricos. Fue adoptado por sus abuelos, quienes le regalaron una cámara súper 8, Caouette a tan temprana edad, tiene la necesidad de grabar su entorno. Caouette al igual que su madre, está constantemente internándose en los hospitales. Caouette sufre de despersonalización, donde se ve a si mismo haciendo las cosas, como si fuera una película. Quizás Caouette al ver la película podía verse a sí mismo viéndose a si mismo, 3 Caouettes.
Vemos unos videos de Caouette a los once años actuando nerviosamente con un acento de mujer sureña. Está imitando a una mujer que podría salir en The Jerry Springer show, o cualquier programa de ese estilo de principio de los 80. Su actuación es bastante buena y a la vez algo perturbante. Podemos ver que desde pequeño tiene esta necesidad de liberar sus demonios, actuando de mujeres con problemas, una distracción de sus propios problemas. Caouette tiene la fortuna de haberse grabado de niño, y poder usarlo hoy como testimonio, como comprobante. No es lo mismo que no los cuente a que no los enseñe, sobre todo este tipo de peculiaridades, que quizás son más significativas que eventos de "mayor importancia". Son estos videos caseros que conforman a la película, grabaciones que narran su vida.
Caouette es el típico ejemplo de los niños que crecen demasiado rápido, por lo menos sus experiencias llegan mucho antes de lo normal. A los trece ya frecuentaba antros gay underground. Por esa época conoce la música punk y el cine americano underground. La influencia del cine underground y la escena queer/new-wave/punk está muy presente en la estética de la película. Caouette nos muestra sus propios films underground que hace en su adolescencia; sangre, ancianos y gritos. En general la estética es muy DIY y bajo presupuesto que le agrega al mood que tiene de domesticidad, intimidad y en ocasiones falta de "belleza".
La película se encuentra repleta de momento incómodos para el espectador. Caouette lo logra con gran precisión, y quizás el más grande acierto. Si pudieran ver esta película alguno de los participantes de Chronique d'un été, creo que vomitarían de lo impúdico que es Caouette. Les repelaría su apertura a su vida personal y lo acusarían de exhibicionista. Al espectador le incómoda ver a la gente en una posición física que nos resulte desagradable, fuera de lo común. Podemos ver a su abuela sentada, su cara es muy delgada, sus ojos salidos y por alguna razón le ponen una peluca negra. El espectador se ríe, pero sabemos que lo hace con incomodidad, con una pequeña carga de culpa. Si tuviera que rescatar tan sólo un momento, sería una escena, que, quizás explicada por este medio, resultaría sencillo y su fuerza no saldría a relucir. Después de que su madre intenta suicidarse, Caouette regresa de Nueva York, en un tiempo más actual a cuando salió la película. Su abuela ya había muerto, sólo quedaba el muy anciano de su abuelo, en una casa completamente desordenada y algo destruida. Su madre es cuidada por este frágil anciano. La escena a la que me refiero es bastante sencilla. Se encuentra Renee sentada en el sofá y canta, más bien la oración que dice la canta. Toma una calabaza y demás objetos decorativos a su alredor y con cada oración suelta una carcajada. Esta escena dura bastante (puede ser que sean 3 minutos, pero se siento mucho más) e incómoda demasiado al espectador. Este momento es muy poderoso en cuanto a lo que nos hace sentir y su función narrativa y explicativa. Con esto quiero decir que al ver esta escena sabemos que ella no se encuentra muy sana de sus facultades mentales y con esto podríamos saber y entender el por qué de la inestabilidad de Caouette.
Nos queda claro que Caouette se siente bastante cómodo frente a la cámara, aunque a veces no pudo expresarse del todo frente a ella. Los abuelos y Renee también se sienten cómodos frente a la cámara, y esto se da más por el hecho de que acostumbrados a que Caouette y su cámara han estado presentes a travéz de los años. Cuando la película se vuelve más intenso, el abuelo y Renee, rechazan varias veces la presencia de la cámara. Esto es por que Caouette les pregunta sobre su pasado y sobre momentos que ellos no quieren reflexionar, revelar y/o admitir frente a la cámara. De cierta manera los acosa para que ellos también se abran como lo está haciendo Caouette.
Si algo podría criticar de la película sería que por momentos son bastante melosas las reacciones de Caouette. Pero creo que no impide a la película de transmitirnos y además no podríamos realmente saber lo que siente alguien en situaciones tan horribles como esas. Creo que el haber hecho esta película es para Caouette un gran logro a nivel personal, pues logró apartar por momentos sus demonios, percatarse de que sobrevive (mantiene una relación estable con su novio David), y pudo revivir su pasado y catalizar sus miedos en su diario no tan privado. La película nos deja ciertas cosas no muy claras y permanecen ambiguas.
A mí algo que me intriga, es la postura de Caouette con una enfermedad mental. Caouette afirma que los problemas de su madre se originan por la terapia electroshock. Los de él surgen cuando probó la marihuana que contenía pcp (angel dust). Pero el temor más grande de Caouette es heredar la enfermedad mental de su madre. Creo que el tema de la terapia electroshock es una manera de evadir el hecho de que quizás ya viene en su carga genética. La pregunta principal es, si él terminará como su madre, pregunta que aún no se puede responder.
Aprovecharé la influencia que tuvo el cine underground sobre Caouette, para poner películas de este género.
Flaming creatures, Jack Smith 1962
más de Jack Smith http://www.ubu.com/film/smith_jack.html
Early Abstractions, Harry Smith 1946-57 (part 1)
Scenes from Allen's Last Three Days on Earth as a Spirit, Jonas Mekas 1997
A video diary of Ginsberg in the days immediately before and after his death.
más de Jonas Mekas http://www.ubu.com/film/mekas.html
The Mongreloid, George Kuchar 1978
más de George Kuchar http://www.ubu.com/film/kuchar.html
Can Dialectics Break Bricks?
