Tarnation, Jonathan Caouette 2003 (clip)
Más que un documental, más que una manera de expresarse a travéz del cine (en este caso el video), Tarnation es un diario, un archivo de memorias privadas, es una catarsis. Jonathan Caouette nos revela su dura infancia que todavía perdura en él. Esta película es sobre su vida emocionalmente sujeta a la vida de su madre.
Tarnation es un autorretrato experimental. Para Caouette, la cámara sustituye a los diarios, la pluma se convierte en cinta. A travéz de intertítulos nos va narrando, en tercera persona, una historia al estilo cuento infantil, irónico con lo que está por venir. Adolph y Rosemary se conocen, se enamoran y se casan. Tienen una hija, Renee, que era muy hermosa, tan hermosa que se convierte en modelo infantil. Un día cae del techo (evento en el cual no hay mucha indagación) y por un tiempo queda paralizada. Unos vecinos recomiendan terapia electroshock (trivia: a Lou Reed también se lo hicieron ) y a partir de ahí Renee pierde su personalidad. Un día queda embarazada, y aquí es donde entra Jonathan Caouette.
La vida de Caouette es bastante trágica, y desafortunadamente no tan inusual en Estados Unidos. Caouette es adoptado por foster homes, donde es abusado, su madre mientras, entraba y salía de hospitales psiquiátricos. Fue adoptado por sus abuelos, quienes le regalaron una cámara súper 8, Caouette a tan temprana edad, tiene la necesidad de grabar su entorno. Caouette al igual que su madre, está constantemente internándose en los hospitales. Caouette sufre de despersonalización, donde se ve a si mismo haciendo las cosas, como si fuera una película. Quizás Caouette al ver la película podía verse a sí mismo viéndose a si mismo, 3 Caouettes.
Vemos unos videos de Caouette a los once años actuando nerviosamente con un acento de mujer sureña. Está imitando a una mujer que podría salir en The Jerry Springer show, o cualquier programa de ese estilo de principio de los 80. Su actuación es bastante buena y a la vez algo perturbante. Podemos ver que desde pequeño tiene esta necesidad de liberar sus demonios, actuando de mujeres con problemas, una distracción de sus propios problemas. Caouette tiene la fortuna de haberse grabado de niño, y poder usarlo hoy como testimonio, como comprobante. No es lo mismo que no los cuente a que no los enseñe, sobre todo este tipo de peculiaridades, que quizás son más significativas que eventos de "mayor importancia". Son estos videos caseros que conforman a la película, grabaciones que narran su vida.
Caouette es el típico ejemplo de los niños que crecen demasiado rápido, por lo menos sus experiencias llegan mucho antes de lo normal. A los trece ya frecuentaba antros gay underground. Por esa época conoce la música punk y el cine americano underground. La influencia del cine underground y la escena queer/new-wave/punk está muy presente en la estética de la película. Caouette nos muestra sus propios films underground que hace en su adolescencia; sangre, ancianos y gritos. En general la estética es muy DIY y bajo presupuesto que le agrega al mood que tiene de domesticidad, intimidad y en ocasiones falta de "belleza".
La película se encuentra repleta de momento incómodos para el espectador. Caouette lo logra con gran precisión, y quizás el más grande acierto. Si pudieran ver esta película alguno de los participantes de Chronique d'un été, creo que vomitarían de lo impúdico que es Caouette. Les repelaría su apertura a su vida personal y lo acusarían de exhibicionista. Al espectador le incómoda ver a la gente en una posición física que nos resulte desagradable, fuera de lo común. Podemos ver a su abuela sentada, su cara es muy delgada, sus ojos salidos y por alguna razón le ponen una peluca negra. El espectador se ríe, pero sabemos que lo hace con incomodidad, con una pequeña carga de culpa. Si tuviera que rescatar tan sólo un momento, sería una escena, que, quizás explicada por este medio, resultaría sencillo y su fuerza no saldría a relucir. Después de que su madre intenta suicidarse, Caouette regresa de Nueva York, en un tiempo más actual a cuando salió la película. Su abuela ya había muerto, sólo quedaba el muy anciano de su abuelo, en una casa completamente desordenada y algo destruida. Su madre es cuidada por este frágil anciano. La escena a la que me refiero es bastante sencilla. Se encuentra Renee sentada en el sofá y canta, más bien la oración que dice la canta. Toma una calabaza y demás objetos decorativos a su alredor y con cada oración suelta una carcajada. Esta escena dura bastante (puede ser que sean 3 minutos, pero se siento mucho más) e incómoda demasiado al espectador. Este momento es muy poderoso en cuanto a lo que nos hace sentir y su función narrativa y explicativa. Con esto quiero decir que al ver esta escena sabemos que ella no se encuentra muy sana de sus facultades mentales y con esto podríamos saber y entender el por qué de la inestabilidad de Caouette.
