http://www.nytimes.com/2009/04/28/health/28book.html
miércoles, 29 de abril de 2009
Clase de anatomía
Ahorita leí este review de un libro que trata sobre la disección de finales del siglo XIX y principios del siglo pasado, al mismo tiempo que la fotografía comenzaba y adquiría popularidad.
http://www.nytimes.com/2009/04/28/health/28book.html
http://www.nytimes.com/2009/04/28/health/28book.html
martes, 28 de abril de 2009
Retrato de un criminal moderno
Un spécialiste, portrait d'un criminel moderne, Eyal Sivan 1999
"The destroyer of a people, an enemy of mankind"
Gideon Hausner, attorney general en el juicio de Adolf Eichmann 1961
Un spécialiste de Eyal Sivan, está compuesto en su totalidad por material de archivo. Este material fue grabado en video por Leo Hurwitz y retrata el juicio de Adolf Eichmann que ocurrió en 1961. Sivan y su coescritor Rony Brauman, se inspiraron en el libro Eichmann in Jerusalem: A Report on the Banality of Evil de Hannah Arendt.
Es una lástima que Hitler se haya quitado la vida, pues él realmente es el epítome de la maldad. Su filosofía se basaba en la frase "Lebensunwertes Leben" (life unworthy of life), vida que no merece vivir. Si Dante Alighieri viviera en estos tiempos, las tres cabezas de su demonio hubieran sido tres Hitlers. Hubiera sido una gran aportación para el hombre, el que Hitler fuera juzgado. A mí sobre todo me hubiera gustado saber más detalles de lo que motivaba a Hitler, el poder tener la oportunidad de penetrar su mente, quizás algo útil hubiera emergido. Probablemente el "mal" hubiera sido más expuesto y seguramente se hubiera convertido en algo más complejo y misterioso.
Debemos admitir que este juicio era un enorme show y una manera de poder tener presente a un asesino de este calibre. Al secuestrarlo de Argentina, Eichmann fue llevado a Jerusalén para llevar a cabo el juicio, ¿por qué en Jerusalén? me imaginaría que el juicio debía de haber sido en Europa, pero no lo entiendo bien, no sé cómo funcionan las leyes internacionales. Este juicio estaba motivado por la venganza y sobre todo el morbo, lo cual comprendo totalmente. Querían saber todos los detalles de lo que ocurrió en los campos, por lo que se solicitaron a muchos testigos para que también narraran lo que habían vivido. El hecho de que dejaran al público presenciarlo, refuerza lo que digo, y creo que no lo negarían por completo. Este juicio realmente era un espectáculo donde no quedaba la mínima probabilidad de que Eichmann se salvara. Sivan justamente es lo que nos quiere demostrar. Creo yo que es por eso decidió incluir, de las más de 350 horas que existe de los juicios, un momento que no aporta absolutamente nada ni a los juicios, ni al estudio de Eichmann. Este momento es cuando discuten dos participantes del juicio y Eichmann sobre las ciudades de Cholm, Kulm, Kulmhof, se confunden y no saben si es una misma ciudad por sus traducciónes en alemán y polaco o si son diferentes ciudades. Esta escena es muy graciosa gracias a lo inverosímil, absurdo y banal que esdante, lo cual contrasta enormemente con el motivo principal por lo que se encuentran ahí.
"Eichmann received no superior orders at all. He was his own superior and he gave all orders in matters that concerned Jewish affairs... the idea that the so-called Final Solution would never have assumed the infernal forms of the flayed skin and tortured flesh of millions of Jews without the fanatical zeal and the unquenchable blood thirst of the appellant and his associates.
veredicto
En la vida diaria, Eichmann no llamaría nuestra atención, delgado, naríz aguileña, lentes redondos y sus labios delgado contraídos. En estos juicios nos enfrentamos con una representación exagerada de lo que es un burócrata, poca iniciativa. Eichmann era un hombre meticuloso y dedicado a su trabajo, se enfocaba en la logística, en este caso de la deportación de los judíos fuera de Europa. En el juicio, Eichmann responde a un enorma porcentaje de las preguntas, con coartada conocida como el Nuremberg defense "sólo estaba siguiendo las órdenes". Afirma constantemente que su todo lo que hacía tenia que ser autorizado y el realmente no tenía gran poder en la toma de desiciones. Es esto lo que creo yo nos asusta. Qué realmente nos diferencía de Eichmann y el resto de los nazis que supuestamente solo seguían una orden. A mí lo que más me ha interesado del tema del Holocausto, es justamente estas personas que por órdenes de sus superiores tenían que llevar a anciano a a los cuartos de gas para exterminarlos (esta palabra es demasiado fuerte, pero era la que usaban en sus documentos). ¿Realmente se convierten en malas personas, son capaces de dar ese cambio tan grande ? ¿o lo eran desde antes? ¿o es algo que todos llevamos dentro y u día brota? Es esto lo que Hannah Arendt se cuestiona.
Surge un término creado por el filósofo John Zerzan que denomina little Eichmanns a todos ellos que participan en un sistema de manera inmoral y destructiva, que a menor escala sus actos podrían parecer insignificantes, pero cuando se suman todos estos esfuerzos es cuando se puede lograr un resultado catastrófico. Ward Churchill usó este término para describir a los que trabajaban en el WTC de Nueva York;
"There is simply no argument to be made that the Pentagon personnel killed on September 11 fill that bill. The building and those inside comprised military targets, pure and simple. As to those in the World Trade Center . . .
Well, really. Let's get a grip here, shall we? True enough, they were civilians of a sort. But innocent? Gimme a break. They formed a technocratic corps at the very heart of America's global financial empire – the "mighty engine of profit" to which the military dimension of U.S. policy has always been enslaved – and they did so both willingly and knowingly. Recourse to "ignorance" – a derivative, after all, of the word "ignore" – counts as less than an excuse among this relatively well-educated elite. To the extent that any of them were unaware of the costs and consequences to others of what they were involved in – and in many cases excelling at – it was because of their absolute refusal to see. More likely, it was because they were too busy braying, incessantly and self-importantly, into their cell phones, arranging power lunches and stock transactions, each of which translated, conveniently out of sight, mind and smelling distance, into the starved and rotting flesh of infants. If there was a better, more effective, or in fact any other way of visiting some penalty befitting their participation upon the little Eichmanns inhabiting the sterile sanctuary of the twin towers, I'd really be interested in hearing about it."
¿Qué tanto podemos seguir órdenes? Quizás uno a veces no tiene la opción y lo debe hacer, quizas hasta llegan a acostumbrarse. Existe un momento en la película donde a su manera fría, donde no demuestra culpa ni remordimiendo, con toda lucidez y honestidad Eichmann afirma que es quizás el peor crimen contra la humanidad. Y Aichmann tiene razón en afirmar que esto tiene que servirnos para no cometerlo en el futuro.
Adolf Eichmann
Eichmann
Route 181: Fragments of a Journey in Palestine-Israel (part 1), Eyal Sivan y Michel Khleifi 2004
The Architecture of Doom, Peter Cohen 1989
Sobre la obsesión de Hitler con la arquitectura
"Some People Push Back" On the Justice of Roosting Chickens, Ward Churchill
http://www.kersplebedeb.com/mystuff/s11/churchill.html
Whose unabomber?, John Zerzan
http://www.insurgentdesire.org.uk/whoseunabomber.htm
"The destroyer of a people, an enemy of mankind"
Gideon Hausner, attorney general en el juicio de Adolf Eichmann 1961
Un spécialiste de Eyal Sivan, está compuesto en su totalidad por material de archivo. Este material fue grabado en video por Leo Hurwitz y retrata el juicio de Adolf Eichmann que ocurrió en 1961. Sivan y su coescritor Rony Brauman, se inspiraron en el libro Eichmann in Jerusalem: A Report on the Banality of Evil de Hannah Arendt.
Es una lástima que Hitler se haya quitado la vida, pues él realmente es el epítome de la maldad. Su filosofía se basaba en la frase "Lebensunwertes Leben" (life unworthy of life), vida que no merece vivir. Si Dante Alighieri viviera en estos tiempos, las tres cabezas de su demonio hubieran sido tres Hitlers. Hubiera sido una gran aportación para el hombre, el que Hitler fuera juzgado. A mí sobre todo me hubiera gustado saber más detalles de lo que motivaba a Hitler, el poder tener la oportunidad de penetrar su mente, quizás algo útil hubiera emergido. Probablemente el "mal" hubiera sido más expuesto y seguramente se hubiera convertido en algo más complejo y misterioso.
Debemos admitir que este juicio era un enorme show y una manera de poder tener presente a un asesino de este calibre. Al secuestrarlo de Argentina, Eichmann fue llevado a Jerusalén para llevar a cabo el juicio, ¿por qué en Jerusalén? me imaginaría que el juicio debía de haber sido en Europa, pero no lo entiendo bien, no sé cómo funcionan las leyes internacionales. Este juicio estaba motivado por la venganza y sobre todo el morbo, lo cual comprendo totalmente. Querían saber todos los detalles de lo que ocurrió en los campos, por lo que se solicitaron a muchos testigos para que también narraran lo que habían vivido. El hecho de que dejaran al público presenciarlo, refuerza lo que digo, y creo que no lo negarían por completo. Este juicio realmente era un espectáculo donde no quedaba la mínima probabilidad de que Eichmann se salvara. Sivan justamente es lo que nos quiere demostrar. Creo yo que es por eso decidió incluir, de las más de 350 horas que existe de los juicios, un momento que no aporta absolutamente nada ni a los juicios, ni al estudio de Eichmann. Este momento es cuando discuten dos participantes del juicio y Eichmann sobre las ciudades de Cholm, Kulm, Kulmhof, se confunden y no saben si es una misma ciudad por sus traducciónes en alemán y polaco o si son diferentes ciudades. Esta escena es muy graciosa gracias a lo inverosímil, absurdo y banal que esdante, lo cual contrasta enormemente con el motivo principal por lo que se encuentran ahí.
"Eichmann received no superior orders at all. He was his own superior and he gave all orders in matters that concerned Jewish affairs... the idea that the so-called Final Solution would never have assumed the infernal forms of the flayed skin and tortured flesh of millions of Jews without the fanatical zeal and the unquenchable blood thirst of the appellant and his associates.
veredicto
En la vida diaria, Eichmann no llamaría nuestra atención, delgado, naríz aguileña, lentes redondos y sus labios delgado contraídos. En estos juicios nos enfrentamos con una representación exagerada de lo que es un burócrata, poca iniciativa. Eichmann era un hombre meticuloso y dedicado a su trabajo, se enfocaba en la logística, en este caso de la deportación de los judíos fuera de Europa. En el juicio, Eichmann responde a un enorma porcentaje de las preguntas, con coartada conocida como el Nuremberg defense "sólo estaba siguiendo las órdenes". Afirma constantemente que su todo lo que hacía tenia que ser autorizado y el realmente no tenía gran poder en la toma de desiciones. Es esto lo que creo yo nos asusta. Qué realmente nos diferencía de Eichmann y el resto de los nazis que supuestamente solo seguían una orden. A mí lo que más me ha interesado del tema del Holocausto, es justamente estas personas que por órdenes de sus superiores tenían que llevar a anciano a a los cuartos de gas para exterminarlos (esta palabra es demasiado fuerte, pero era la que usaban en sus documentos). ¿Realmente se convierten en malas personas, son capaces de dar ese cambio tan grande ? ¿o lo eran desde antes? ¿o es algo que todos llevamos dentro y u día brota? Es esto lo que Hannah Arendt se cuestiona.