Continuando con el situacionismo del post anterior, he aquí Can Dialectics Break Bricks? Una película situacionista compuesta de películas de artes marciales. ¿El diálogo es más poderoso que la violencia?
Can Dialectics Break Bricks? René Viénet 1973
Can Dialectics Break Bricks? René Viénet 1973
viernes, 29 de mayo de 2009
Chronique d'un été
Chronique d'un été, Jean Rouch y Edgar Morin 1962 (clip)
"There is a whole series of intermediaries and these are lying intermediaries. We contract time, we extend it, we chose an angle for the shot, we deform the people we’re shooting, we speed things up and follow one movement to the detriment of another movement. So there is whole work of lies. But, for me and Edgar Morin, at the time we made that film this was more real than the truth. That is to say, there are a certain number of things happening, human facts surrounding us….which people would not be able to say any other way….it’s a sort of catalyst which allows us to reveal, with doubts, a fictional part of all of us, but which for me is the most real part of an individual."
Jean Rouch
En Chronique d'un été, Jean Rouch abandona los rituales y con ello a África, para filmar a la gente de su natal París. No se si podría comparar los rituales de sus películas pasadas a lo que ocurre en Chronique, pero podría decir que es Rouch ahora quien provoca las situaciones.
Chronique nace gracias a que el sociólogo y filósofo Edgar Morin, se lo incita a Rouch, diciéndole que debería filmar a la gente de su propio país. Esta película es un experimento donde se quería capturar la manera en que los parisinos vivían. Se quería hacer una película de carácter antropológico que contrastara con las películas previas de Rouch. En la película se puede sentir hervir las ideas que propiciarían las protestas estudiantiles de Mayo del 68. Estas ideas logran ir de la mano con la individualidad, con lo meramente personal. Rouch y Morin exploran la cotidianidad de las personas, sus miedos, sus pasados, sus pensamientos, y sus interacciones con los demás. Se combina lo banal con lo existencial.
Rouch, asistido por el ingeniero André Coutant, construyeron una cámara 16mm que fuera ligera y que no hiciera mucho ruido. Esta cámara era capaz de ser transportada a cualquier lado. La creación de esta cámara tuvo mucho que ver el que esta película se pudiera llevar a cabo. Rouch y Morin durante el verano en París entrevistan a una serie de personas abarcando diversos temas como la soledad, el Holocausto y la infancia. Rouch y Morin aparecen en pantalla incitando a las personas y en ocasiones orquestando la escena. Ambos son elementos de suma importancia para la película, son también actantes. Desde el principio se nos revela el carácter experimental del documental, apareciendo ambos en escena (con un participante de la película Marceline) comentando la naturaleza de la película. Chronique es considerado la primera película del cinema-verité, de acuerdo a Rouch, en honor al kino-pravda de Dziga Vertov. A travéz de un meticuloso montaje y de la incitación de los eventos y las personas, Rouch quiere alcanzar una verdad, la cual sólo puede surgir de esta manera. Para Rouch la gente se transforma frente a la cámara, se desinhibe o se inhibe, y cualquier reacción brinda una verdad que la realidad misma no nos puede ofrecer. Desde el principio nos involucramos con los participantes al igual que con Rouch y Morin. Podemos sentir que la cámara está presente y que existe una flexibilidad y una cierta improvisación que esta abierta a que cualquier cosa ocurra. El espectador puede ver la dinámica que existe entre Rouch y Morin con los participantes, una búsqueda antropológica con una serie de personas, un experimento proyectado ante nosotros. Se puede decir que el proceso de crear esta película es parte de la propia película.
De pronto la escena que estamos viendo aparece en una pantalla. Lo que acabamos de ver fue vista por los participantes de la película, Rouch y Morin. En comparación con las demás películas de Rouch, los participantes pudieron ver el material, después de ser editada, no en el proceso. El ver a los participantes verse en pantalla y juzgarse unos a los otros es parte del experimento y del proyecto.
Uno de los personajes que se encuentra hablando es Jean Pierre, un estudiante. Jean Pierre expresa su infelicidad y su inconformidad en general con el mundo. De pronto vemos la cara de Marceline, quien aparece desde el principio con Rouch y Morin. Captamos que Marceline es amante de Jean Pierre, quien ha estado presente durante la fuerte confesión de su amante. Marceline afirma que se siente culpable por la infelicidad de Jean Pierre, sus manos revelan su incomodidad. Marceline baja la cabeza y la cámara sigue este gesto. La cámara da un pequeño paneo hacia la derecha y nos revela en el brazo de Marceline, el tatuaje impregnado por un duro pasado. En ese momento nuestra mente se dispara y empezamos a examinar y a empatizar con una persona que fue víctima del Holocausto. Es probable que este movimiento de cámara haya sido premeditado, o simplemente se aprovechó esa toma para causar en nosotros un impacto.
