The undisputed heavyweight champion of my world."
Alan Berliner
Untitled from malena cordova on Vimeo.
sábado, 20 de junio de 2009
Yo 2009
"He was my sparring partner, my leading man,
The undisputed heavyweight champion of my world."
Alan Berliner
The undisputed heavyweight champion of my world."
Alan Berliner
Nobody's Business
Nobody's Business, Alan Berliner 1996
"He was my sparring partner, my leading man,
The undisputed heavyweight champion of my world."
Alan Berliner
Alan Berliner se ha dedicado a plasmar su vida y su entorno. En Nobody's Business desea inmortalizar a su padre Oscar y hacer una búsqueda de su pasado. ¿De dónde exactamente provienen los Berliner? A Oscar no le importa, pero a pesar de esto, Alan logra plasmar su pasado y su personalidad al igual que la de él mismo.
Creo yo que el tema de su pasado familiar es una excusa para incitar a Oscar. Lo que Alan realmente quiere es plasmar a su padre, hacerle un homenaje en vida (aunque a Oscar no le agrade mucho) e inmortalizarlo de alguna manera. Podemos ver a Oscar a travéz de la entrevista que le hace Alan y numerosos videos familiares. La entrevista pareciera que dura lo que la película y nunca se siente que fueron una serie de entrevistas. Nobody's Business cuenta con una edición meticulosa y precisa, existe una habilidad muy elevada en el montaje y mantiene siempre un ritmo muy dinámico y todo fluye. La película logra converger el pasado con el presente, a su padre y a él mismo.
Oscar es una persona que con la edad se ha amargado más. Alan ha sido capaz de aceptar y amar a su padre tal y como es. Existe algo especial en la entrevista, pues es entrevistar a alguien que no solamente ama sino conoce demasiado bien. Alan no solamente entrevista a su padre, también entrevista a su madre, su hermana e integrantes de la familia Berliner. Esto integrantes incluyen la prima del primo, el hermano de la abuela, parientes que Alan no conocía y ni siquiera sabía que existían. Descubre que su familia proviene de Polonia y decide viajar hacia allá y también a Salt Lake City, Utah donde se encuentra el archivo familiar más grande del mundo. Digamos que la búsqueda de sus ancestros no fue del todo exitosa. Berliner sí triunfa en inmortalizar a su padre, y con ello su historia personal.
Usualmente son los padres y/o abuelos que se quejan de la apatía de los jóvenes y su pasado. En este caso es el de la generación más joven el que se encuentra interesado en esta búsqueda. A su padre no le podría importar menos y realmente no le ve el por qué. A Oscar le duele recordar su pasado, no le gusta revivir aquellos momentos en el que no fue feliz. Esto provocó que se convirtiera en un hombre solitario que solamente convive con sus hijos y nietos. Lo más conmovedor para mí fue el ver a unos hijos que aman incondicionalmente a su padre. Sabemos que Oscar también los ama y son su razón de existir.
Esta película es un placer para el espectador, es conmovedora, muy graciosa y se encuentra llena de vida.
Cuando comenzó la película me encontraba un poco nerviosa, pues no había pasado ni un mes desde que murió mi padre. Tenía miedo de que algo en mí no aguantara las ganas de llorar. Fueron muchas la emociones que experimenté al ver la película. Esta película, demasiado íntima para Berliner, se convirtió en algo íntimo para mí también. Muchas escenas me recordaron mucho a él. Cuando Oscar se encuentra en el hospital recordé a mi padre en terapia intensiva. Cuando Oscar juega con su nieta, recordé a mi padre y la felicidad que le daban sus nietos, y el día que le enseñó a jugar basketball a su nieto a pesar de lo frágil que se encontraba su cuerpo de 74 años. Un sin fin de imágenes, recuerdos y sentimientos recorrieron mi mente durante la película. A mi padre le hubiera gustado que yo hiciera algo así, pues siempre se enorgulleció de haber llevado una vida bastante rica y demasiado peculiar, aunque a veces muy dura. Me percaté de que nunca podré hacer algo de este estilo. Lo que me corresponde hacer es mantener los recuerdos vivos e ingeniarme otra recurso diferente a la de Berliner, de plasmar los recuerdos y la vida de mi padre. Esta película se ha convertido en una película muy especial para mí y una fuente de inspiración para el futuro.
Everywhere At Once, Alan Berliner 1985
Entrevista con Alan Berliner
Alan Berliner's Audiofile
Eulogy For Oscar Berliner by Alan Berliner
http://www.alanberliner.com/flm_02.html
"He was my sparring partner, my leading man,
The undisputed heavyweight champion of my world."