Surge un término creado por el filósofo John Zerzan que denomina little Eichmanns a todos ellos que participan en un sistema de manera inmoral y destructiva, que a menor escala sus actos podrían parecer insignificantes, pero cuando se suman todos estos esfuerzos es cuando se puede lograr un resultado catastrófico. Ward Churchill usó este término para describir a los que trabajaban en el WTC de Nueva York;
"There is simply no argument to be made that the Pentagon personnel killed on September 11 fill that bill. The building and those inside comprised military targets, pure and simple. As to those in the World Trade Center . . .
Well, really. Let's get a grip here, shall we? True enough, they were civilians of a sort. But innocent? Gimme a break. They formed a technocratic corps at the very heart of America's global financial empire – the "mighty engine of profit" to which the military dimension of U.S. policy has always been enslaved – and they did so both willingly and knowingly. Recourse to "ignorance" – a derivative, after all, of the word "ignore" – counts as less than an excuse among this relatively well-educated elite. To the extent that any of them were unaware of the costs and consequences to others of what they were involved in – and in many cases excelling at – it was because of their absolute refusal to see. More likely, it was because they were too busy braying, incessantly and self-importantly, into their cell phones, arranging power lunches and stock transactions, each of which translated, conveniently out of sight, mind and smelling distance, into the starved and rotting flesh of infants. If there was a better, more effective, or in fact any other way of visiting some penalty befitting their participation upon the little Eichmanns inhabiting the sterile sanctuary of the twin towers, I'd really be interested in hearing about it."
¿Qué tanto podemos seguir órdenes? Quizás uno a veces no tiene la opción y lo debe hacer, quizas hasta llegan a acostumbrarse. Existe un momento en la película donde a su manera fría, donde no demuestra culpa ni remordimiendo, con toda lucidez y honestidad Eichmann afirma que es quizás el peor crimen contra la humanidad. Y Aichmann tiene razón en afirmar que esto tiene que servirnos para no cometerlo en el futuro.
Adolf Eichmann
Eichmann
Route 181: Fragments of a Journey in Palestine-Israel (part 1), Eyal Sivan y Michel Khleifi 2004
The Architecture of Doom, Peter Cohen 1989
Sobre la obsesión de Hitler con la arquitectura
"Some People Push Back" On the Justice of Roosting Chickens, Ward Churchill
http://www.kersplebedeb.com/mystuff/s11/churchill.html
Whose unabomber?, John Zerzan
http://www.insurgentdesire.org.uk/whoseunabomber.htm
Nuit et Brouillard
Nuit et Brouillard, Alain Resnais 1955
“The effective war film is often the one in which the action begins after the war, when there is nothing but ruins and desolation everywhere: Rossellini’s Germany Year Zero and, above all, Alain Resnais’ Nuit et brouillard, the greatest film ever made.”
François Truffaut
Nuit et Brouillard fue comisionada a Alain Resnais gracias al décimo aniversario de la liberación de los campos de concentración en Alemania. Resnais al principio se negaba, pues creía que el no haberlo vivido haría que la película careciera de autenticidad en el tratamiento efectivo de tan sensible tema. Fue por Jean Cayrol que decidió participar en la película. Jean Cayrol fue un escritor y poeta que sobrevivió el campo de concentración Mauthausen, quien proporciona el texto conmovedor de la película. Probablemente influyó en el resultado de la película en contraste de los puntos de vistas tan opuestos de Resnais y Cayrol. Además de Resnais y Cayrol, Nuit et Brouillard cuenta con la producción de Anatole Dauman, la música de Hanns Eisler y la participación de Chris Marker, grandes elementos para una producción.
Recuerdo haberle dicho a una compañera de la clase, que la película que íbamos a ver, era bastante fuerte y que los minutos finales eran para mí unas imágenes bastante desgarradoras. Las imágenes a las que me refiero son las fotografías de cadáveres y material de archivo de estos cadáveres siendo desplazadas por un camión, como lo hacen con la basura, en este caso, lo desgarrador es que estos cuerpos también son desechos. Es curioso pues, ahora que veo de nuevo la película, me doy cuenta de que estas imágeners a lo mucho podrían durar dos minutos, yo lo recordaba como 7 minutos, y quizás más si no tuviera muy presente que la película dura media hora.
Para mí estos 31 minutos que dura la película, son sumamente efectivos en cuanto al tema de los Campos de Concentración de la Alemania nazi. Realmente no sé a que me refiero con exactitud cuando digo sumamante efectivos, pero creo que sí logra (muchos afirman que es la que mejor lo logra) lo que otras películas (y otras disciplinas) con temática nazi quieren alcanzar. Esta película logra preservarse en nuestra memoria, incita la reflexión sobre la humanidad, el pasado y el futuro y nuestra posición en el mundo.
La voz que nos lleva a travéz de la película es una voz que carece de emoción. Usualmente la mayoría de las peliculas sobre el Holocausto abusan de las emociones del espectador, lo convierten en un melodrama, en Nuit et Brouillard nada de esto existe. El texto poético de Cayrol es narrado de una manera seca, neutra y por momentos con ligeros tintes irónicos. El texto de Cayrol además de poético, es reflexivo e interrogativo y además nos proporciona datos. El contenido del texto va perfectamente de la mano con la forma que Resnais le da a la película. A tavéz de travellings y paneos se nos muestra los campos de concentración en la actualidad (1955), a color y de una manera muy tranquila. Cayrol se pregunta por qué lo estamos recorriendo? El principio de la película se encuentra vínculos entre los campos y la cotidiano. La construcción de los campos son comparados a diferentes estilos, "estilo japonés", "estilo suizo", esto con el ligero toque mordáz del narrador. Las imágenes de Resnais nos muestran un lugar tranquilo, un lugar bonito que es capaz de convertirse en un lugar donde la sangre es derramada violentamente. Otro elemento importante de la película es la música proporcionada por Hanns Eisler. El dulce sonido de las flautas suenan mientras vemos las púas que rodean al campo. La música es igual de elegante que el texto de Cayrol, y a las los travelling y el montaje de Resnais. Todo esto en conjunto logra captar nuestra atención, y es inevitable no ponderar sobre lo que fueron estos eventos desgarradores que en ocasiones se sienten surreales.
"everything is but a pretext for taunts, punishment and humiliation"
Jean Cayrol
Existe un momento en la película que le da sentido a la existencia del hombre. Y esto ocurre cuando se recuerda los momentos en donde la gente utiliza su mente para poder sobrevivir a las más terribles condiciones. El hombre que sufre le da la mano al que se encuentra peor. No importa en que tan absurdo, dolorozo y deshumanizante situación se encuentre el hombre, la vida tiene un sentido y significado. En esto campos incluso su dignidad es robada, pero aún conservan sus pensamientos, sus recuerdos, y su imaginación para poder distraerse y entretenerse.
“ If a prisoner felt that he could no longer endure the realities of camp life, he found a way out in his mental life – an invaluable opportunity to dwell in the spiritual domain, the one that the SS were unable to destroy. Spiritual life strengthened the prisoner, helped him adapt, and thereby improved his chances of survival"
Viktor Frankl
Varias veces se cuestiona, si sirve de algo el recordar. ¿Qué esperanza tenemos de poder capturar la realidad?. Para mí estas son afirmaciones disfrazadas como preguntas. Resnais está conciente de que ninguna imágen nos podrá revelar la verdadera magnitud de lo ocurrido. Resnais está conciente de que tenemos la necesidad de recordar y que esto es algo difícil para el hombre y nunca se logra al 100%. Solo las personas presentes en los campos recordarán y sabrán realmente lo que ocurrió, siempre será más complicado recordar para el que no lo vivió e imposible de saber realmente como fue, y mientras más pasan los años más borrosas las memorias. Al último se pregunta quién es el responsable de todo esto. La voz nos describe el pasto que crece nuevamente es estos campos, como si todo ya hubiera pasado. Es cuando de nuevo la voz se nos dirige:
And there are those of us
who sincerely look upon the ruins today,
as if the old concentration camp monster
were dead and buried beneath them. Those
who pretend to take hope again as the
image fades, as though there were a cure
for the plague of these camps. Those of
us who pretend to believe that all this
happened only once, at a certain time and
in a certain place, and those who refuse
to see, who do not hear the cry to the
end of time.
Esto podría una ser afirmación o quizás una advertencia de que esto puede ocurrir de nuevo, no de la misma manera pero si la esencia de el hombre torturando y matando al propio hombre, que además siempre ha ocurrido, estas palabra le inyectan carácter universal.¿Qué tan cómplices somos de ello? (en 1955 era esto más ad hoc). Hoy en día creo que nuestro rol es simplemente no dejar que se extinga de nuestras memorias, aunque aún no sé que nos corresponde hacer con esa información, quizás solo para recordar y preservar, pero para qué servirá, ¿realmente se podrá aprender de esto?.
Algo que me he dado cuenta a travéz de los años, es que una gran mayoría de las personas (concientes de los acontecimientos de los campos de concentración) personalizan este tema. Con esto quiero referirme al fenómeno (no se si es la palabra adecuada) que se da con respecto a la gente y sus "recuerdos" de dicho tema. La gente, sin importar su generación, religión y nacionalidad, recuerda la primera vez que se enteró de los campos, o una escena de una película o lo que algún familiar les relató al respecto. En mi caso, recuerdo el trauma que me causó mi papá cuando me platicó sobre el suicidio de Joseph Goebbels, donde también se suicida la esposa y envenan a sus seis hijos. Pero sobre todo recuerdo lo que sentí cuando visité a los 12 años el Houlocaust Museum de Washington D.C. Al ver las fotos de los judíos sufriendo, sentía una tristeza abrumadora que luego se convirtió en enojo. Este enojo me lleva a un desconcierto y una confusión sobre la humanidad del cual todos hemos pasado. Pero después de haber sufrido un poco dentro del museo y de haberme comprado varios libros del holocausto para niños, salí sintiéndome, por un segundo, no tan mal. Sentía que había hecho algo bueno solo con el hecho de haberme tomado el tiempo de recordar estos sucesos y a sus individuos, el haberme conmovido y enojado, y el haberlo platicado con mis papás en el coche. Creo que casi todos sentimos algo similar a esto en otros temas, creemos que merecemos una palmada en la espalda solo por compadecernos un segundo, realmente es algo mediocre por nuestra parte pero algo inevitable. La enorme virtud de la película es que esa indagación que deja en el espectador logra perdurar, no se queda en la superficie, en las lágrimas exacerbadas que a veces limitan la ponderación.