Angelo trabaja en la fábrica de Renault. Angelo parece un personaje de varias películas de Martin Scorsese. Podría interpretar el personaje de James Caan en el Padrino, La voz ronca tipo Joe Pesci, la nariz, la manera en que mueve el cuerpo, su actitud. A pesar de que parece un personaje de ficción, fue para mí uno de los más genuinos y uno de los que más me conmovió. A Angelo lo podemos ver desde que se levanta en la mañana para ir a trabajar a la fábrica. Vemos también el recorrido a pie que hace para llegar a su casa en la tarde, donde lo observamos con su ropa blanca practicar un especie de arte marcial y meditación. Luego vemos a Angelo en las escaleras de un edificio de departamentos sentado con Landry, a quien acaba de conocer gracias a Morin. Angelo expresó que tenía interés por conocerlo. Landry es un joven de Costa de Marfil, que más tarde en la película nos enteramos de que no tenía idea del acontecimiento del Holocausto. Aquí se puede ver un poco el contraste de la vida en Africa, quien Rouch, ya sabemos, retrató con presición, y la vida en París. Aquí Angelo logra interesarse genuinamente por lo que Landry tiene que contar y a la vez, podríamos decir, que se desahoga. Para mí es muy poderoso la manera en que se expresa de la clase obrera, a la cual pertenece. El obrero francés de acuerdo a Angelo, sólo piensa en sí mismo. Angelo se expresa pesimista sobre la manera en que la gente usa su dinero y su excesivo interés por lo material. Yo concuerdo con Morin en que esta escena es de las más sinceras, donde podemos "ver una amistad creada ante nuestros ojos".
Cuando los participantes comentan sobre lo que les acaba de ser proyectados, se crea una controversia alrededor de una escena de Marceline. Marceline es seguida caminando por Les Halles por la cámara del director y fotógrafo canadiense Michel Brault en un estado de trance. Marceline camina las calles hablándole directamente a su padre, quién murió víctima del Holocausto. Muchos opinan que fue un momento actuado, otros creen que fue realmente genuino y simplemente se dejó llevar. Esta es la escena con más carga emocional de toda la película. Debemos admitir que Marceline le gusta provocar a la cámara y a la vez ser provocada. Marceline está conciente de la presencia que tiene y del poder que tiene sobre la cámara. Realmente no importa si esta escena de Marceline fue actuado, pues lo que importa es su revelación. Esta escena comprueba la teoría de Rouch, de que la cámara es capaz de provocar y de revelar una verdad, aunque esta haya sido "actuada". Existe la probabilidad de que en la realidad, esto nunca hubiera brotado, por lo menos no con la misma fuerza.
En el blog ya he hablado del poder que tiene la cámara sobre las personas. Chronique podría ser el más claro ejemplo de todos los efectos que lleva la relación entre la cámara y el hombre. De acuerdo a Rouch, cuando una persona es grabada, sus reacciones serán infinitamente más sinceras a las reacciones que ocurren cuando no son grabadas. Yo no estoy completamente de acuerdo, pues mucha gente finge frente a la cámara. Muchas personas (celebridades, políticos, personas en juicios etc.) se preocupan por la imágen que proyectará, y cómo se beneficiarán de su proyección hacia los demás. Aunque este tipo de personas no estén siendo naturales y mucho menos sinceros, este fingir nos revela otra faceta, otra verdad de dicha persona, una revelación, quizás, más profunda.
Es un tanto ingenuo el creer que se puede lograr una realidad cruda, algo idéntico a lo que es la realidad fuera de las cámaras. Pero el poder de la cámara es que puede revelarnos ciertas cosas, ciertas verdades y ciertas realidades. Realidades que no existen en la realidad misma. La cámara cumple su función pero necesita del montaje del director y de la provocación, de ahí el cinema verité. El cinema verité provoca y el direct cinema se abstiene (la mayoría de las veces) de provocar. Yo podría decir que a veces la cámara (el director está implícito) debe tener una enorme fortuna de encontrarse en un momento adecuado. Es como cuando una de las niñas que estaban de vacaciones le dice a Morin que la vida era divertida, y Morin le pregunta por qué, y ella responde, quizás es por que estoy de vacaciones.
Otro personaje importante es Marilou, una mujer italiana que ahora vive en París a la cual su soledad la está ahogando. Los nervios de Marilou son bastante explícitos, las manos le tiemblan y la voz se le quiebra, su confesión es de las más reveladoras. En el caso de Marceline, por su pasado, si la hubieran entrevistado cinco años antes o cinco años después, en esencia hubiera sido lo mismo, la marca en su brazo estaría presente. Pero en el caso de Marilou no hubiera sido así. Si ella en el momento de ser entrevistada hubiera tenido una pareja, no hubiera sentido la misma soledad que la que confiesa en Chronique. Aquí los realizadores tuvieron la fortuna de entrevistarla en un momento difícil en su vida que va de la mano con lo que se vivía en ese entonces en París. La gente, las vivencias y los tiempos cambian. el director debe estar atento a esto y debe aprovechar cualquier descubrimiento que esto provoque. Siempre habrá personajes que resalten más que otros y que puedan lograr captar la completa atención del espectador, y hacer que nos interesemos por ellos.
Al terminar la proyección, Rouch y Morin caminan por el Musée de l'Homme en París comentando sobre la película. Ambos se encuentran simultáneamente satisfechos e insatisfechos. A Rouch le sorprende el que acusen a Marceline de estar fingiendo, pues Rouch conoce muy bien lo que es estar en estado de trance, y Marceline le parece genuina. Unos opinan que Marilou se abre demasiado, que cae en lo impúdico. Morin observa que se le reprocha a los personajes por que no son sinceros o por que son demasiado abiertos. También afirma que cuando son más sinceros que en la realidad, se les considera o comediantes o exhibicionistas. Si se les considera comediantes o exhibicionistas a alguno de los personajes de Chronique, entonces para Morin su película es un fracaso en cuanto a la propuesta que se tenía inicialmente. La película da pie a nuevas preguntas que probablemente son más complejas de responder. Creo que Rouch y Morin, a pesar de colaborar juntos, tenían cada uno, una meta y diferentes expectativas. Morin quería descubrir como vivían los parisinos. No sé si realmente logra saber como viven las personas en París, pero creo que logra rescatar una universalidad. La soledad, el inconformismo y la indeferencia es experimentada, sin discriminación alguna, por todas las personas del mundo. Creo que para Jean Rouch, la experiencia fue más satisfactoria y mas enriquecedora. Rouch pudo comprobar de nuevo el poder que tiene la cámara y descubrir nuevas facetas de dicho poder. Rouch pudo descubrir que los estados de trance existen en diferentes personas y de diferentes maneras.