Nos queda claro que Caouette se siente bastante cómodo frente a la cámara, aunque a veces no pudo expresarse del todo frente a ella. Los abuelos y Renee también se sienten cómodos frente a la cámara, y esto se da más por el hecho de que acostumbrados a que Caouette y su cámara han estado presentes a travéz de los años. Cuando la película se vuelve más intenso, el abuelo y Renee, rechazan varias veces la presencia de la cámara. Esto es por que Caouette les pregunta sobre su pasado y sobre momentos que ellos no quieren reflexionar, revelar y/o admitir frente a la cámara. De cierta manera los acosa para que ellos también se abran como lo está haciendo Caouette.
Si algo podría criticar de la película sería que por momentos son bastante melosas las reacciones de Caouette. Pero creo que no impide a la película de transmitirnos y además no podríamos realmente saber lo que siente alguien en situaciones tan horribles como esas. Creo que el haber hecho esta película es para Caouette un gran logro a nivel personal, pues logró apartar por momentos sus demonios, percatarse de que sobrevive (mantiene una relación estable con su novio David), y pudo revivir su pasado y catalizar sus miedos en su diario no tan privado. La película nos deja ciertas cosas no muy claras y permanecen ambiguas.
A mí algo que me intriga, es la postura de Caouette con una enfermedad mental. Caouette afirma que los problemas de su madre se originan por la terapia electroshock. Los de él surgen cuando probó la marihuana que contenía pcp (angel dust). Pero el temor más grande de Caouette es heredar la enfermedad mental de su madre. Creo que el tema de la terapia electroshock es una manera de evadir el hecho de que quizás ya viene en su carga genética. La pregunta principal es, si él terminará como su madre, pregunta que aún no se puede responder.
Aprovecharé la influencia que tuvo el cine underground sobre Caouette, para poner películas de este género.
Flaming creatures, Jack Smith 1962
más de Jack Smith http://www.ubu.com/film/smith_jack.html
Early Abstractions, Harry Smith 1946-57 (part 1)
Scenes from Allen's Last Three Days on Earth as a Spirit, Jonas Mekas 1997
A video diary of Ginsberg in the days immediately before and after his death.
más de Jonas Mekas http://www.ubu.com/film/mekas.html
The Mongreloid, George Kuchar 1978
más de George Kuchar http://www.ubu.com/film/kuchar.html
domingo, 31 de mayo de 2009
Can Dialectics Break Bricks?
Continuando con el situacionismo del post anterior, he aquí Can Dialectics Break Bricks? Una película situacionista compuesta de películas de artes marciales. ¿El diálogo es más poderoso que la violencia?
Can Dialectics Break Bricks? René Viénet 1973
Can Dialectics Break Bricks? René Viénet 1973
viernes, 29 de mayo de 2009
Chronique d'un été
Chronique d'un été, Jean Rouch y Edgar Morin 1962 (clip)
"There is a whole series of intermediaries and these are lying intermediaries. We contract time, we extend it, we chose an angle for the shot, we deform the people we’re shooting, we speed things up and follow one movement to the detriment of another movement. So there is whole work of lies. But, for me and Edgar Morin, at the time we made that film this was more real than the truth. That is to say, there are a certain number of things happening, human facts surrounding us….which people would not be able to say any other way….it’s a sort of catalyst which allows us to reveal, with doubts, a fictional part of all of us, but which for me is the most real part of an individual."