Algo interesante de Resnais, es qué en entrevistas es muy distinto a como me lo hubiera imaginado. Sus películas son complejas y revelan su intelectualidad. Ha colaborado con Alain Robbe-Grillet, MarguerIte Duras y Chris Marker. Se dividía entre los miembros de la Nouvelle Vague como Jean-Luc Godard, Eric Rohmer y François Truffaut y sobre todo con los de la Rive Gauche como sus colaboradores, Duras y Robbe-Grillet, Agnès Varda y Jacques Demy. Sus gustos cinematográficas son exigentes y de buen gusto, similares a los que Truffaut y compañía alababan en Cahiers du cinéma. Pero en entrevistas confiesa que todas sus películas han sido comisionadas y que nada lo incita a hacer películas. Irónico pues a sus 87 años continúa haciendo películas, aunque admite que lo hace por el hecho de que tiene que sustentarse. No es de esos directores que por cada respuesta citan a un cineasta o a un escrito, se modera bastante. Creo que es una persona humilde, modesto y honesto, a veces demasiado. Es un poco contradictorio su personalidad pero esto lo convierte en un personaje enigmático a su manera.
Por las películas que he visto de Alain Resnais, es muy claro que le interesa, quizás de una manera obsesiva, el tema de la memoria, el tiempo, el trauma y la psicología que esto conlleva. Además logró explorar dicho temas de una manera innovadora y representarlo con gran valor cinematográfico. Toute la Mémoire du Monde es un recorrido al estilo sciencia ficción, a travéz de tracking shots por la Bibliothèque Nationale de Francia, en donde cada palabra escrita se encuentra prisionera. Pero es Last year at Marienbad la que más me impresiona. De nuevo recurre a los travellings, de carácter onírico, las cuales son de las más bellas que he visto. No se qué decir de esta película, sólo que es una obra de arte, una serie de imágenes que atrapan al espectador. Esta película, con guión de Robbe-Grillet, es muy compleja y se ha convertido en un enigma cinematográfico, Para mí es una película muy especial a pesar de que me recuerda de mi limitada capacidad intelectual. Resnais no se considera un auteur (a veces es pretensioso el término, pero para mucho es necesario usarlo) pues sus películas son comisionadas, pero al revisar sus películas, incluyendo, quizás un poco diferente a las mencionadas (y que yo haya visto), Mon oncle d'Amérique, no queda duda de que Resnais se encuentra presente, y aunque no lo admita, es un auteur.
"If this film is a film, it is The film. And the others are only impressed celluloid. Nuit et brouillard, the noblest and most necessary film ever shot, plunges us into a shameful perplexity and elicits the disorientation of our ideas and our feelings. Nuit et brouillard, it is the deportation and internment as seen and told by Christ... in my opinion. Alain Resnais turns his left cheek and we receive the whacks across our faces, each shot being a well-deserved slap. Some grass, some disused barracks, some barbed-wire, recorded in color by Alain Resnais and shown to the guilty, that means, to the living, to the spectators, in a word, to ourselves, constitute rather than a poem or a an indictment, a sublime dressing, the film of our shame and our indignity"
François Truffaut, Cahiers du Cinema's "Le Petit journal du cinéma", February 1956.
Texto de la película
http://www.geocities.com/emruf4/nightandfog.html
Toute la Mémoire du Monde, Alain Resnais 1956
El que subió la película no deja que pongas tu video en otras páginas, maldito fascista.
http://www.youtube.com/watch?v=bempt5PP4rE
Guernica, Alain Resnais & Robert Hessens 1950 (part 1)
Last Year at Marienbad, Alain Resnais 1961 (trailer criterion)
ya va a salir en criterion! http://www.criterion.com/films/1517
Alain Resnais full retrospective
http://www.veoh.com/collection/dissidenzTV/watch/v6529926sgdsQtCD
Entrevista con Alain Resnais
http://findarticles.com/p/articles/mi_m1285/is_11_29/ai_57590217/
Sobre Alain Resnais
http://www.nytimes.com/2007/04/08/movies/08kehr.html?_r=1&scp=1&sq=alain%20resnais&st=cse
Alain Resnais 10 best films Cahiers du Cinéma 1955-1962
http://jdcopp.blogspot.com/2006/11/alain-resnais-cahiers-du-cinema-10-best.html
Alain Resnais by Emma Wilson
http://books.google.com/books?id=vwraRebxIPsC&dq=alain+resnais&printsec=frontcover&source=bl&ots=jFnmtC0Sok&sig=dbfPW_SQ-jg3UpCleNPDW4Be28s&hl=en&ei=V9r0Sfggk6S3B6WY1LoP&sa=X&oi=book_result&ct=result&resnum=10#PPP1,M1
“The effective war film is often the one in which the action begins after the war, when there is nothing but ruins and desolation everywhere: Rossellini’s Germany Year Zero and, above all, Alain Resnais’ Nuit et brouillard, the greatest film ever made.”
François Truffaut
Nuit et Brouillard fue comisionada a Alain Resnais gracias al décimo aniversario de la liberación de los campos de concentración en Alemania. Resnais al principio se negaba, pues creía que el no haberlo vivido haría que la película careciera de autenticidad en el tratamiento efectivo de tan sensible tema. Fue por Jean Cayrol que decidió participar en la película. Jean Cayrol fue un escritor y poeta que sobrevivió el campo de concentración Mauthausen, quien proporciona el texto conmovedor de la película. Probablemente influyó en el resultado de la película en contraste de los puntos de vistas tan opuestos de Resnais y Cayrol. Además de Resnais y Cayrol, Nuit et Brouillard cuenta con la producción de Anatole Dauman, la música de Hanns Eisler y la participación de Chris Marker, grandes elementos para una producción.
Recuerdo haberle dicho a una compañera de la clase, que la película que íbamos a ver, era bastante fuerte y que los minutos finales eran para mí unas imágenes bastante desgarradoras. Las imágenes a las que me refiero son las fotografías de cadáveres y material de archivo de estos cadáveres siendo desplazadas por un camión, como lo hacen con la basura, en este caso, lo desgarrador es que estos cuerpos también son desechos. Es curioso pues, ahora que veo de nuevo la película, me doy cuenta de que estas imágeners a lo mucho podrían durar dos minutos, yo lo recordaba como 7 minutos, y quizás más si no tuviera muy presente que la película dura media hora.
Para mí estos 31 minutos que dura la película, son sumamente efectivos en cuanto al tema de los Campos de Concentración de la Alemania nazi. Realmente no sé a que me refiero con exactitud cuando digo sumamante efectivos, pero creo que sí logra (muchos afirman que es la que mejor lo logra) lo que otras películas (y otras disciplinas) con temática nazi quieren alcanzar. Esta película logra preservarse en nuestra memoria, incita la reflexión sobre la humanidad, el pasado y el futuro y nuestra posición en el mundo.
La voz que nos lleva a travéz de la película es una voz que carece de emoción. Usualmente la mayoría de las peliculas sobre el Holocausto abusan de las emociones del espectador, lo convierten en un melodrama, en Nuit et Brouillard nada de esto existe. El texto poético de Cayrol es narrado de una manera seca, neutra y por momentos con ligeros tintes irónicos. El texto de Cayrol además de poético, es reflexivo e interrogativo y además nos proporciona datos. El contenido del texto va perfectamente de la mano con la forma que Resnais le da a la película. A tavéz de travellings y paneos se nos muestra los campos de concentración en la actualidad (1955), a color y de una manera muy tranquila. Cayrol se pregunta por qué lo estamos recorriendo? El principio de la película se encuentra vínculos entre los campos y la cotidiano. La construcción de los campos son comparados a diferentes estilos, "estilo japonés", "estilo suizo", esto con el ligero toque mordáz del narrador. Las imágenes de Resnais nos muestran un lugar tranquilo, un lugar bonito que es capaz de convertirse en un lugar donde la sangre es derramada violentamente. Otro elemento importante de la película es la música proporcionada por Hanns Eisler. El dulce sonido de las flautas suenan mientras vemos las púas que rodean al campo. La música es igual de elegante que el texto de Cayrol, y a las los travelling y el montaje de Resnais. Todo esto en conjunto logra captar nuestra atención, y es inevitable no ponderar sobre lo que fueron estos eventos desgarradores que en ocasiones se sienten surreales.
"everything is but a pretext for taunts, punishment and humiliation"
Jean Cayrol
Existe un momento en la película que le da sentido a la existencia del hombre. Y esto ocurre cuando se recuerda los momentos en donde la gente utiliza su mente para poder sobrevivir a las más terribles condiciones. El hombre que sufre le da la mano al que se encuentra peor. No importa en que tan absurdo, dolorozo y deshumanizante situación se encuentre el hombre, la vida tiene un sentido y significado. En esto campos incluso su dignidad es robada, pero aún conservan sus pensamientos, sus recuerdos, y su imaginación para poder distraerse y entretenerse.
“ If a prisoner felt that he could no longer endure the realities of camp life, he found a way out in his mental life – an invaluable opportunity to dwell in the spiritual domain, the one that the SS were unable to destroy. Spiritual life strengthened the prisoner, helped him adapt, and thereby improved his chances of survival"
Viktor Frankl
Varias veces se cuestiona, si sirve de algo el recordar. ¿Qué esperanza tenemos de poder capturar la realidad?. Para mí estas son afirmaciones disfrazadas como preguntas. Resnais está conciente de que ninguna imágen nos podrá revelar la verdadera magnitud de lo ocurrido. Resnais está conciente de que tenemos la necesidad de recordar y que esto es algo difícil para el hombre y nunca se logra al 100%. Solo las personas presentes en los campos recordarán y sabrán realmente lo que ocurrió, siempre será más complicado recordar para el que no lo vivió e imposible de saber realmente como fue, y mientras más pasan los años más borrosas las memorias. Al último se pregunta quién es el responsable de todo esto. La voz nos describe el pasto que crece nuevamente es estos campos, como si todo ya hubiera pasado. Es cuando de nuevo la voz se nos dirige:
And there are those of us
who sincerely look upon the ruins today,
as if the old concentration camp monster
were dead and buried beneath them. Those
who pretend to take hope again as the
image fades, as though there were a cure
for the plague of these camps. Those of
us who pretend to believe that all this
happened only once, at a certain time and
in a certain place, and those who refuse
to see, who do not hear the cry to the
end of time.
Esto podría una ser afirmación o quizás una advertencia de que esto puede ocurrir de nuevo, no de la misma manera pero si la esencia de el hombre torturando y matando al propio hombre, que además siempre ha ocurrido, estas palabra le inyectan carácter universal.¿Qué tan cómplices somos de ello? (en 1955 era esto más ad hoc). Hoy en día creo que nuestro rol es simplemente no dejar que se extinga de nuestras memorias, aunque aún no sé que nos corresponde hacer con esa información, quizás solo para recordar y preservar, pero para qué servirá, ¿realmente se podrá aprender de esto?.