Película que toca filosófícamente el tema de mayo del 68 y que representa esa época en París
La Société du spectacle, Guy Debord 1973 (part 1)
más de Guy Debord
http://www.ubu.com/film/debord.html
Sobre el movimiento situacionista donde Guy Debord es considerado como el principal intelectual.
On the Passage of a few People through a Rather Brief Moment in Time: The Situationist International 1956-1972 (part 1)
Regis Debray, participante en la película, se convirtió en político marxista e incluso estuvo en Bolivia junto al Che Guevara. Aquí una pequeña entrevista sobre su nueva ideología "mediology."
http://www.wired.com/wired/archive/3.01/debray.html
Slogans que aprecían en las paredes de París
http://libcom.org/history/slogans-68
Pósters de Mayo 68
http://membres.lycos.fr/mai68/affiches/affiches.htm
Fotos Mayo 68
http://brownsoundclothing.com/sla/blog/6868/6868.html
http://www.photos-mai68.com/index.php?x=browse
"There is a whole series of intermediaries and these are lying intermediaries. We contract time, we extend it, we chose an angle for the shot, we deform the people we’re shooting, we speed things up and follow one movement to the detriment of another movement. So there is whole work of lies. But, for me and Edgar Morin, at the time we made that film this was more real than the truth. That is to say, there are a certain number of things happening, human facts surrounding us….which people would not be able to say any other way….it’s a sort of catalyst which allows us to reveal, with doubts, a fictional part of all of us, but which for me is the most real part of an individual."
Jean Rouch
En Chronique d'un été, Jean Rouch abandona los rituales y con ello a África, para filmar a la gente de su natal París. No se si podría comparar los rituales de sus películas pasadas a lo que ocurre en Chronique, pero podría decir que es Rouch ahora quien provoca las situaciones.
Chronique nace gracias a que el sociólogo y filósofo Edgar Morin, se lo incita a Rouch, diciéndole que debería filmar a la gente de su propio país. Esta película es un experimento donde se quería capturar la manera en que los parisinos vivían. Se quería hacer una película de carácter antropológico que contrastara con las películas previas de Rouch. En la película se puede sentir hervir las ideas que propiciarían las protestas estudiantiles de Mayo del 68. Estas ideas logran ir de la mano con la individualidad, con lo meramente personal. Rouch y Morin exploran la cotidianidad de las personas, sus miedos, sus pasados, sus pensamientos, y sus interacciones con los demás. Se combina lo banal con lo existencial.
Rouch, asistido por el ingeniero André Coutant, construyeron una cámara 16mm que fuera ligera y que no hiciera mucho ruido. Esta cámara era capaz de ser transportada a cualquier lado. La creación de esta cámara tuvo mucho que ver el que esta película se pudiera llevar a cabo. Rouch y Morin durante el verano en París entrevistan a una serie de personas abarcando diversos temas como la soledad, el Holocausto y la infancia. Rouch y Morin aparecen en pantalla incitando a las personas y en ocasiones orquestando la escena. Ambos son elementos de suma importancia para la película, son también actantes. Desde el principio se nos revela el carácter experimental del documental, apareciendo ambos en escena (con un participante de la película Marceline) comentando la naturaleza de la película. Chronique es considerado la primera película del cinema-verité, de acuerdo a Rouch, en honor al kino-pravda de Dziga Vertov. A travéz de un meticuloso montaje y de la incitación de los eventos y las personas, Rouch quiere alcanzar una verdad, la cual sólo puede surgir de esta manera. Para Rouch la gente se transforma frente a la cámara, se desinhibe o se inhibe, y cualquier reacción brinda una verdad que la realidad misma no nos puede ofrecer. Desde el principio nos involucramos con los participantes al igual que con Rouch y Morin. Podemos sentir que la cámara está presente y que existe una flexibilidad y una cierta improvisación que esta abierta a que cualquier cosa ocurra. El espectador puede ver la dinámica que existe entre Rouch y Morin con los participantes, una búsqueda antropológica con una serie de personas, un experimento proyectado ante nosotros. Se puede decir que el proceso de crear esta película es parte de la propia película.
De pronto la escena que estamos viendo aparece en una pantalla. Lo que acabamos de ver fue vista por los participantes de la película, Rouch y Morin. En comparación con las demás películas de Rouch, los participantes pudieron ver el material, después de ser editada, no en el proceso. El ver a los participantes verse en pantalla y juzgarse unos a los otros es parte del experimento y del proyecto.
Uno de los personajes que se encuentra hablando es Jean Pierre, un estudiante. Jean Pierre expresa su infelicidad y su inconformidad en general con el mundo. De pronto vemos la cara de Marceline, quien aparece desde el principio con Rouch y Morin. Captamos que Marceline es amante de Jean Pierre, quien ha estado presente durante la fuerte confesión de su amante. Marceline afirma que se siente culpable por la infelicidad de Jean Pierre, sus manos revelan su incomodidad. Marceline baja la cabeza y la cámara sigue este gesto. La cámara da un pequeño paneo hacia la derecha y nos revela en el brazo de Marceline, el tatuaje impregnado por un duro pasado. En ese momento nuestra mente se dispara y empezamos a examinar y a empatizar con una persona que fue víctima del Holocausto. Es probable que este movimiento de cámara haya sido premeditado, o simplemente se aprovechó esa toma para causar en nosotros un impacto.