Jean Rouch
En Chronique d'un été, Jean Rouch abandona los rituales y con ello a África, para filmar a la gente de su natal París. No se si podría comparar los rituales de sus películas pasadas a lo que ocurre en Chronique, pero podría decir que es Rouch ahora quien provoca las situaciones.
Chronique nace gracias a que el sociólogo y filósofo Edgar Morin, se lo incita a Rouch, diciéndole que debería filmar a la gente de su propio país. Esta película es un experimento donde se quería capturar la manera en que los parisinos vivían. Se quería hacer una película de carácter antropológico que contrastara con las películas previas de Rouch. En la película se puede sentir hervir las ideas que propiciarían las protestas estudiantiles de Mayo del 68. Estas ideas logran ir de la mano con la individualidad, con lo meramente personal. Rouch y Morin exploran la cotidianidad de las personas, sus miedos, sus pasados, sus pensamientos, y sus interacciones con los demás. Se combina lo banal con lo existencial.
Rouch, asistido por el ingeniero André Coutant, construyeron una cámara 16mm que fuera ligera y que no hiciera mucho ruido. Esta cámara era capaz de ser transportada a cualquier lado. La creación de esta cámara tuvo mucho que ver el que esta película se pudiera llevar a cabo. Rouch y Morin durante el verano en París entrevistan a una serie de personas abarcando diversos temas como la soledad, el Holocausto y la infancia. Rouch y Morin aparecen en pantalla incitando a las personas y en ocasiones orquestando la escena. Ambos son elementos de suma importancia para la película, son también actantes. Desde el principio se nos revela el carácter experimental del documental, apareciendo ambos en escena (con un participante de la película Marceline) comentando la naturaleza de la película. Chronique es considerado la primera película del cinema-verité, de acuerdo a Rouch, en honor al kino-pravda de Dziga Vertov. A travéz de un meticuloso montaje y de la incitación de los eventos y las personas, Rouch quiere alcanzar una verdad, la cual sólo puede surgir de esta manera. Para Rouch la gente se transforma frente a la cámara, se desinhibe o se inhibe, y cualquier reacción brinda una verdad que la realidad misma no nos puede ofrecer. Desde el principio nos involucramos con los participantes al igual que con Rouch y Morin. Podemos sentir que la cámara está presente y que existe una flexibilidad y una cierta improvisación que esta abierta a que cualquier cosa ocurra. El espectador puede ver la dinámica que existe entre Rouch y Morin con los participantes, una búsqueda antropológica con una serie de personas, un experimento proyectado ante nosotros. Se puede decir que el proceso de crear esta película es parte de la propia película.
De pronto la escena que estamos viendo aparece en una pantalla. Lo que acabamos de ver fue vista por los participantes de la película, Rouch y Morin. En comparación con las demás películas de Rouch, los participantes pudieron ver el material, después de ser editada, no en el proceso. El ver a los participantes verse en pantalla y juzgarse unos a los otros es parte del experimento y del proyecto.
Uno de los personajes que se encuentra hablando es Jean Pierre, un estudiante. Jean Pierre expresa su infelicidad y su inconformidad en general con el mundo. De pronto vemos la cara de Marceline, quien aparece desde el principio con Rouch y Morin. Captamos que Marceline es amante de Jean Pierre, quien ha estado presente durante la fuerte confesión de su amante. Marceline afirma que se siente culpable por la infelicidad de Jean Pierre, sus manos revelan su incomodidad. Marceline baja la cabeza y la cámara sigue este gesto. La cámara da un pequeño paneo hacia la derecha y nos revela en el brazo de Marceline, el tatuaje impregnado por un duro pasado. En ese momento nuestra mente se dispara y empezamos a examinar y a empatizar con una persona que fue víctima del Holocausto. Es probable que este movimiento de cámara haya sido premeditado, o simplemente se aprovechó esa toma para causar en nosotros un impacto.