Algo que me he dado cuenta a travéz de los años, es que una gran mayoría de las personas (concientes de los acontecimientos de los campos de concentración) personalizan este tema. Con esto quiero referirme al fenómeno (no se si es la palabra adecuada) que se da con respecto a la gente y sus "recuerdos" de dicho tema. La gente, sin importar su generación, religión y nacionalidad, recuerda la primera vez que se enteró de los campos, o una escena de una película o lo que algún familiar les relató al respecto. En mi caso, recuerdo el trauma que me causó mi papá cuando me platicó sobre el suicidio de Joseph Goebbels, donde también se suicida la esposa y envenan a sus seis hijos. Pero sobre todo recuerdo lo que sentí cuando visité a los 12 años el Houlocaust Museum de Washington D.C. Al ver las fotos de los judíos sufriendo, sentía una tristeza abrumadora que luego se convirtió en enojo. Este enojo me lleva a un desconcierto y una confusión sobre la humanidad del cual todos hemos pasado. Pero después de haber sufrido un poco dentro del museo y de haberme comprado varios libros del holocausto para niños, salí sintiéndome, por un segundo, no tan mal. Sentía que había hecho algo bueno solo con el hecho de haberme tomado el tiempo de recordar estos sucesos y a sus individuos, el haberme conmovido y enojado, y el haberlo platicado con mis papás en el coche. Creo que casi todos sentimos algo similar a esto en otros temas, creemos que merecemos una palmada en la espalda solo por compadecernos un segundo, realmente es algo mediocre por nuestra parte pero algo inevitable. La enorme virtud de la película es que esa indagación que deja en el espectador logra perdurar, no se queda en la superficie, en las lágrimas exacerbadas que a veces limitan la ponderación.
Algo interesante de Resnais, es qué en entrevistas es muy distinto a como me lo hubiera imaginado. Sus películas son complejas y revelan su intelectualidad. Ha colaborado con Alain Robbe-Grillet, MarguerIte Duras y Chris Marker. Se dividía entre los miembros de la Nouvelle Vague como Jean-Luc Godard, Eric Rohmer y François Truffaut y sobre todo con los de la Rive Gauche como sus colaboradores, Duras y Robbe-Grillet, Agnès Varda y Jacques Demy. Sus gustos cinematográficas son exigentes y de buen gusto, similares a los que Truffaut y compañía alababan en Cahiers du cinéma. Pero en entrevistas confiesa que todas sus películas han sido comisionadas y que nada lo incita a hacer películas. Irónico pues a sus 87 años continúa haciendo películas, aunque admite que lo hace por el hecho de que tiene que sustentarse. No es de esos directores que por cada respuesta citan a un cineasta o a un escrito, se modera bastante. Creo que es una persona humilde, modesto y honesto, a veces demasiado. Es un poco contradictorio su personalidad pero esto lo convierte en un personaje enigmático a su manera.
Por las películas que he visto de Alain Resnais, es muy claro que le interesa, quizás de una manera obsesiva, el tema de la memoria, el tiempo, el trauma y la psicología que esto conlleva. Además logró explorar dicho temas de una manera innovadora y representarlo con gran valor cinematográfico. Toute la Mémoire du Monde es un recorrido al estilo sciencia ficción, a travéz de tracking shots por la Bibliothèque Nationale de Francia, en donde cada palabra escrita se encuentra prisionera. Pero es Last year at Marienbad la que más me impresiona. De nuevo recurre a los travellings, de carácter onírico, las cuales son de las más bellas que he visto. No se qué decir de esta película, sólo que es una obra de arte, una serie de imágenes que atrapan al espectador. Esta película, con guión de Robbe-Grillet, es muy compleja y se ha convertido en un enigma cinematográfico, Para mí es una película muy especial a pesar de que me recuerda de mi limitada capacidad intelectual. Resnais no se considera un auteur (a veces es pretensioso el término, pero para mucho es necesario usarlo) pues sus películas son comisionadas, pero al revisar sus películas, incluyendo, quizás un poco diferente a las mencionadas (y que yo haya visto), Mon oncle d'Amérique, no queda duda de que Resnais se encuentra presente, y aunque no lo admita, es un auteur.
"If this film is a film, it is The film. And the others are only impressed celluloid. Nuit et brouillard, the noblest and most necessary film ever shot, plunges us into a shameful perplexity and elicits the disorientation of our ideas and our feelings. Nuit et brouillard, it is the deportation and internment as seen and told by Christ... in my opinion. Alain Resnais turns his left cheek and we receive the whacks across our faces, each shot being a well-deserved slap. Some grass, some disused barracks, some barbed-wire, recorded in color by Alain Resnais and shown to the guilty, that means, to the living, to the spectators, in a word, to ourselves, constitute rather than a poem or a an indictment, a sublime dressing, the film of our shame and our indignity"
François Truffaut, Cahiers du Cinema's "Le Petit journal du cinéma", February 1956.
Texto de la película
http://www.geocities.com/emruf4/nightandfog.html
Toute la Mémoire du Monde, Alain Resnais 1956
El que subió la película no deja que pongas tu video en otras páginas, maldito fascista.
http://www.youtube.com/watch?v=bempt5PP4rE
Guernica, Alain Resnais & Robert Hessens 1950 (part 1)
Last Year at Marienbad, Alain Resnais 1961 (trailer criterion)
ya va a salir en criterion! http://www.criterion.com/films/1517
Alain Resnais full retrospective
http://www.veoh.com/collection/dissidenzTV/watch/v6529926sgdsQtCD
Entrevista con Alain Resnais
http://findarticles.com/p/articles/mi_m1285/is_11_29/ai_57590217/
Sobre Alain Resnais
http://www.nytimes.com/2007/04/08/movies/08kehr.html?_r=1&scp=1&sq=alain%20resnais&st=cse
Alain Resnais 10 best films Cahiers du Cinéma 1955-1962
http://jdcopp.blogspot.com/2006/11/alain-resnais-cahiers-du-cinema-10-best.html
Alain Resnais by Emma Wilson
http://books.google.com/books?id=vwraRebxIPsC&dq=alain+resnais&printsec=frontcover&source=bl&ots=jFnmtC0Sok&sig=dbfPW_SQ-jg3UpCleNPDW4Be28s&hl=en&ei=V9r0Sfggk6S3B6WY1LoP&sa=X&oi=book_result&ct=result&resnum=10#PPP1,M1
lunes, 27 de abril de 2009
1976 Swine Flu Propaganda
No pude evitar poner algo relacionado con la influenza, además las propagandas gringas me dan mucha risa.
1976 Swine Flu Propaganda
1976 Swine Flu Propaganda
viernes, 24 de abril de 2009
Alexander Hammid
Alexandr Hammid era un cineasta y fotógrafo checo. Se casó con Maya Deren y juntos hicieron Meshes of the Afternoon.
http://www.nytimes.com/2004/08/08/arts/alexander-hammid-96-filmmaker-known-for-many-styles.html
Muchas de las películas que produjo para el gobierno de Estados Unidos.
http://www.archive.org/search.php?query=alexander%20hammid
The Private Life of a Cat, Alexander Hammid 1947
Bezucelna Prochazka, Alezande Hammid 1930
Na prazskem Hrade, Alexander Hammis 1931
Marriage Today, Alexander Hammid 1950
Angry Boy, Alexander Hammid 1950 (Part I)
http://www.nytimes.com/2004/08/08/arts/alexander-hammid-96-filmmaker-known-for-many-styles.html
Muchas de las películas que produjo para el gobierno de Estados Unidos.
http://www.archive.org/search.php?query=alexander%20hammid
The Private Life of a Cat, Alexander Hammid 1947
Bezucelna Prochazka, Alezande Hammid 1930
Na prazskem Hrade, Alexander Hammis 1931
Marriage Today, Alexander Hammid 1950
Angry Boy, Alexander Hammid 1950 (Part I)
jueves, 23 de abril de 2009
martes, 21 de abril de 2009
Documentales Surrealistas
Un artículo que habla de algunos documentales surrealistas, en su mayoría considerado como clásicos del documental. Lamentablemente mucho de estos, no han sido subidos por completos al mundo de los videos tipo youtube.
http://archive.sensesofcinema.com/contents/05/37/surrealist_documentary.html
A Propos de Nice, Jean Vigo 1930
La Soufrière, Werner Herzog 1977
http://archive.sensesofcinema.com/contents/05/37/surrealist_documentary.html
A Propos de Nice, Jean Vigo 1930
La Soufrière, Werner Herzog 1977
sábado, 18 de abril de 2009
En Construcción
En Construcción, José Luis Guerín 2001 (clip)
La historia es la de un barrio que se transforma, o mejor dicho, que lo transforman, lo modernizan y lo embellecen. En ese entónces el barrio Chino hoy mejor conocido como el Raval un lugar muy de moda en Barcelona, era hogar para prostitutas, dealers e imigrantes. La película comienza con la excavación de unas ruinas romanas, podemos ver los cráneos y los huesos. Esta excavación logra reunir a la gente del barrio, el hecho de que esta excavación se hiciera público fue gracias a que Guerín lo solicitó. Las cámaras usando el telefoto, logran "espiar" a la gente observando el descubrimiento de estas ruinas. Con bastante claridad podemos escuchar lo que estas ruinas incitan en la gente del barrio, y en específico a personajes que podremos ver a lo largo de la película. Para Guerín esta secuencia representa una refelexión de nosotros mismos, de algo íntimo. La calavera que encuentran en las ruinas, logra que por un momento se percaten de que la muerte es el destino de todo hombre, y tan solo por un instante, la muerte se siente próxima.
Guerín junto con sus alumnos de la Universidad Pompeu Fabra, nos retratan una serie de personajes que habitan en el barrio. Seguimos a una prostituta y su novio mantenido por ella, unos niños que construyen edificios imaginarios con el material que se usa para la construcción real que se está llevando a cabo, ancianos que charlan en la hora de la comida, el que colecciona chácharas, el joven albañil y la joven mujer que conversan y coquetean de balcón a balcón, y el albañil marroquí y su compañero gallego. Aquí la cámara, siempre en toma fijas (menos la toma final), toma diferentes roles como el de espía observando desde lejos, pero también la mayoría de las veces se encuentra demasiado cerca de ellos, demasiado presente. Durante 18 meses estuvieron presentes las cámaras, por lo que se siente natural, como si las personas no se intimidaran por ella. Pero aquí entra en cuestión lo que Jean Rouch y Edgar Morin se cuestionaron en Chronique d'un été, ¿acaso es posible actuar de manera natural frente a la cámara?
Hay momentos que se sienten que fueron escenificadas, algo que Guerín ha admitido. Pero también ocurren cosas que en una película de ficción sería absurdo e improbable. Con esto me refiero al personaje que quizás es el que más logra sobresalir, que es el albañil marroquí que le gusta filosofar. Pero este personaje no podría existir en pantalla si no fuera por su compañero de trabajo, el gallego de más edad. Al marroquí le gusta filosofar, sobre todo del marxismo y la revolución risa, mientras que el gallego sólo quiere trabajar y pensar en un día retirarse. El marroquí es cómo un Sócrates fallido incitando al gallego a filosofar, cosa que tercamente se niega a hacer.
"La naturaleza está susurando a Barcelona mediante la nieve" le dice el marroquí al gallego. ¿Cuándo hemos escuchado a un albañil decir algo de esta índole?. El mismo Guerín dice que esto en ficción sería inverosímil y esto nos comprueba que "la realidad tiene más matices y es más compleja". Algo que me pareció muy interesante es sobre lo que el llama "puesta en situación".