Angelo trabaja en la fábrica de Renault. Angelo parece un personaje de varias películas de Martin Scorsese. Podría interpretar el personaje de James Caan en el Padrino, La voz ronca tipo Joe Pesci, la nariz, la manera en que mueve el cuerpo, su actitud. A pesar de que parece un personaje de ficción, fue para mí uno de los más genuinos y uno de los que más me conmovió. A Angelo lo podemos ver desde que se levanta en la mañana para ir a trabajar a la fábrica. Vemos también el recorrido a pie que hace para llegar a su casa en la tarde, donde lo observamos con su ropa blanca practicar un especie de arte marcial y meditación. Luego vemos a Angelo en las escaleras de un edificio de departamentos sentado con Landry, a quien acaba de conocer gracias a Morin. Angelo expresó que tenía interés por conocerlo. Landry es un joven de Costa de Marfil, que más tarde en la película nos enteramos de que no tenía idea del acontecimiento del Holocausto. Aquí se puede ver un poco el contraste de la vida en Africa, quien Rouch, ya sabemos, retrató con presición, y la vida en París. Aquí Angelo logra interesarse genuinamente por lo que Landry tiene que contar y a la vez, podríamos decir, que se desahoga. Para mí es muy poderoso la manera en que se expresa de la clase obrera, a la cual pertenece. El obrero francés de acuerdo a Angelo, sólo piensa en sí mismo. Angelo se expresa pesimista sobre la manera en que la gente usa su dinero y su excesivo interés por lo material. Yo concuerdo con Morin en que esta escena es de las más sinceras, donde podemos "ver una amistad creada ante nuestros ojos".
Cuando los participantes comentan sobre lo que les acaba de ser proyectados, se crea una controversia alrededor de una escena de Marceline. Marceline es seguida caminando por Les Halles por la cámara del director y fotógrafo canadiense Michel Brault en un estado de trance. Marceline camina las calles hablándole directamente a su padre, quién murió víctima del Holocausto. Muchos opinan que fue un momento actuado, otros creen que fue realmente genuino y simplemente se dejó llevar. Esta es la escena con más carga emocional de toda la película. Debemos admitir que Marceline le gusta provocar a la cámara y a la vez ser provocada. Marceline está conciente de la presencia que tiene y del poder que tiene sobre la cámara. Realmente no importa si esta escena de Marceline fue actuado, pues lo que importa es su revelación. Esta escena comprueba la teoría de Rouch, de que la cámara es capaz de provocar y de revelar una verdad, aunque esta haya sido "actuada". Existe la probabilidad de que en la realidad, esto nunca hubiera brotado, por lo menos no con la misma fuerza.
En el blog ya he hablado del poder que tiene la cámara sobre las personas. Chronique podría ser el más claro ejemplo de todos los efectos que lleva la relación entre la cámara y el hombre. De acuerdo a Rouch, cuando una persona es grabada, sus reacciones serán infinitamente más sinceras a las reacciones que ocurren cuando no son grabadas. Yo no estoy completamente de acuerdo, pues mucha gente finge frente a la cámara. Muchas personas (celebridades, políticos, personas en juicios etc.) se preocupan por la imágen que proyectará, y cómo se beneficiarán de su proyección hacia los demás. Aunque este tipo de personas no estén siendo naturales y mucho menos sinceros, este fingir nos revela otra faceta, otra verdad de dicha persona, una revelación, quizás, más profunda.
Es un tanto ingenuo el creer que se puede lograr una realidad cruda, algo idéntico a lo que es la realidad fuera de las cámaras. Pero el poder de la cámara es que puede revelarnos ciertas cosas, ciertas verdades y ciertas realidades. Realidades que no existen en la realidad misma. La cámara cumple su función pero necesita del montaje del director y de la provocación, de ahí el cinema verité. El cinema verité provoca y el direct cinema se abstiene (la mayoría de las veces) de provocar. Yo podría decir que a veces la cámara (el director está implícito) debe tener una enorme fortuna de encontrarse en un momento adecuado. Es como cuando una de las niñas que estaban de vacaciones le dice a Morin que la vida era divertida, y Morin le pregunta por qué, y ella responde, quizás es por que estoy de vacaciones.
Otro personaje importante es Marilou, una mujer italiana que ahora vive en París a la cual su soledad la está ahogando. Los nervios de Marilou son bastante explícitos, las manos le tiemblan y la voz se le quiebra, su confesión es de las más reveladoras. En el caso de Marceline, por su pasado, si la hubieran entrevistado cinco años antes o cinco años después, en esencia hubiera sido lo mismo, la marca en su brazo estaría presente. Pero en el caso de Marilou no hubiera sido así. Si ella en el momento de ser entrevistada hubiera tenido una pareja, no hubiera sentido la misma soledad que la que confiesa en Chronique. Aquí los realizadores tuvieron la fortuna de entrevistarla en un momento difícil en su vida que va de la mano con lo que se vivía en ese entonces en París. La gente, las vivencias y los tiempos cambian. el director debe estar atento a esto y debe aprovechar cualquier descubrimiento que esto provoque. Siempre habrá personajes que resalten más que otros y que puedan lograr captar la completa atención del espectador, y hacer que nos interesemos por ellos.