Angelo trabaja en la fábrica de Renault. Angelo parece un personaje de varias películas de Martin Scorsese. Podría interpretar el personaje de James Caan en el Padrino, La voz ronca tipo Joe Pesci, la nariz, la manera en que mueve el cuerpo, su actitud. A pesar de que parece un personaje de ficción, fue para mí uno de los más genuinos y uno de los que más me conmovió. A Angelo lo podemos ver desde que se levanta en la mañana para ir a trabajar a la fábrica. Vemos también el recorrido a pie que hace para llegar a su casa en la tarde, donde lo observamos con su ropa blanca practicar un especie de arte marcial y meditación. Luego vemos a Angelo en las escaleras de un edificio de departamentos sentado con Landry, a quien acaba de conocer gracias a Morin. Angelo expresó que tenía interés por conocerlo. Landry es un joven de Costa de Marfil, que más tarde en la película nos enteramos de que no tenía idea del acontecimiento del Holocausto. Aquí se puede ver un poco el contraste de la vida en Africa, quien Rouch, ya sabemos, retrató con presición, y la vida en París. Aquí Angelo logra interesarse genuinamente por lo que Landry tiene que contar y a la vez, podríamos decir, que se desahoga. Para mí es muy poderoso la manera en que se expresa de la clase obrera, a la cual pertenece. El obrero francés de acuerdo a Angelo, sólo piensa en sí mismo. Angelo se expresa pesimista sobre la manera en que la gente usa su dinero y su excesivo interés por lo material. Yo concuerdo con Morin en que esta escena es de las más sinceras, donde podemos "ver una amistad creada ante nuestros ojos".
Cuando los participantes comentan sobre lo que les acaba de ser proyectados, se crea una controversia alrededor de una escena de Marceline. Marceline es seguida caminando por Les Halles por la cámara del director y fotógrafo canadiense Michel Brault en un estado de trance. Marceline camina las calles hablándole directamente a su padre, quién murió víctima del Holocausto. Muchos opinan que fue un momento actuado, otros creen que fue realmente genuino y simplemente se dejó llevar. Esta es la escena con más carga emocional de toda la película. Debemos admitir que Marceline le gusta provocar a la cámara y a la vez ser provocada. Marceline está conciente de la presencia que tiene y del poder que tiene sobre la cámara. Realmente no importa si esta escena de Marceline fue actuado, pues lo que importa es su revelación. Esta escena comprueba la teoría de Rouch, de que la cámara es capaz de provocar y de revelar una verdad, aunque esta haya sido "actuada". Existe la probabilidad de que en la realidad, esto nunca hubiera brotado, por lo menos no con la misma fuerza.
En el blog ya he hablado del poder que tiene la cámara sobre las personas. Chronique podría ser el más claro ejemplo de todos los efectos que lleva la relación entre la cámara y el hombre. De acuerdo a Rouch, cuando una persona es grabada, sus reacciones serán infinitamente más sinceras a las reacciones que ocurren cuando no son grabadas. Yo no estoy completamente de acuerdo, pues mucha gente finge frente a la cámara. Muchas personas (celebridades, políticos, personas en juicios etc.) se preocupan por la imágen que proyectará, y cómo se beneficiarán de su proyección hacia los demás. Aunque este tipo de personas no estén siendo naturales y mucho menos sinceros, este fingir nos revela otra faceta, otra verdad de dicha persona, una revelación, quizás, más profunda.
Es un tanto ingenuo el creer que se puede lograr una realidad cruda, algo idéntico a lo que es la realidad fuera de las cámaras. Pero el poder de la cámara es que puede revelarnos ciertas cosas, ciertas verdades y ciertas realidades. Realidades que no existen en la realidad misma. La cámara cumple su función pero necesita del montaje del director y de la provocación, de ahí el cinema verité. El cinema verité provoca y el direct cinema se abstiene (la mayoría de las veces) de provocar. Yo podría decir que a veces la cámara (el director está implícito) debe tener una enorme fortuna de encontrarse en un momento adecuado. Es como cuando una de las niñas que estaban de vacaciones le dice a Morin que la vida era divertida, y Morin le pregunta por qué, y ella responde, quizás es por que estoy de vacaciones.