"Ahí está lo que yo denomino "puesta en situación", que es parecido a la puesta en escena pero tiene matices distintos; se trata de crear una situación y elegir a los personajes, después lo que cuenta no son sólo esas personas sino más bien su interacción. Creo que ahí la elección del casting es mucho más decisiva aún que en una película de ficción. Si en la ficción se habla de la química entre los personajes, en el documental esa química se erige en protagonista de todo, y trasciende a la idea de interpretación porque ellos están siendo coguionistas y dialoguistas de la película"
Existen unos personajes que salen poco durante la película, son considerados, por decirlo frívolamente como los "malos". Estos personajes son los que se mudan al edificio que se está construyendo. Estos se asoman por la ventana y definitivamente no les gusta lo que ven. Las ventanas de su probable futuro departamento son grandes y la luz que entra es muy linda, pero la vista inmediata no es bonita, el edificio de enfrente es decadente y la ropa es colgada, exhibida en la calle. Guerín y su equipo los apodaron los colonizadores. Y Guerín tiene razón en afirmar que son vistos como grotescos por el hecho de que no tienen antecedentes de las personas que habitan el barrio, no saben la historia que nosotros sabemos. Pero si el espectador se parece a un personaje de la película, a quien engañamos, sería a ellos. Su comportamiento es completamente normal y algo que haríamos todos, simplemente ahora se ve desde fuera y con otra perspectiva, nos encontramos del lado de los del barrio.
Dos elementos muy valiosos de la película son la soledad y el tiempo. Nos damos cuenta de que la soledad existe en cada persona. Y no me refiero solamente a la soledad con valor negativo que se le suele dar, sino la soledad de nuestros pensamientos, nuestras rutinas y mañas de cada día, la que nos acompaña en todo momento. Y el tiempo; si le tuviéramos que dar un tema a la película sería el tiempo. El tiempo va de la mano con lo que se encuentra en pantalla y el proceso para que llegara ahí. El tiempo va dictando a la película, no nace previo al rodaje, es imposible, el tiempo la moldea.
Recomiendo leer y ver entrevistas de José Luis Guerín, pues descubrí a un cinéfilo de corazón (logra entablar amistad con Robert Bresson y Philippe Garrel), a un intelectual, de los que cita a cineastas, filósofos y a escritores con naturalidad en entrevistas, lo cual siempre es benéfico para el que lo lee, pues adquirimos algo de su conocimiento y enriquecemos el nuestro.
http://www.24fpsmagazine.com/Archive/Guerin.html
http://www.viejoblues.com/Bitacora/node/3817
http://www.pulpmovies.org/entrevistas/guerin.html
Festival de Lima 2008: Entrevista José Luis Guerín
InFocus Extra- interview with Director Jose Guerin ABNewsTV
BAFICI 2008: Conversatorio con José Luis Guerín
José Luis Guerín, Souvenir 1986
Un corto que hizo John Lennon con fotos fija a una al proceso de construcción de un edificio.
Erection, John Lennon 1971
La historia es la de un barrio que se transforma, o mejor dicho, que lo transforman, lo modernizan y lo embellecen. En ese entónces el barrio Chino hoy mejor conocido como el Raval un lugar muy de moda en Barcelona, era hogar para prostitutas, dealers e imigrantes. La película comienza con la excavación de unas ruinas romanas, podemos ver los cráneos y los huesos. Esta excavación logra reunir a la gente del barrio, el hecho de que esta excavación se hiciera público fue gracias a que Guerín lo solicitó. Las cámaras usando el telefoto, logran "espiar" a la gente observando el descubrimiento de estas ruinas. Con bastante claridad podemos escuchar lo que estas ruinas incitan en la gente del barrio, y en específico a personajes que podremos ver a lo largo de la película. Para Guerín esta secuencia representa una refelexión de nosotros mismos, de algo íntimo. La calavera que encuentran en las ruinas, logra que por un momento se percaten de que la muerte es el destino de todo hombre, y tan solo por un instante, la muerte se siente próxima.
Guerín junto con sus alumnos de la Universidad Pompeu Fabra, nos retratan una serie de personajes que habitan en el barrio. Seguimos a una prostituta y su novio mantenido por ella, unos niños que construyen edificios imaginarios con el material que se usa para la construcción real que se está llevando a cabo, ancianos que charlan en la hora de la comida, el que colecciona chácharas, el joven albañil y la joven mujer que conversan y coquetean de balcón a balcón, y el albañil marroquí y su compañero gallego. Aquí la cámara, siempre en toma fijas (menos la toma final), toma diferentes roles como el de espía observando desde lejos, pero también la mayoría de las veces se encuentra demasiado cerca de ellos, demasiado presente. Durante 18 meses estuvieron presentes las cámaras, por lo que se siente natural, como si las personas no se intimidaran por ella. Pero aquí entra en cuestión lo que Jean Rouch y Edgar Morin se cuestionaron en Chronique d'un été, ¿acaso es posible actuar de manera natural frente a la cámara?
Hay momentos que se sienten que fueron escenificadas, algo que Guerín ha admitido. Pero también ocurren cosas que en una película de ficción sería absurdo e improbable. Con esto me refiero al personaje que quizás es el que más logra sobresalir, que es el albañil marroquí que le gusta filosofar. Pero este personaje no podría existir en pantalla si no fuera por su compañero de trabajo, el gallego de más edad. Al marroquí le gusta filosofar, sobre todo del marxismo y la revolución risa, mientras que el gallego sólo quiere trabajar y pensar en un día retirarse. El marroquí es cómo un Sócrates fallido incitando al gallego a filosofar, cosa que tercamente se niega a hacer.
"La naturaleza está susurando a Barcelona mediante la nieve" le dice el marroquí al gallego. ¿Cuándo hemos escuchado a un albañil decir algo de esta índole?. El mismo Guerín dice que esto en ficción sería inverosímil y esto nos comprueba que "la realidad tiene más matices y es más compleja". Algo que me pareció muy interesante es sobre lo que el llama "puesta en situación".
"Ahí está lo que yo denomino "puesta en situación", que es parecido a la puesta en escena pero tiene matices distintos; se trata de crear una situación y elegir a los personajes, después lo que cuenta no son sólo esas personas sino más bien su interacción. Creo que ahí la elección del casting es mucho más decisiva aún que en una película de ficción. Si en la ficción se habla de la química entre los personajes, en el documental esa química se erige en protagonista de todo, y trasciende a la idea de interpretación porque ellos están siendo coguionistas y dialoguistas de la película"
Existen unos personajes que salen poco durante la película, son considerados, por decirlo frívolamente como los "malos". Estos personajes son los que se mudan al edificio que se está construyendo. Estos se asoman por la ventana y definitivamente no les gusta lo que ven. Las ventanas de su probable futuro departamento son grandes y la luz que entra es muy linda, pero la vista inmediata no es bonita, el edificio de enfrente es decadente y la ropa es colgada, exhibida en la calle. Guerín y su equipo los apodaron los colonizadores. Y Guerín tiene razón en afirmar que son vistos como grotescos por el hecho de que no tienen antecedentes de las personas que habitan el barrio, no saben la historia que nosotros sabemos. Pero si el espectador se parece a un personaje de la película, a quien engañamos, sería a ellos. Su comportamiento es completamente normal y algo que haríamos todos, simplemente ahora se ve desde fuera y con otra perspectiva, nos encontramos del lado de los del barrio.
Dos elementos muy valiosos de la película son la soledad y el tiempo. Nos damos cuenta de que la soledad existe en cada persona. Y no me refiero solamente a la soledad con valor negativo que se le suele dar, sino la soledad de nuestros pensamientos, nuestras rutinas y mañas de cada día, la que nos acompaña en todo momento. Y el tiempo; si le tuviéramos que dar un tema a la película sería el tiempo. El tiempo va de la mano con lo que se encuentra en pantalla y el proceso para que llegara ahí. El tiempo va dictando a la película, no nace previo al rodaje, es imposible, el tiempo la moldea.
Recomiendo leer y ver entrevistas de José Luis Guerín, pues descubrí a un cinéfilo de corazón (logra entablar amistad con Robert Bresson y Philippe Garrel), a un intelectual, de los que cita a cineastas, filósofos y a escritores con naturalidad en entrevistas, lo cual siempre es benéfico para el que lo lee, pues adquirimos algo de su conocimiento y enriquecemos el nuestro.
http://www.24fpsmagazine.com/Archive/Guerin.html
http://www.viejoblues.com/Bitacora/node/3817
http://www.pulpmovies.org/entrevistas/guerin.html
Festival de Lima 2008: Entrevista José Luis Guerín
InFocus Extra- interview with Director Jose Guerin ABNewsTV
BAFICI 2008: Conversatorio con José Luis Guerín
José Luis Guerín, Souvenir 1986
Un corto que hizo John Lennon con fotos fija a una al proceso de construcción de un edificio.
Erection, John Lennon 1971
viernes, 17 de abril de 2009
Le Sang des bêtes
Le Sang des bêtes, Georges Franju 1949 (part 1)
Las películas más vistas de Georges Franju son la película de terror Eyes without a Face en donde un doctor trata de restaurar la cara de su hija desfigurada y Le Sang des bêtes. De su vida se sabe poco e incluso no siempre es mencionado como fundador de la Cinémathèque Française junto con Jean Mitry y Henri Langlois, siendo Langlois al que más créditp se le ha dado. Se codeaba con los artistas vanguarditas y surrealistas, de la época y sirvió como secretario de la Féderation Internationale des Archives du Film. En Le Sang des bêtes, se nos revela tintes de su personalidad.
Le Sang des bêtes es un retrato explícito y cruel de los mataderos que se encuentran en las afueras de París. Desde el principio de la película Franju no nos revela de que va a tratar, pero podemos intuir, gracias a las tomas de una París feo, que no va a ser algo ordinario. Sobre los créeditos del principio vemos la imágen de una estatua de un toro en una posición algo gloriosa, la música es alegre, podría pertenecer sin ningún problema, a los programas de Lassie, mientras brinca la barda alegremente para ir con su amo. Lo que sigue es una serie de imágenes un tanto surreales que podrían estar representando estos suburbios de París, una voz femenina se escucha, aunque lo que dice no tiene mucho que ver con lo que aparece en pantalla. Las composiciones son muy bellas y a pesar del surrealismo que tienen, se sienten serenas, quizás por que la música de Lassie se sigue escuchando. Luego continúan unas imagenes que nos muestran el edificio de un matadero de caballos, ahora la voz es masculina.
La violencia comienza de una forma esporádica. Vemos al caballo caer muerto de una manera, aunque me cueste decirlo, bastante agraciada pero muy perturbante, esto es seguido por un close-up del caballo. Las imágenes surreales anterioresm ¿qué tienen qué ver con el matadero?, es algo que realmente no lo sé. El surrealismo logra borrar la distinción entre la realidad y la ficción, logra condundir, por lo que se pueden dar el lujo de carecer de una explicación exacta.
Franju está conciente del espectador y lo quiere sorprender. Usa imágenes violentas y crueles que logran impactarnos y con ello siempre lo vamos a recordar. Es obvio que siempre lo más impactante será lo que más se recuerde. Creo que la frialdad de la película, no es por que Franju sea una persona fría, sino que es necesario para que sea una película que abarque las cualidades de surrealismo y de humor negro. Sin esta frialdad y sin los datos al azar como el hecho de que les puede salir cayos en las manos, el humor no se podría llevar a cabo.