Al terminar la proyección, Rouch y Morin caminan por el Musée de l'Homme en París comentando sobre la película. Ambos se encuentran simultáneamente satisfechos e insatisfechos. A Rouch le sorprende el que acusen a Marceline de estar fingiendo, pues Rouch conoce muy bien lo que es estar en estado de trance, y Marceline le parece genuina. Unos opinan que Marilou se abre demasiado, que cae en lo impúdico. Morin observa que se le reprocha a los personajes por que no son sinceros o por que son demasiado abiertos. También afirma que cuando son más sinceros que en la realidad, se les considera o comediantes o exhibicionistas. Si se les considera comediantes o exhibicionistas a alguno de los personajes de Chronique, entonces para Morin su película es un fracaso en cuanto a la propuesta que se tenía inicialmente. La película da pie a nuevas preguntas que probablemente son más complejas de responder. Creo que Rouch y Morin, a pesar de colaborar juntos, tenían cada uno, una meta y diferentes expectativas. Morin quería descubrir como vivían los parisinos. No sé si realmente logra saber como viven las personas en París, pero creo que logra rescatar una universalidad. La soledad, el inconformismo y la indeferencia es experimentada, sin discriminación alguna, por todas las personas del mundo. Creo que para Jean Rouch, la experiencia fue más satisfactoria y mas enriquecedora. Rouch pudo comprobar de nuevo el poder que tiene la cámara y descubrir nuevas facetas de dicho poder. Rouch pudo descubrir que los estados de trance existen en diferentes personas y de diferentes maneras.
Película que toca filosófícamente el tema de mayo del 68 y que representa esa época en París
La Société du spectacle, Guy Debord 1973 (part 1)
más de Guy Debord
http://www.ubu.com/film/debord.html
Sobre el movimiento situacionista donde Guy Debord es considerado como el principal intelectual.
On the Passage of a few People through a Rather Brief Moment in Time: The Situationist International 1956-1972 (part 1)
Regis Debray, participante en la película, se convirtió en político marxista e incluso estuvo en Bolivia junto al Che Guevara. Aquí una pequeña entrevista sobre su nueva ideología "mediology."
http://www.wired.com/wired/archive/3.01/debray.html
Slogans que aprecían en las paredes de París
http://libcom.org/history/slogans-68
Pósters de Mayo 68
http://membres.lycos.fr/mai68/affiches/affiches.htm
Fotos Mayo 68
http://brownsoundclothing.com/sla/blog/6868/6868.html
http://www.photos-mai68.com/index.php?x=browse
lunes, 18 de mayo de 2009
Emile de Antonio
Painters Painting es el único documental, de los 10 que hizo, que no trata sobre la Guerra Fría. De Antonio frecuentaba la escena del arte pop en Nueva York y lo plasma en esta película, en donde podemos ver a Willem de Kooning, Jasper Johns, Andy Warhol, Robert Rauschenberg entre otros.
Varias de sus películas se pueden bajar en torrent, sólo encontré Painters Painting subido a la red.
Painters Painting, Emile de Antonio 1972
http://hcl.harvard.edu/hfa/films/2008mayjune/antonio.html
http://archive.sensesofcinema.com/contents/04/31/emile_de_antonio.html
Varias de sus películas se pueden bajar en torrent, sólo encontré Painters Painting subido a la red.
Painters Painting, Emile de Antonio 1972
http://hcl.harvard.edu/hfa/films/2008mayjune/antonio.html
http://archive.sensesofcinema.com/contents/04/31/emile_de_antonio.html
miércoles, 29 de abril de 2009
Clase de anatomía
Ahorita leí este review de un libro que trata sobre la disección de finales del siglo XIX y principios del siglo pasado, al mismo tiempo que la fotografía comenzaba y adquiría popularidad.
http://www.nytimes.com/2009/04/28/health/28book.html
http://www.nytimes.com/2009/04/28/health/28book.html
martes, 28 de abril de 2009
Retrato de un criminal moderno
Un spécialiste, portrait d'un criminel moderne, Eyal Sivan 1999
"The destroyer of a people, an enemy of mankind"
Gideon Hausner, attorney general en el juicio de Adolf Eichmann 1961
Un spécialiste de Eyal Sivan, está compuesto en su totalidad por material de archivo. Este material fue grabado en video por Leo Hurwitz y retrata el juicio de Adolf Eichmann que ocurrió en 1961. Sivan y su coescritor Rony Brauman, se inspiraron en el libro Eichmann in Jerusalem: A Report on the Banality of Evil de Hannah Arendt.
Es una lástima que Hitler se haya quitado la vida, pues él realmente es el epítome de la maldad. Su filosofía se basaba en la frase "Lebensunwertes Leben" (life unworthy of life), vida que no merece vivir. Si Dante Alighieri viviera en estos tiempos, las tres cabezas de su demonio hubieran sido tres Hitlers. Hubiera sido una gran aportación para el hombre, el que Hitler fuera juzgado. A mí sobre todo me hubiera gustado saber más detalles de lo que motivaba a Hitler, el poder tener la oportunidad de penetrar su mente, quizás algo útil hubiera emergido. Probablemente el "mal" hubiera sido más expuesto y seguramente se hubiera convertido en algo más complejo y misterioso.
Debemos admitir que este juicio era un enorme show y una manera de poder tener presente a un asesino de este calibre. Al secuestrarlo de Argentina, Eichmann fue llevado a Jerusalén para llevar a cabo el juicio, ¿por qué en Jerusalén? me imaginaría que el juicio debía de haber sido en Europa, pero no lo entiendo bien, no sé cómo funcionan las leyes internacionales. Este juicio estaba motivado por la venganza y sobre todo el morbo, lo cual comprendo totalmente. Querían saber todos los detalles de lo que ocurrió en los campos, por lo que se solicitaron a muchos testigos para que también narraran lo que habían vivido. El hecho de que dejaran al público presenciarlo, refuerza lo que digo, y creo que no lo negarían por completo. Este juicio realmente era un espectáculo donde no quedaba la mínima probabilidad de que Eichmann se salvara. Sivan justamente es lo que nos quiere demostrar. Creo yo que es por eso decidió incluir, de las más de 350 horas que existe de los juicios, un momento que no aporta absolutamente nada ni a los juicios, ni al estudio de Eichmann. Este momento es cuando discuten dos participantes del juicio y Eichmann sobre las ciudades de Cholm, Kulm, Kulmhof, se confunden y no saben si es una misma ciudad por sus traducciónes en alemán y polaco o si son diferentes ciudades. Esta escena es muy graciosa gracias a lo inverosímil, absurdo y banal que esdante, lo cual contrasta enormemente con el motivo principal por lo que se encuentran ahí.