Otro personaje importante es Marilou, una mujer italiana que ahora vive en París a la cual su soledad la está ahogando. Los nervios de Marilou son bastante explícitos, las manos le tiemblan y la voz se le quiebra, su confesión es de las más reveladoras. En el caso de Marceline, por su pasado, si la hubieran entrevistado cinco años antes o cinco años después, en esencia hubiera sido lo mismo, la marca en su brazo estaría presente. Pero en el caso de Marilou no hubiera sido así. Si ella en el momento de ser entrevistada hubiera tenido una pareja, no hubiera sentido la misma soledad que la que confiesa en Chronique. Aquí los realizadores tuvieron la fortuna de entrevistarla en un momento difícil en su vida que va de la mano con lo que se vivía en ese entonces en París. La gente, las vivencias y los tiempos cambian. el director debe estar atento a esto y debe aprovechar cualquier descubrimiento que esto provoque. Siempre habrá personajes que resalten más que otros y que puedan lograr captar la completa atención del espectador, y hacer que nos interesemos por ellos.
Al terminar la proyección, Rouch y Morin caminan por el Musée de l'Homme en París comentando sobre la película. Ambos se encuentran simultáneamente satisfechos e insatisfechos. A Rouch le sorprende el que acusen a Marceline de estar fingiendo, pues Rouch conoce muy bien lo que es estar en estado de trance, y Marceline le parece genuina. Unos opinan que Marilou se abre demasiado, que cae en lo impúdico. Morin observa que se le reprocha a los personajes por que no son sinceros o por que son demasiado abiertos. También afirma que cuando son más sinceros que en la realidad, se les considera o comediantes o exhibicionistas. Si se les considera comediantes o exhibicionistas a alguno de los personajes de Chronique, entonces para Morin su película es un fracaso en cuanto a la propuesta que se tenía inicialmente. La película da pie a nuevas preguntas que probablemente son más complejas de responder. Creo que Rouch y Morin, a pesar de colaborar juntos, tenían cada uno, una meta y diferentes expectativas. Morin quería descubrir como vivían los parisinos. No sé si realmente logra saber como viven las personas en París, pero creo que logra rescatar una universalidad. La soledad, el inconformismo y la indeferencia es experimentada, sin discriminación alguna, por todas las personas del mundo. Creo que para Jean Rouch, la experiencia fue más satisfactoria y mas enriquecedora. Rouch pudo comprobar de nuevo el poder que tiene la cámara y descubrir nuevas facetas de dicho poder. Rouch pudo descubrir que los estados de trance existen en diferentes personas y de diferentes maneras.
Película que toca filosófícamente el tema de mayo del 68 y que representa esa época en París
La Société du spectacle, Guy Debord 1973 (part 1)
más de Guy Debord
http://www.ubu.com/film/debord.html
Sobre el movimiento situacionista donde Guy Debord es considerado como el principal intelectual.
On the Passage of a few People through a Rather Brief Moment in Time: The Situationist International 1956-1972 (part 1)
Regis Debray, participante en la película, se convirtió en político marxista e incluso estuvo en Bolivia junto al Che Guevara. Aquí una pequeña entrevista sobre su nueva ideología "mediology."
http://www.wired.com/wired/archive/3.01/debray.html
Slogans que aprecían en las paredes de París
http://libcom.org/history/slogans-68
Pósters de Mayo 68
http://membres.lycos.fr/mai68/affiches/affiches.htm
Fotos Mayo 68
http://brownsoundclothing.com/sla/blog/6868/6868.html
http://www.photos-mai68.com/index.php?x=browse
"There is a whole series of intermediaries and these are lying intermediaries. We contract time, we extend it, we chose an angle for the shot, we deform the people we’re shooting, we speed things up and follow one movement to the detriment of another movement. So there is whole work of lies. But, for me and Edgar Morin, at the time we made that film this was more real than the truth. That is to say, there are a certain number of things happening, human facts surrounding us….which people would not be able to say any other way….it’s a sort of catalyst which allows us to reveal, with doubts, a fictional part of all of us, but which for me is the most real part of an individual."
Jean Rouch
En Chronique d'un été, Jean Rouch abandona los rituales y con ello a África, para filmar a la gente de su natal París. No se si podría comparar los rituales de sus películas pasadas a lo que ocurre en Chronique, pero podría decir que es Rouch ahora quien provoca las situaciones.