Estéticamente es bastante placentero. Estamos acostumbrados a que glorifiquen la violencia y lo grotesco, pero no es lo mismo cuando es real, cuando de verdad matan al borrego. Se logra embellecer lo feo y lo inyecta de poética. Como mencioné en un post anterior, las fábricas y los mataderos son bastante estéticos como lo es, la obvia comparación de Meat de Frederick Wiseman. Lo que aquí afecta al espectador no es tanto cuando se sacan los intestinas y vemos la sangre chorrear, sino cuando vemos los ojos de terror del animal, su cuerpo retorciéndose. A pesar de mi sensibilidad con la muerte de los animales, es una película que disfruté mucho y me parece una joya del cine. Creo que es parte de la pelicula estar tentada a taparte los ojos, a querer llorar por momentos mientras matan a los lindos becerritos, al mismo tiempo que aprecias el encuadre y disfrutas de la frialdad y el humor de Franju.
Georges Franju By Kate Ince
http://books.google.com/books?id=P7OsMLZjh7IC&pg=PA160&lpg=PA160&dq=georges+franju&source=bl&ots=_0KJd1-O6C&sig=gepWpGshuFNND1LhSEi7l5gqQ0E&hl=en&ei=VxTRSaOHBsfktgfFpbzUCQ&sa=X&oi=book_result&resnum=8&ct=result#PPP16,M1
Película a la que se le compara
Las Hurdes, Tierra Sin Pan, Luis Buñuel 1933 (part 1)
"Perhaps one of the most disturbing films in the Prelinger collection"
This Is Hormel, 1965
Story of Selecting Kosher Meat Products for Their Stores, The (late 1920s - early 1930s)
Las películas más vistas de Georges Franju son la película de terror Eyes without a Face en donde un doctor trata de restaurar la cara de su hija desfigurada y Le Sang des bêtes. De su vida se sabe poco e incluso no siempre es mencionado como fundador de la Cinémathèque Française junto con Jean Mitry y Henri Langlois, siendo Langlois al que más créditp se le ha dado. Se codeaba con los artistas vanguarditas y surrealistas, de la época y sirvió como secretario de la Féderation Internationale des Archives du Film. En Le Sang des bêtes, se nos revela tintes de su personalidad.
Le Sang des bêtes es un retrato explícito y cruel de los mataderos que se encuentran en las afueras de París. Desde el principio de la película Franju no nos revela de que va a tratar, pero podemos intuir, gracias a las tomas de una París feo, que no va a ser algo ordinario. Sobre los créeditos del principio vemos la imágen de una estatua de un toro en una posición algo gloriosa, la música es alegre, podría pertenecer sin ningún problema, a los programas de Lassie, mientras brinca la barda alegremente para ir con su amo. Lo que sigue es una serie de imágenes un tanto surreales que podrían estar representando estos suburbios de París, una voz femenina se escucha, aunque lo que dice no tiene mucho que ver con lo que aparece en pantalla. Las composiciones son muy bellas y a pesar del surrealismo que tienen, se sienten serenas, quizás por que la música de Lassie se sigue escuchando. Luego continúan unas imagenes que nos muestran el edificio de un matadero de caballos, ahora la voz es masculina.
La violencia comienza de una forma esporádica. Vemos al caballo caer muerto de una manera, aunque me cueste decirlo, bastante agraciada pero muy perturbante, esto es seguido por un close-up del caballo. Las imágenes surreales anterioresm ¿qué tienen qué ver con el matadero?, es algo que realmente no lo sé. El surrealismo logra borrar la distinción entre la realidad y la ficción, logra condundir, por lo que se pueden dar el lujo de carecer de una explicación exacta.
Franju está conciente del espectador y lo quiere sorprender. Usa imágenes violentas y crueles que logran impactarnos y con ello siempre lo vamos a recordar. Es obvio que siempre lo más impactante será lo que más se recuerde. Creo que la frialdad de la película, no es por que Franju sea una persona fría, sino que es necesario para que sea una película que abarque las cualidades de surrealismo y de humor negro. Sin esta frialdad y sin los datos al azar como el hecho de que les puede salir cayos en las manos, el humor no se podría llevar a cabo.
Estéticamente es bastante placentero. Estamos acostumbrados a que glorifiquen la violencia y lo grotesco, pero no es lo mismo cuando es real, cuando de verdad matan al borrego. Se logra embellecer lo feo y lo inyecta de poética. Como mencioné en un post anterior, las fábricas y los mataderos son bastante estéticos como lo es, la obvia comparación de Meat de Frederick Wiseman. Lo que aquí afecta al espectador no es tanto cuando se sacan los intestinas y vemos la sangre chorrear, sino cuando vemos los ojos de terror del animal, su cuerpo retorciéndose. A pesar de mi sensibilidad con la muerte de los animales, es una película que disfruté mucho y me parece una joya del cine. Creo que es parte de la pelicula estar tentada a taparte los ojos, a querer llorar por momentos mientras matan a los lindos becerritos, al mismo tiempo que aprecias el encuadre y disfrutas de la frialdad y el humor de Franju.
Georges Franju By Kate Ince
http://books.google.com/books?id=P7OsMLZjh7IC&pg=PA160&lpg=PA160&dq=georges+franju&source=bl&ots=_0KJd1-O6C&sig=gepWpGshuFNND1LhSEi7l5gqQ0E&hl=en&ei=VxTRSaOHBsfktgfFpbzUCQ&sa=X&oi=book_result&resnum=8&ct=result#PPP16,M1
Película a la que se le compara
Las Hurdes, Tierra Sin Pan, Luis Buñuel 1933 (part 1)
"Perhaps one of the most disturbing films in the Prelinger collection"
This Is Hormel, 1965
Story of Selecting Kosher Meat Products for Their Stores, The (late 1920s - early 1930s)
jueves, 16 de abril de 2009
Artavazd Peleshian
The Seasons of the Year, Artavazd Peleshian 1971 (Part 1)
"...I was thinking of everything. It's not specifically the seasons of the year or of people: it's everything."
The Seasons of the Year es la primera película de Artavazd Peleshian en donde no se usa material de archivo. Mikhail Vartanov (Parajanov: The Last Spring 1992) es quien proporciona las increíbles y muy bellas imágenes de la vida pastoral de las montañas de Armenia.
Distance montage es un montage poético creado por Peleshian. Se podría explicar este montage como un montage no linear, sino un montage que gira sobre si mismo. Peleshian
depende de su intuición para poner en orden las imágenes. En este montage existe la repetición y los jump-cuts, pero por momentos no se sienten y siempre mantiene un ritmo y una fluidez. La música juega un papel importante en la obra de Pelechian y en esta película en especial. Aquí las imágenes se adaptan para adquirir el ritmo de la música, en este caso The Four Seasons de Vivaldi.
En The Seasons of the Year, vemos la vida en las montañas de Armenia. El trabajo de estos hombres consiste en una lucha diaria por sobrevivir, cada día es un riesgo de morir. Para mí Peleshian logra retratar con exactitud lo que la naturaleza. El hombre depende de ella, pero también debemos protegernos de ella y respetarla y estar concientes de que la naturaleza es lo más poderoso que existe en la Tierra.
Como Peleshian mismo afirma, sus películas no tratan de algo en específico, sino tratan de todo, muchos afirman que abarca temas cósmicos. Peleshian es considerado uno de los más grandes de Armenia a pesar de que no ha sido muy reconocido y su nombre no es muy conocido. Jean-Luc Godard ha expresado su admiración y se rumora que le ofreció financiar una película de Peleshian. The Seasons of the Year de Peleshian lo considero como el epítome del cine poético, lo más cercano a la poesía en imágenes.
"It's about what I'm striving for, what we're all striving for - every person, humanity...the wishes and desires of the people to ascend, to transcend..."
“You begin with the filmed material of absent physical objects and with montage you create an absent image.”
"Eisenstein's montage was linear, like a chain. Distance montage creates a magnetic field around the film... Sometimes I don't call my method "montage". I'm involved in a process of creating unity. In a sense I've eliminated montage: by creating the film through montage, I have destroyed montage. In the totality, in the wholeness of one of my films, there is no montage, no collision, so as a result montage has been destroyed. In Eisenstein every element means something. For me the individual fragments don't mean anything anymore. Only the whole film has the meaning."
"For me, distance montage opens up the mysteries of the movement of the universe. I can feel how everything is made and put together; I can sense its rhythmic movement."
“It allows greater exposure to the subconscious, which is a healthy thing¨ (sobre el cine)
Artavazd Peleshian
On Earth as it is in The Heavens
http://209.85.173.132/search?q=cache:fFBVQm-QcGsJ:www.vertigomagazine.co.uk/articles/pdf/on%2520earth%2520as%2520it%2520is%2520in%2520the%2520heavens.pdf+Artavazd+Pelechian+jean+luc+godard&cd=7&hl=en&ct=clnk&client=firefox-a
The End, Artavazd Peleshian1991
Life, Artavazd Peleshian 1993
Beginning, Artavazd Peleshian 1967
Earth of People, Artavazd Peleshian 1966
Inhabitants, Artavazd Peleshian 1970
"...I was thinking of everything. It's not specifically the seasons of the year or of people: it's everything."
The Seasons of the Year es la primera película de Artavazd Peleshian en donde no se usa material de archivo. Mikhail Vartanov (Parajanov: The Last Spring 1992) es quien proporciona las increíbles y muy bellas imágenes de la vida pastoral de las montañas de Armenia.
Distance montage es un montage poético creado por Peleshian. Se podría explicar este montage como un montage no linear, sino un montage que gira sobre si mismo. Peleshian
depende de su intuición para poner en orden las imágenes. En este montage existe la repetición y los jump-cuts, pero por momentos no se sienten y siempre mantiene un ritmo y una fluidez. La música juega un papel importante en la obra de Pelechian y en esta película en especial. Aquí las imágenes se adaptan para adquirir el ritmo de la música, en este caso The Four Seasons de Vivaldi.
En The Seasons of the Year, vemos la vida en las montañas de Armenia. El trabajo de estos hombres consiste en una lucha diaria por sobrevivir, cada día es un riesgo de morir. Para mí Peleshian logra retratar con exactitud lo que la naturaleza. El hombre depende de ella, pero también debemos protegernos de ella y respetarla y estar concientes de que la naturaleza es lo más poderoso que existe en la Tierra.
Como Peleshian mismo afirma, sus películas no tratan de algo en específico, sino tratan de todo, muchos afirman que abarca temas cósmicos. Peleshian es considerado uno de los más grandes de Armenia a pesar de que no ha sido muy reconocido y su nombre no es muy conocido. Jean-Luc Godard ha expresado su admiración y se rumora que le ofreció financiar una película de Peleshian. The Seasons of the Year de Peleshian lo considero como el epítome del cine poético, lo más cercano a la poesía en imágenes.
"It's about what I'm striving for, what we're all striving for - every person, humanity...the wishes and desires of the people to ascend, to transcend..."
“You begin with the filmed material of absent physical objects and with montage you create an absent image.”