"Eichmann received no superior orders at all. He was his own superior and he gave all orders in matters that concerned Jewish affairs... the idea that the so-called Final Solution would never have assumed the infernal forms of the flayed skin and tortured flesh of millions of Jews without the fanatical zeal and the unquenchable blood thirst of the appellant and his associates.
veredicto
En la vida diaria, Eichmann no llamaría nuestra atención, delgado, naríz aguileña, lentes redondos y sus labios delgado contraídos. En estos juicios nos enfrentamos con una representación exagerada de lo que es un burócrata, poca iniciativa. Eichmann era un hombre meticuloso y dedicado a su trabajo, se enfocaba en la logística, en este caso de la deportación de los judíos fuera de Europa. En el juicio, Eichmann responde a un enorma porcentaje de las preguntas, con coartada conocida como el Nuremberg defense "sólo estaba siguiendo las órdenes". Afirma constantemente que su todo lo que hacía tenia que ser autorizado y el realmente no tenía gran poder en la toma de desiciones. Es esto lo que creo yo nos asusta. Qué realmente nos diferencía de Eichmann y el resto de los nazis que supuestamente solo seguían una orden. A mí lo que más me ha interesado del tema del Holocausto, es justamente estas personas que por órdenes de sus superiores tenían que llevar a anciano a a los cuartos de gas para exterminarlos (esta palabra es demasiado fuerte, pero era la que usaban en sus documentos). ¿Realmente se convierten en malas personas, son capaces de dar ese cambio tan grande ? ¿o lo eran desde antes? ¿o es algo que todos llevamos dentro y u día brota? Es esto lo que Hannah Arendt se cuestiona.
Surge un término creado por el filósofo John Zerzan que denomina little Eichmanns a todos ellos que participan en un sistema de manera inmoral y destructiva, que a menor escala sus actos podrían parecer insignificantes, pero cuando se suman todos estos esfuerzos es cuando se puede lograr un resultado catastrófico. Ward Churchill usó este término para describir a los que trabajaban en el WTC de Nueva York;
"There is simply no argument to be made that the Pentagon personnel killed on September 11 fill that bill. The building and those inside comprised military targets, pure and simple. As to those in the World Trade Center . . .
Well, really. Let's get a grip here, shall we? True enough, they were civilians of a sort. But innocent? Gimme a break. They formed a technocratic corps at the very heart of America's global financial empire – the "mighty engine of profit" to which the military dimension of U.S. policy has always been enslaved – and they did so both willingly and knowingly. Recourse to "ignorance" – a derivative, after all, of the word "ignore" – counts as less than an excuse among this relatively well-educated elite. To the extent that any of them were unaware of the costs and consequences to others of what they were involved in – and in many cases excelling at – it was because of their absolute refusal to see. More likely, it was because they were too busy braying, incessantly and self-importantly, into their cell phones, arranging power lunches and stock transactions, each of which translated, conveniently out of sight, mind and smelling distance, into the starved and rotting flesh of infants. If there was a better, more effective, or in fact any other way of visiting some penalty befitting their participation upon the little Eichmanns inhabiting the sterile sanctuary of the twin towers, I'd really be interested in hearing about it."
¿Qué tanto podemos seguir órdenes? Quizás uno a veces no tiene la opción y lo debe hacer, quizas hasta llegan a acostumbrarse. Existe un momento en la película donde a su manera fría, donde no demuestra culpa ni remordimiendo, con toda lucidez y honestidad Eichmann afirma que es quizás el peor crimen contra la humanidad. Y Aichmann tiene razón en afirmar que esto tiene que servirnos para no cometerlo en el futuro.
Adolf Eichmann
Eichmann
Route 181: Fragments of a Journey in Palestine-Israel (part 1), Eyal Sivan y Michel Khleifi 2004
The Architecture of Doom, Peter Cohen 1989
Sobre la obsesión de Hitler con la arquitectura
"Some People Push Back" On the Justice of Roosting Chickens, Ward Churchill
http://www.kersplebedeb.com/mystuff/s11/churchill.html
Whose unabomber?, John Zerzan
http://www.insurgentdesire.org.uk/whoseunabomber.htm
"The destroyer of a people, an enemy of mankind"
Gideon Hausner, attorney general en el juicio de Adolf Eichmann 1961
Un spécialiste de Eyal Sivan, está compuesto en su totalidad por material de archivo. Este material fue grabado en video por Leo Hurwitz y retrata el juicio de Adolf Eichmann que ocurrió en 1961. Sivan y su coescritor Rony Brauman, se inspiraron en el libro Eichmann in Jerusalem: A Report on the Banality of Evil de Hannah Arendt.
Es una lástima que Hitler se haya quitado la vida, pues él realmente es el epítome de la maldad. Su filosofía se basaba en la frase "Lebensunwertes Leben" (life unworthy of life), vida que no merece vivir. Si Dante Alighieri viviera en estos tiempos, las tres cabezas de su demonio hubieran sido tres Hitlers. Hubiera sido una gran aportación para el hombre, el que Hitler fuera juzgado. A mí sobre todo me hubiera gustado saber más detalles de lo que motivaba a Hitler, el poder tener la oportunidad de penetrar su mente, quizás algo útil hubiera emergido. Probablemente el "mal" hubiera sido más expuesto y seguramente se hubiera convertido en algo más complejo y misterioso.