Chronique nace gracias a que el sociólogo y filósofo Edgar Morin, se lo incita a Rouch, diciéndole que debería filmar a la gente de su propio país. Esta película es un experimento donde se quería capturar la manera en que los parisinos vivían. Se quería hacer una película de carácter antropológico que contrastara con las películas previas de Rouch. En la película se puede sentir hervir las ideas que propiciarían las protestas estudiantiles de Mayo del 68. Estas ideas logran ir de la mano con la individualidad, con lo meramente personal. Rouch y Morin exploran la cotidianidad de las personas, sus miedos, sus pasados, sus pensamientos, y sus interacciones con los demás. Se combina lo banal con lo existencial.
Rouch, asistido por el ingeniero André Coutant, construyeron una cámara 16mm que fuera ligera y que no hiciera mucho ruido. Esta cámara era capaz de ser transportada a cualquier lado. La creación de esta cámara tuvo mucho que ver el que esta película se pudiera llevar a cabo. Rouch y Morin durante el verano en París entrevistan a una serie de personas abarcando diversos temas como la soledad, el Holocausto y la infancia. Rouch y Morin aparecen en pantalla incitando a las personas y en ocasiones orquestando la escena. Ambos son elementos de suma importancia para la película, son también actantes. Desde el principio se nos revela el carácter experimental del documental, apareciendo ambos en escena (con un participante de la película Marceline) comentando la naturaleza de la película. Chronique es considerado la primera película del cinema-verité, de acuerdo a Rouch, en honor al kino-pravda de Dziga Vertov. A travéz de un meticuloso montaje y de la incitación de los eventos y las personas, Rouch quiere alcanzar una verdad, la cual sólo puede surgir de esta manera. Para Rouch la gente se transforma frente a la cámara, se desinhibe o se inhibe, y cualquier reacción brinda una verdad que la realidad misma no nos puede ofrecer. Desde el principio nos involucramos con los participantes al igual que con Rouch y Morin. Podemos sentir que la cámara está presente y que existe una flexibilidad y una cierta improvisación que esta abierta a que cualquier cosa ocurra. El espectador puede ver la dinámica que existe entre Rouch y Morin con los participantes, una búsqueda antropológica con una serie de personas, un experimento proyectado ante nosotros. Se puede decir que el proceso de crear esta película es parte de la propia película.
De pronto la escena que estamos viendo aparece en una pantalla. Lo que acabamos de ver fue vista por los participantes de la película, Rouch y Morin. En comparación con las demás películas de Rouch, los participantes pudieron ver el material, después de ser editada, no en el proceso. El ver a los participantes verse en pantalla y juzgarse unos a los otros es parte del experimento y del proyecto.
Uno de los personajes que se encuentra hablando es Jean Pierre, un estudiante. Jean Pierre expresa su infelicidad y su inconformidad en general con el mundo. De pronto vemos la cara de Marceline, quien aparece desde el principio con Rouch y Morin. Captamos que Marceline es amante de Jean Pierre, quien ha estado presente durante la fuerte confesión de su amante. Marceline afirma que se siente culpable por la infelicidad de Jean Pierre, sus manos revelan su incomodidad. Marceline baja la cabeza y la cámara sigue este gesto. La cámara da un pequeño paneo hacia la derecha y nos revela en el brazo de Marceline, el tatuaje impregnado por un duro pasado. En ese momento nuestra mente se dispara y empezamos a examinar y a empatizar con una persona que fue víctima del Holocausto. Es probable que este movimiento de cámara haya sido premeditado, o simplemente se aprovechó esa toma para causar en nosotros un impacto.