"Eisenstein's montage was linear, like a chain. Distance montage creates a magnetic field around the film... Sometimes I don't call my method "montage". I'm involved in a process of creating unity. In a sense I've eliminated montage: by creating the film through montage, I have destroyed montage. In the totality, in the wholeness of one of my films, there is no montage, no collision, so as a result montage has been destroyed. In Eisenstein every element means something. For me the individual fragments don't mean anything anymore. Only the whole film has the meaning."
"For me, distance montage opens up the mysteries of the movement of the universe. I can feel how everything is made and put together; I can sense its rhythmic movement."
“It allows greater exposure to the subconscious, which is a healthy thing¨ (sobre el cine)
Artavazd Peleshian
On Earth as it is in The Heavens
http://209.85.173.132/search?q=cache:fFBVQm-QcGsJ:www.vertigomagazine.co.uk/articles/pdf/on%2520earth%2520as%2520it%2520is%2520in%2520the%2520heavens.pdf+Artavazd+Pelechian+jean+luc+godard&cd=7&hl=en&ct=clnk&client=firefox-a
The End, Artavazd Peleshian1991
Life, Artavazd Peleshian 1993
Beginning, Artavazd Peleshian 1967
Earth of People, Artavazd Peleshian 1966
Inhabitants, Artavazd Peleshian 1970
jueves, 9 de abril de 2009
This is the Night Mail crossing the border, Bringing the cheque and the postal order
Night Mail, Harry Watt and Basil Wright 1936 (Part 1)
Night Mail
This is the Night Mail crossing the border,
Bringing the cheque and the postal order,
Letters for the rich, letters for the poor,
The shop at the corner and the girl next door.
Pulling up Beattock, a steady climb:
The gradient's against her, but she's on time.
Past cotton-grass and moorland boulder
Shovelling white steam over her shoulder,
Snorting noisily as she passes
Silent miles of wind-bent grasses.
Birds turn their heads as she approaches,
Stare from the bushes at her blank-faced coaches.
Sheep-dogs cannot turn her course;
They slumber on with paws across.
In the farm she passes no one wakes,
But a jug in the bedroom gently shakes.
Dawn freshens, the climb is done.
Down towards Glasgow she descends
Towards the steam tugs yelping down the glade of cranes,
Towards the fields of apparatus, the furnaces
Set on the dark plain like gigantic chessmen.
All Scotland waits for her:
In the dark glens, beside the pale-green sea lochs
Men long for news.
Letters of thanks, letters from banks,
Letters of joy from the girl and the boy,
Receipted bills and invitations
To inspect new stock or visit relations,
And applications for situations
And timid lovers' declarations
And gossip, gossip from all the nations,
News circumstantial, news financial,
Letters with holiday snaps to enlarge in,
Letters with faces scrawled in the margin,
Letters from uncles, cousins, and aunts,
Letters to Scotland from the South of France,
Letters of condolence to Highlands and Lowlands
Notes from overseas to Hebrides
Written on paper of every hue,
The pink, the violet, the white and the blue,
The chatty, the catty, the boring, adoring,
The cold and official and the heart's outpouring,
Clever, stupid, short and long,
The typed and the printed and the spelt all wrong.
Thousands are still asleep
Dreaming of terrifying monsters,
Or of friendly tea beside the band at Cranston's or Crawford's:
Asleep in working Glasgow, asleep in well-set Edinburgh,
Asleep in granite Aberdeen,
They continue their dreams,
And shall wake soon and long for letters,
And none will hear the postman's knock
Without a quickening of the heart,
For who can bear to feel himself forgotten?
(W.H. Auden)
Night Mail recorre el funcionamiento del servicio postal del tren que comunica a Londres con Escocia. Esta pelicula es una producción de GPO Film Unit, una subdivisión de UK General Post Office liderada por John Grierson. Harry Watt y Basil Wright nos muestran una noche en el servicio postal y las diferentes etapas de este proceso.
La película, comienza con un ritmo bastante tranquilo, y una voz nos explica estos diferentes procesos. Coforme avanza la película avanzan los procesos del servicio postal y con ello el ritmo de la película. El montage se vuelve más dinámico y el audio también se acelera. La voz deja de ser explicativa y se convierte en una voz acelerada al estilo beatnik. Lo que escuchamos es un poema escrito especialmente para la película de W.H. Auden y. Night Mail es un documental en donde cada aspecto se encuentra bien cuidada y en donde se siente un deseo por experimentar.
Night Mail representa la modernidad tecnológica de la mano con el trabajo del hombre. Existe una relación codependientre del hombre con la máquina, y se deseaba mostrar la importancia de ambos elementos. El hombre es visto como el cerebro de toda la operación y es capaz de resolver los problemas que se presenten, cosa que una máquina no puede hacer. Aquí los trabajadores son vistos platicando entre sí y ayudándose. Vemos que se presentan pequeñas dificultades y como los trabajadores lo resuelven. El trabajo aquí es meticuloso y rutinario, pero deja espacio a la improvisación y el poder reparar dichos imprevistos.
Song of Ceylon, Basil Wright 1934
Granton Trawler, John Grierson 1934
The Private Life of Gannets 1934
Director: Julian Huxley
Cinematography: John Grierson
Industrial Britain 1933
Director: Robert Flaherty
Producer: John Grierson
Night Mail
This is the Night Mail crossing the border,
Bringing the cheque and the postal order,
Letters for the rich, letters for the poor,
The shop at the corner and the girl next door.
Pulling up Beattock, a steady climb:
The gradient's against her, but she's on time.
Past cotton-grass and moorland boulder
Shovelling white steam over her shoulder,
Snorting noisily as she passes
Silent miles of wind-bent grasses.
Birds turn their heads as she approaches,
Stare from the bushes at her blank-faced coaches.
Sheep-dogs cannot turn her course;
They slumber on with paws across.
In the farm she passes no one wakes,
But a jug in the bedroom gently shakes.
Dawn freshens, the climb is done.
Down towards Glasgow she descends
Towards the steam tugs yelping down the glade of cranes,
Towards the fields of apparatus, the furnaces
Set on the dark plain like gigantic chessmen.
All Scotland waits for her:
In the dark glens, beside the pale-green sea lochs
Men long for news.
Letters of thanks, letters from banks,
Letters of joy from the girl and the boy,
Receipted bills and invitations
To inspect new stock or visit relations,
And applications for situations
And timid lovers' declarations
And gossip, gossip from all the nations,
News circumstantial, news financial,
Letters with holiday snaps to enlarge in,
Letters with faces scrawled in the margin,
Letters from uncles, cousins, and aunts,
Letters to Scotland from the South of France,
Letters of condolence to Highlands and Lowlands
Notes from overseas to Hebrides
Written on paper of every hue,
The pink, the violet, the white and the blue,
The chatty, the catty, the boring, adoring,
The cold and official and the heart's outpouring,
Clever, stupid, short and long,
The typed and the printed and the spelt all wrong.
Thousands are still asleep
Dreaming of terrifying monsters,
Or of friendly tea beside the band at Cranston's or Crawford's:
Asleep in working Glasgow, asleep in well-set Edinburgh,
Asleep in granite Aberdeen,
They continue their dreams,
And shall wake soon and long for letters,
And none will hear the postman's knock
Without a quickening of the heart,
For who can bear to feel himself forgotten?
(W.H. Auden)
Night Mail recorre el funcionamiento del servicio postal del tren que comunica a Londres con Escocia. Esta pelicula es una producción de GPO Film Unit, una subdivisión de UK General Post Office liderada por John Grierson. Harry Watt y Basil Wright nos muestran una noche en el servicio postal y las diferentes etapas de este proceso.
La película, comienza con un ritmo bastante tranquilo, y una voz nos explica estos diferentes procesos. Coforme avanza la película avanzan los procesos del servicio postal y con ello el ritmo de la película. El montage se vuelve más dinámico y el audio también se acelera. La voz deja de ser explicativa y se convierte en una voz acelerada al estilo beatnik. Lo que escuchamos es un poema escrito especialmente para la película de W.H. Auden y. Night Mail es un documental en donde cada aspecto se encuentra bien cuidada y en donde se siente un deseo por experimentar.
Night Mail representa la modernidad tecnológica de la mano con el trabajo del hombre. Existe una relación codependientre del hombre con la máquina, y se deseaba mostrar la importancia de ambos elementos. El hombre es visto como el cerebro de toda la operación y es capaz de resolver los problemas que se presenten, cosa que una máquina no puede hacer. Aquí los trabajadores son vistos platicando entre sí y ayudándose. Vemos que se presentan pequeñas dificultades y como los trabajadores lo resuelven. El trabajo aquí es meticuloso y rutinario, pero deja espacio a la improvisación y el poder reparar dichos imprevistos.
Song of Ceylon, Basil Wright 1934
Granton Trawler, John Grierson 1934
The Private Life of Gannets 1934
Director: Julian Huxley
Cinematography: John Grierson
Industrial Britain 1933
Director: Robert Flaherty
Producer: John Grierson
miércoles, 8 de abril de 2009
Pull my daisy
Pull My Daisy, Robert Frank 1959
Un corto del director Robert Frank (director del controversial Cocksucker Blues) sobre The Beat Generation junto con Jack Kerouac, Allen Ginsberg, Gregory Corso entre otros. No es un documental, pero por momentos se siente como si lo fuera.
Un corto del director Robert Frank (director del controversial Cocksucker Blues) sobre The Beat Generation junto con Jack Kerouac, Allen Ginsberg, Gregory Corso entre otros. No es un documental, pero por momentos se siente como si lo fuera.
Edgar Morin sobre el cinéma vérité
Edgar Morin junto con Jean Rouch en Chronique d’un été
"There are two ways to conceive the cinema of the Real: the first is to pretend that you can present reality to be seen; the second is to pose the problem of reality. In the same way, there were two ways to conceive cinéma vérité. The first was to pretend that you brought truth. The second was to pose the problem of truth."
As Edgar Morin wrote in an introduction to an event held on cinéma vérité at Pompidou
martes, 7 de abril de 2009
The Atomic Cafe
The Atomic Café, Jayne Loader, Kevin Rafferty and Pierce Rafferty 1982
...we are here getting to the point: your country is sick with fear... you are afraid of the shadow of your own bomb." Jean-Paul Sartre
The Atomic Cafe es una colaboración entre los hermanos Kevin y Pierce Rafferty y Jayne Loader compuesta completamente de material archivo, predominantemente materiales de la guerra fríá y de videos de entrenamiento americanos como el famoso Duck and cover. The Atomic Cafe examina la actitud norteamericana con respecto a la era atómica que se da previo, durante y después de las bombas atómicas de Hiroshima y Nagazaki.
Aquí el humor consiste en como reaccionamos cuarenta y/o cincuenta años después a estos videos. Estos videos son completamente absurdos y nos cuesta trabajo creer que estos videos eran realizados y tomados en serio. Nos cuesta trabajo creer que realmente lograban persuadir a la gente. A los materiales de archivo se les descontextualiza y se le brinda una nueva interpretación. Esta reinterpretación no solo da vida a un nuevo significado, sino da a luz ideas suprimidas, ideas que se encuentran en el subconciente. Creo que esta película no pudo haber funcionado de otro manera que no hubiera sido la del uso de los videos propagandistas americanos.