Debemos admitir que este juicio era un enorme show y una manera de poder tener presente a un asesino de este calibre. Al secuestrarlo de Argentina, Eichmann fue llevado a Jerusalén para llevar a cabo el juicio, ¿por qué en Jerusalén? me imaginaría que el juicio debía de haber sido en Europa, pero no lo entiendo bien, no sé cómo funcionan las leyes internacionales. Este juicio estaba motivado por la venganza y sobre todo el morbo, lo cual comprendo totalmente. Querían saber todos los detalles de lo que ocurrió en los campos, por lo que se solicitaron a muchos testigos para que también narraran lo que habían vivido. El hecho de que dejaran al público presenciarlo, refuerza lo que digo, y creo que no lo negarían por completo. Este juicio realmente era un espectáculo donde no quedaba la mínima probabilidad de que Eichmann se salvara. Sivan justamente es lo que nos quiere demostrar. Creo yo que es por eso decidió incluir, de las más de 350 horas que existe de los juicios, un momento que no aporta absolutamente nada ni a los juicios, ni al estudio de Eichmann. Este momento es cuando discuten dos participantes del juicio y Eichmann sobre las ciudades de Cholm, Kulm, Kulmhof, se confunden y no saben si es una misma ciudad por sus traducciónes en alemán y polaco o si son diferentes ciudades. Esta escena es muy graciosa gracias a lo inverosímil, absurdo y banal que esdante, lo cual contrasta enormemente con el motivo principal por lo que se encuentran ahí.
"Eichmann received no superior orders at all. He was his own superior and he gave all orders in matters that concerned Jewish affairs... the idea that the so-called Final Solution would never have assumed the infernal forms of the flayed skin and tortured flesh of millions of Jews without the fanatical zeal and the unquenchable blood thirst of the appellant and his associates.
veredicto
En la vida diaria, Eichmann no llamaría nuestra atención, delgado, naríz aguileña, lentes redondos y sus labios delgado contraídos. En estos juicios nos enfrentamos con una representación exagerada de lo que es un burócrata, poca iniciativa. Eichmann era un hombre meticuloso y dedicado a su trabajo, se enfocaba en la logística, en este caso de la deportación de los judíos fuera de Europa. En el juicio, Eichmann responde a un enorma porcentaje de las preguntas, con coartada conocida como el Nuremberg defense "sólo estaba siguiendo las órdenes". Afirma constantemente que su todo lo que hacía tenia que ser autorizado y el realmente no tenía gran poder en la toma de desiciones. Es esto lo que creo yo nos asusta. Qué realmente nos diferencía de Eichmann y el resto de los nazis que supuestamente solo seguían una orden. A mí lo que más me ha interesado del tema del Holocausto, es justamente estas personas que por órdenes de sus superiores tenían que llevar a anciano a a los cuartos de gas para exterminarlos (esta palabra es demasiado fuerte, pero era la que usaban en sus documentos). ¿Realmente se convierten en malas personas, son capaces de dar ese cambio tan grande ? ¿o lo eran desde antes? ¿o es algo que todos llevamos dentro y u día brota? Es esto lo que Hannah Arendt se cuestiona.
Surge un término creado por el filósofo John Zerzan que denomina little Eichmanns a todos ellos que participan en un sistema de manera inmoral y destructiva, que a menor escala sus actos podrían parecer insignificantes, pero cuando se suman todos estos esfuerzos es cuando se puede lograr un resultado catastrófico. Ward Churchill usó este término para describir a los que trabajaban en el WTC de Nueva York;
"There is simply no argument to be made that the Pentagon personnel killed on September 11 fill that bill. The building and those inside comprised military targets, pure and simple. As to those in the World Trade Center . . .
Well, really. Let's get a grip here, shall we? True enough, they were civilians of a sort. But innocent? Gimme a break. They formed a technocratic corps at the very heart of America's global financial empire – the "mighty engine of profit" to which the military dimension of U.S. policy has always been enslaved – and they did so both willingly and knowingly. Recourse to "ignorance" – a derivative, after all, of the word "ignore" – counts as less than an excuse among this relatively well-educated elite. To the extent that any of them were unaware of the costs and consequences to others of what they were involved in – and in many cases excelling at – it was because of their absolute refusal to see. More likely, it was because they were too busy braying, incessantly and self-importantly, into their cell phones, arranging power lunches and stock transactions, each of which translated, conveniently out of sight, mind and smelling distance, into the starved and rotting flesh of infants. If there was a better, more effective, or in fact any other way of visiting some penalty befitting their participation upon the little Eichmanns inhabiting the sterile sanctuary of the twin towers, I'd really be interested in hearing about it."
¿Qué tanto podemos seguir órdenes? Quizás uno a veces no tiene la opción y lo debe hacer, quizas hasta llegan a acostumbrarse. Existe un momento en la película donde a su manera fría, donde no demuestra culpa ni remordimiendo, con toda lucidez y honestidad Eichmann afirma que es quizás el peor crimen contra la humanidad. Y Aichmann tiene razón en afirmar que esto tiene que servirnos para no cometerlo en el futuro.
Adolf Eichmann
Eichmann
Route 181: Fragments of a Journey in Palestine-Israel (part 1), Eyal Sivan y Michel Khleifi 2004
The Architecture of Doom, Peter Cohen 1989
Sobre la obsesión de Hitler con la arquitectura
"Some People Push Back" On the Justice of Roosting Chickens, Ward Churchill
http://www.kersplebedeb.com/mystuff/s11/churchill.html
Whose unabomber?, John Zerzan
http://www.insurgentdesire.org.uk/whoseunabomber.htm
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