Angelo trabaja en la fábrica de Renault. Angelo parece un personaje de varias películas de Martin Scorsese. Podría interpretar el personaje de James Caan en el Padrino, La voz ronca tipo Joe Pesci, la nariz, la manera en que mueve el cuerpo, su actitud. A pesar de que parece un personaje de ficción, fue para mí uno de los más genuinos y uno de los que más me conmovió. A Angelo lo podemos ver desde que se levanta en la mañana para ir a trabajar a la fábrica. Vemos también el recorrido a pie que hace para llegar a su casa en la tarde, donde lo observamos con su ropa blanca practicar un especie de arte marcial y meditación. Luego vemos a Angelo en las escaleras de un edificio de departamentos sentado con Landry, a quien acaba de conocer gracias a Morin. Angelo expresó que tenía interés por conocerlo. Landry es un joven de Costa de Marfil, que más tarde en la película nos enteramos de que no tenía idea del acontecimiento del Holocausto. Aquí se puede ver un poco el contraste de la vida en Africa, quien Rouch, ya sabemos, retrató con presición, y la vida en París. Aquí Angelo logra interesarse genuinamente por lo que Landry tiene que contar y a la vez, podríamos decir, que se desahoga. Para mí es muy poderoso la manera en que se expresa de la clase obrera, a la cual pertenece. El obrero francés de acuerdo a Angelo, sólo piensa en sí mismo. Angelo se expresa pesimista sobre la manera en que la gente usa su dinero y su excesivo interés por lo material. Yo concuerdo con Morin en que esta escena es de las más sinceras, donde podemos "ver una amistad creada ante nuestros ojos".
Cuando los participantes comentan sobre lo que les acaba de ser proyectados, se crea una controversia alrededor de una escena de Marceline. Marceline es seguida caminando por Les Halles por la cámara del director y fotógrafo canadiense Michel Brault en un estado de trance. Marceline camina las calles hablándole directamente a su padre, quién murió víctima del Holocausto. Muchos opinan que fue un momento actuado, otros creen que fue realmente genuino y simplemente se dejó llevar. Esta es la escena con más carga emocional de toda la película. Debemos admitir que Marceline le gusta provocar a la cámara y a la vez ser provocada. Marceline está conciente de la presencia que tiene y del poder que tiene sobre la cámara. Realmente no importa si esta escena de Marceline fue actuado, pues lo que importa es su revelación. Esta escena comprueba la teoría de Rouch, de que la cámara es capaz de provocar y de revelar una verdad, aunque esta haya sido "actuada". Existe la probabilidad de que en la realidad, esto nunca hubiera brotado, por lo menos no con la misma fuerza.
En el blog ya he hablado del poder que tiene la cámara sobre las personas. Chronique podría ser el más claro ejemplo de todos los efectos que lleva la relación entre la cámara y el hombre. De acuerdo a Rouch, cuando una persona es grabada, sus reacciones serán infinitamente más sinceras a las reacciones que ocurren cuando no son grabadas. Yo no estoy completamente de acuerdo, pues mucha gente finge frente a la cámara. Muchas personas (celebridades, políticos, personas en juicios etc.) se preocupan por la imágen que proyectará, y cómo se beneficiarán de su proyección hacia los demás. Aunque este tipo de personas no estén siendo naturales y mucho menos sinceros, este fingir nos revela otra faceta, otra verdad de dicha persona, una revelación, quizás, más profunda.
Es un tanto ingenuo el creer que se puede lograr una realidad cruda, algo idéntico a lo que es la realidad fuera de las cámaras. Pero el poder de la cámara es que puede revelarnos ciertas cosas, ciertas verdades y ciertas realidades. Realidades que no existen en la realidad misma. La cámara cumple su función pero necesita del montaje del director y de la provocación, de ahí el cinema verité. El cinema verité provoca y el direct cinema se abstiene (la mayoría de las veces) de provocar. Yo podría decir que a veces la cámara (el director está implícito) debe tener una enorme fortuna de encontrarse en un momento adecuado. Es como cuando una de las niñas que estaban de vacaciones le dice a Morin que la vida era divertida, y Morin le pregunta por qué, y ella responde, quizás es por que estoy de vacaciones.