Lo que es muy interesante es la actitud de los norteamericanos hacia un posible ataque nuclear. Es una combinación entre pánico y a la vez le ven el lado positivo e incluso divertido al asunto. No sólo te advierten y te recomiendan que construyas un bunker, sino que lo construyas junto con tu hijo para que padre e hijo convivan y tengan una tarde amena. Si la bomba cayera en tu ciudad, no hay de que preocuparse, en tu bunker puedes jugar memoria, maratón y leer la historia de los navy seals, o el ejército o del buen Teddy Roosevelt.
La riqueza de Atomic Bomb se basa también en que abarca muchos eventos las cuales valen la pena ser investigados un poco más. Aquí unos links de wikipedia a varios de los temas que considero podrían enriquecernos después de ver la película
http://en.wikipedia.org/wiki/Manhattan_Project
http://en.wikipedia.org/wiki/Operation_Crossroads
http://en.wikipedia.org/wiki/Atomic_bomb
http://en.wikipedia.org/wiki/Atomic_bombings_of_Hiroshima_and_Nagasaki
http://en.wikipedia.org/wiki/Enola_Gay
http://en.wikipedia.org/wiki/Duck_and_cover
http://en.wikipedia.org/wiki/Cold_war
http://en.wikipedia.org/wiki/McCarthyism
http://en.wikipedia.org/wiki/Julius_and_Ethel_Rosenberg
The Race For The Nuclear Bomb (part 1)
Duck and cover 1951
Atomic Bomb Test - Operation Cue (1955)
A-Bomb Blast Effects (1959)
Hiroshima Atomic Bomb Reenactment
...we are here getting to the point: your country is sick with fear... you are afraid of the shadow of your own bomb." Jean-Paul Sartre
The Atomic Cafe es una colaboración entre los hermanos Kevin y Pierce Rafferty y Jayne Loader compuesta completamente de material archivo, predominantemente materiales de la guerra fríá y de videos de entrenamiento americanos como el famoso Duck and cover. The Atomic Cafe examina la actitud norteamericana con respecto a la era atómica que se da previo, durante y después de las bombas atómicas de Hiroshima y Nagazaki.
Aquí el humor consiste en como reaccionamos cuarenta y/o cincuenta años después a estos videos. Estos videos son completamente absurdos y nos cuesta trabajo creer que estos videos eran realizados y tomados en serio. Nos cuesta trabajo creer que realmente lograban persuadir a la gente. A los materiales de archivo se les descontextualiza y se le brinda una nueva interpretación. Esta reinterpretación no solo da vida a un nuevo significado, sino da a luz ideas suprimidas, ideas que se encuentran en el subconciente. Creo que esta película no pudo haber funcionado de otro manera que no hubiera sido la del uso de los videos propagandistas americanos.
Lo que es muy interesante es la actitud de los norteamericanos hacia un posible ataque nuclear. Es una combinación entre pánico y a la vez le ven el lado positivo e incluso divertido al asunto. No sólo te advierten y te recomiendan que construyas un bunker, sino que lo construyas junto con tu hijo para que padre e hijo convivan y tengan una tarde amena. Si la bomba cayera en tu ciudad, no hay de que preocuparse, en tu bunker puedes jugar memoria, maratón y leer la historia de los navy seals, o el ejército o del buen Teddy Roosevelt.
La riqueza de Atomic Bomb se basa también en que abarca muchos eventos las cuales valen la pena ser investigados un poco más. Aquí unos links de wikipedia a varios de los temas que considero podrían enriquecernos después de ver la película
http://en.wikipedia.org/wiki/Manhattan_Project
http://en.wikipedia.org/wiki/Operation_Crossroads
http://en.wikipedia.org/wiki/Atomic_bomb
http://en.wikipedia.org/wiki/Atomic_bombings_of_Hiroshima_and_Nagasaki
http://en.wikipedia.org/wiki/Enola_Gay
http://en.wikipedia.org/wiki/Duck_and_cover
http://en.wikipedia.org/wiki/Cold_war
http://en.wikipedia.org/wiki/McCarthyism
http://en.wikipedia.org/wiki/Julius_and_Ethel_Rosenberg
The Race For The Nuclear Bomb (part 1)
Duck and cover 1951
Atomic Bomb Test - Operation Cue (1955)
A-Bomb Blast Effects (1959)
Hiroshima Atomic Bomb Reenactment
domingo, 5 de abril de 2009
''Dictators Are People, Too!''
Human Remains, Jay Rosenblatt 1998
"I see a camera as a sort of weapon for good and bad purposes. As filmmakers, we can uncover, expose and effect social change; but the medium can be used as an exploitative device that adds to our problems. Filmmakers don't take enough responsibility for the images they put on the screen."
Jay Rosenblatt
Hitler, Mussolini, Franco, Stalin y Mao en 30 minutos. Human remains no desea mostrarnos la vida de estos dictadores, sino sus personalidades, un retrato muy íntimo. Lo impactante de la película es que Rosenblatt nos permite recordar el hecho que estos dictadores también son humanos y lo perturbante es que también son bastante graciosos. Rosenblatt nos muestra lo mundano de la vida de personas culpables de millones de muertes, sus hábitos, sus gustos y peculiaridades y los humaniza.
Un gran elemento de la película es el hecho de que pareciera como si estos personajes no los estuvieran contando, como si los hubieran entrevistado especialmente para la película. Se escucha en los idiomas natales de cada dictador, estos datos de sus vidas y sobre ellas la voz en off que simula la traducción al inglés. La película comienza con la imágen de un hombre platicando con una niña, no vemos su rostro, el momento es algo cotidiano y algo tierno. Poco a poco se nos revela el rostro demasiado reconocible de Adolf Hitler, momento que hace desencadenar nuestra mente. Todos estos datos provienen de biografías, autobiografías, notas y sus propios diarios. Lás imágenes de archivo son bastante granulosas y su nitidad es escaza, elemento que hace sentir al espectador como si fueran videos caseros y ayuda a la cercanía con el mal. Con ello los datos son más graciosos, absurdos y a la vez contundentes.
A mí siempre me ha interesado los datos "curiosos", lo trivial de la vida de las personas al igual que lo psicológico. Siempre me alegra el leer en las biografías de asesinos seriales, momentos en su infancia y juventud que nos hacen claro el por qué tomaron ese camino, como el hecho de que fueran violados o ridiculizados de niños. Pero siempre me perturba cuando llevan una vida normal, una vida que se asimila a la de uno mismo. Todos contamos con peculiaridades y mañas, y en ocasiones varias de estas nos asustatan. Rosenblatt, también un psicólogo, logra, que al ver Human Remains, uno se pregunta ¿qué es lo que nos hace diferentes a ellos?, y darnos cuenta de que es difícil distanciarnos del mal.
Puesto que los datos son bastantes graciosos, y Rosenblatt se encarga de que esto sea así (el nombre tentativo de la película era ''Dictators Are People, Too!''), es cuando termina la película que nos percatamos de que estos cinco hombres lograron tanta atrocidad en recientes años. Rosenblatt desea acercarnos al mal para poder reflexionar y darnos cuenta de que el mal puede existir en todas la personas. Aquí se explora la banalidad del mal y en esos 30 minutos se convierte en algo familar y cercano para el espectador. Se puede llegar a la conclusión de que nunca sabremos con exactitud como funciona la mente humana y tampoco la entenderemos por completo.
Human Remains, Jay Rosenblatt 1998 (clip)
Una gran frase de la película.
"My genitals were washed inside the bodies of my women"
Mao Tse Tung
Un artículo que habla sobre una nueva tecnología que permite leer los labios en cualquier ángulo. Esto fue aplicado a unos videos caseros de Hitler que fueron tomados por Eva Braun.
http://www.telegraph.co.uk/news/uknews/1534830/New-technology-catches-Hitler-off-guard.html
Los videos caseros
Hitler Home Movies Dubbed (Part 1)
"I see a camera as a sort of weapon for good and bad purposes. As filmmakers, we can uncover, expose and effect social change; but the medium can be used as an exploitative device that adds to our problems. Filmmakers don't take enough responsibility for the images they put on the screen."
Jay Rosenblatt
Hitler, Mussolini, Franco, Stalin y Mao en 30 minutos. Human remains no desea mostrarnos la vida de estos dictadores, sino sus personalidades, un retrato muy íntimo. Lo impactante de la película es que Rosenblatt nos permite recordar el hecho que estos dictadores también son humanos y lo perturbante es que también son bastante graciosos. Rosenblatt nos muestra lo mundano de la vida de personas culpables de millones de muertes, sus hábitos, sus gustos y peculiaridades y los humaniza.
Un gran elemento de la película es el hecho de que pareciera como si estos personajes no los estuvieran contando, como si los hubieran entrevistado especialmente para la película. Se escucha en los idiomas natales de cada dictador, estos datos de sus vidas y sobre ellas la voz en off que simula la traducción al inglés. La película comienza con la imágen de un hombre platicando con una niña, no vemos su rostro, el momento es algo cotidiano y algo tierno. Poco a poco se nos revela el rostro demasiado reconocible de Adolf Hitler, momento que hace desencadenar nuestra mente. Todos estos datos provienen de biografías, autobiografías, notas y sus propios diarios. Lás imágenes de archivo son bastante granulosas y su nitidad es escaza, elemento que hace sentir al espectador como si fueran videos caseros y ayuda a la cercanía con el mal. Con ello los datos son más graciosos, absurdos y a la vez contundentes.
A mí siempre me ha interesado los datos "curiosos", lo trivial de la vida de las personas al igual que lo psicológico. Siempre me alegra el leer en las biografías de asesinos seriales, momentos en su infancia y juventud que nos hacen claro el por qué tomaron ese camino, como el hecho de que fueran violados o ridiculizados de niños. Pero siempre me perturba cuando llevan una vida normal, una vida que se asimila a la de uno mismo. Todos contamos con peculiaridades y mañas, y en ocasiones varias de estas nos asustatan. Rosenblatt, también un psicólogo, logra, que al ver Human Remains, uno se pregunta ¿qué es lo que nos hace diferentes a ellos?, y darnos cuenta de que es difícil distanciarnos del mal.
Puesto que los datos son bastantes graciosos, y Rosenblatt se encarga de que esto sea así (el nombre tentativo de la película era ''Dictators Are People, Too!''), es cuando termina la película que nos percatamos de que estos cinco hombres lograron tanta atrocidad en recientes años. Rosenblatt desea acercarnos al mal para poder reflexionar y darnos cuenta de que el mal puede existir en todas la personas. Aquí se explora la banalidad del mal y en esos 30 minutos se convierte en algo familar y cercano para el espectador. Se puede llegar a la conclusión de que nunca sabremos con exactitud como funciona la mente humana y tampoco la entenderemos por completo.
Human Remains, Jay Rosenblatt 1998 (clip)
Una gran frase de la película.
"My genitals were washed inside the bodies of my women"
Mao Tse Tung
Un artículo que habla sobre una nueva tecnología que permite leer los labios en cualquier ángulo. Esto fue aplicado a unos videos caseros de Hitler que fueron tomados por Eva Braun.
http://www.telegraph.co.uk/news/uknews/1534830/New-technology-catches-Hitler-off-guard.html
Los videos caseros
Hitler Home Movies Dubbed (Part 1)
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