Otro personaje importante es Marilou, una mujer italiana que ahora vive en París a la cual su soledad la está ahogando. Los nervios de Marilou son bastante explícitos, las manos le tiemblan y la voz se le quiebra, su confesión es de las más reveladoras. En el caso de Marceline, por su pasado, si la hubieran entrevistado cinco años antes o cinco años después, en esencia hubiera sido lo mismo, la marca en su brazo estaría presente. Pero en el caso de Marilou no hubiera sido así. Si ella en el momento de ser entrevistada hubiera tenido una pareja, no hubiera sentido la misma soledad que la que confiesa en Chronique. Aquí los realizadores tuvieron la fortuna de entrevistarla en un momento difícil en su vida que va de la mano con lo que se vivía en ese entonces en París. La gente, las vivencias y los tiempos cambian. el director debe estar atento a esto y debe aprovechar cualquier descubrimiento que esto provoque. Siempre habrá personajes que resalten más que otros y que puedan lograr captar la completa atención del espectador, y hacer que nos interesemos por ellos.
Al terminar la proyección, Rouch y Morin caminan por el Musée de l'Homme en París comentando sobre la película. Ambos se encuentran simultáneamente satisfechos e insatisfechos. A Rouch le sorprende el que acusen a Marceline de estar fingiendo, pues Rouch conoce muy bien lo que es estar en estado de trance, y Marceline le parece genuina. Unos opinan que Marilou se abre demasiado, que cae en lo impúdico. Morin observa que se le reprocha a los personajes por que no son sinceros o por que son demasiado abiertos. También afirma que cuando son más sinceros que en la realidad, se les considera o comediantes o exhibicionistas. Si se les considera comediantes o exhibicionistas a alguno de los personajes de Chronique, entonces para Morin su película es un fracaso en cuanto a la propuesta que se tenía inicialmente. La película da pie a nuevas preguntas que probablemente son más complejas de responder. Creo que Rouch y Morin, a pesar de colaborar juntos, tenían cada uno, una meta y diferentes expectativas. Morin quería descubrir como vivían los parisinos. No sé si realmente logra saber como viven las personas en París, pero creo que logra rescatar una universalidad. La soledad, el inconformismo y la indeferencia es experimentada, sin discriminación alguna, por todas las personas del mundo. Creo que para Jean Rouch, la experiencia fue más satisfactoria y mas enriquecedora. Rouch pudo comprobar de nuevo el poder que tiene la cámara y descubrir nuevas facetas de dicho poder. Rouch pudo descubrir que los estados de trance existen en diferentes personas y de diferentes maneras.
Película que toca filosófícamente el tema de mayo del 68 y que representa esa época en París
La Société du spectacle, Guy Debord 1973 (part 1)
más de Guy Debord
http://www.ubu.com/film/debord.html
Sobre el movimiento situacionista donde Guy Debord es considerado como el principal intelectual.
On the Passage of a few People through a Rather Brief Moment in Time: The Situationist International 1956-1972 (part 1)
Regis Debray, participante en la película, se convirtió en político marxista e incluso estuvo en Bolivia junto al Che Guevara. Aquí una pequeña entrevista sobre su nueva ideología "mediology."
http://www.wired.com/wired/archive/3.01/debray.html
Slogans que aprecían en las paredes de París
http://libcom.org/history/slogans-68
Pósters de Mayo 68
http://membres.lycos.fr/mai68/affiches/affiches.htm
Fotos Mayo 68
http://brownsoundclothing.com/sla/blog/6868/6868.html
http://www.photos-mai68.com/index.php?x=browse
lunes, 18 de mayo de 2009
Emile de Antonio
Painters Painting es el único documental, de los 10 que hizo, que no trata sobre la Guerra Fría. De Antonio frecuentaba la escena del arte pop en Nueva York y lo plasma en esta película, en donde podemos ver a Willem de Kooning, Jasper Johns, Andy Warhol, Robert Rauschenberg entre otros.
Varias de sus películas se pueden bajar en torrent, sólo encontré Painters Painting subido a la red.
Painters Painting, Emile de Antonio 1972
http://hcl.harvard.edu/hfa/films/2008mayjune/antonio.html
http://archive.sensesofcinema.com/contents/04/31/emile_de_antonio.html
Varias de sus películas se pueden bajar en torrent, sólo encontré Painters Painting subido a la red.
Painters Painting, Emile de Antonio 1972
http://hcl.harvard.edu/hfa/films/2008mayjune/antonio.html
http://archive.sensesofcinema.com/contents/04/31/emile_de_antonio.html
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