Alan Berliner
Alan Berliner se ha dedicado a plasmar su vida y su entorno. En Nobody's Business desea inmortalizar a su padre Oscar y hacer una búsqueda de su pasado. ¿De dónde exactamente provienen los Berliner? A Oscar no le importa, pero a pesar de esto, Alan logra plasmar su pasado y su personalidad al igual que la de él mismo.
Creo yo que el tema de su pasado familiar es una excusa para incitar a Oscar. Lo que Alan realmente quiere es plasmar a su padre, hacerle un homenaje en vida (aunque a Oscar no le agrade mucho) e inmortalizarlo de alguna manera. Podemos ver a Oscar a travéz de la entrevista que le hace Alan y numerosos videos familiares. La entrevista pareciera que dura lo que la película y nunca se siente que fueron una serie de entrevistas. Nobody's Business cuenta con una edición meticulosa y precisa, existe una habilidad muy elevada en el montaje y mantiene siempre un ritmo muy dinámico y todo fluye. La película logra converger el pasado con el presente, a su padre y a él mismo.
Oscar es una persona que con la edad se ha amargado más. Alan ha sido capaz de aceptar y amar a su padre tal y como es. Existe algo especial en la entrevista, pues es entrevistar a alguien que no solamente ama sino conoce demasiado bien. Alan no solamente entrevista a su padre, también entrevista a su madre, su hermana e integrantes de la familia Berliner. Esto integrantes incluyen la prima del primo, el hermano de la abuela, parientes que Alan no conocía y ni siquiera sabía que existían. Descubre que su familia proviene de Polonia y decide viajar hacia allá y también a Salt Lake City, Utah donde se encuentra el archivo familiar más grande del mundo. Digamos que la búsqueda de sus ancestros no fue del todo exitosa. Berliner sí triunfa en inmortalizar a su padre, y con ello su historia personal.
Usualmente son los padres y/o abuelos que se quejan de la apatía de los jóvenes y su pasado. En este caso es el de la generación más joven el que se encuentra interesado en esta búsqueda. A su padre no le podría importar menos y realmente no le ve el por qué. A Oscar le duele recordar su pasado, no le gusta revivir aquellos momentos en el que no fue feliz. Esto provocó que se convirtiera en un hombre solitario que solamente convive con sus hijos y nietos. Lo más conmovedor para mí fue el ver a unos hijos que aman incondicionalmente a su padre. Sabemos que Oscar también los ama y son su razón de existir.
Esta película es un placer para el espectador, es conmovedora, muy graciosa y se encuentra llena de vida.
Cuando comenzó la película me encontraba un poco nerviosa, pues no había pasado ni un mes desde que murió mi padre. Tenía miedo de que algo en mí no aguantara las ganas de llorar. Fueron muchas la emociones que experimenté al ver la película. Esta película, demasiado íntima para Berliner, se convirtió en algo íntimo para mí también. Muchas escenas me recordaron mucho a él. Cuando Oscar se encuentra en el hospital recordé a mi padre en terapia intensiva. Cuando Oscar juega con su nieta, recordé a mi padre y la felicidad que le daban sus nietos, y el día que le enseñó a jugar basketball a su nieto a pesar de lo frágil que se encontraba su cuerpo de 74 años. Un sin fin de imágenes, recuerdos y sentimientos recorrieron mi mente durante la película. A mi padre le hubiera gustado que yo hiciera algo así, pues siempre se enorgulleció de haber llevado una vida bastante rica y demasiado peculiar, aunque a veces muy dura. Me percaté de que nunca podré hacer algo de este estilo. Lo que me corresponde hacer es mantener los recuerdos vivos e ingeniarme otra recurso diferente a la de Berliner, de plasmar los recuerdos y la vida de mi padre. Esta película se ha convertido en una película muy especial para mí y una fuente de inspiración para el futuro.
Everywhere At Once, Alan Berliner 1985
Entrevista con Alan Berliner
Alan Berliner's Audiofile
Eulogy For Oscar Berliner by Alan Berliner
http://www.alanberliner.com/flm_02.html
Die Schulung
Indoctrination (Die Schulung), Harun Farocki 1987
Harun Farocki nos presenta en 45 minutos, la condensación de un seminario de 5 días. Este seminario es para todos aquellos hombres de negocios que desean mejorar sus ventas a travéz de ciertas habilidades. Los temas de las películas de Farocki son bastante variados pero podemos notar cuales son alguno de sus intereses. Farocki le gusta explorar fenómenos sociales meramente contemporáneos como el capitalismo, los medios y el consumismo y como estos afecta fenómenos arcaicos como la guerra.
Estos ejecutivos aspiran a subir de nivel en su empresa. Para ello necesitan vender más y no es tarea fácil. El cómo se presenta uno con el cliente lo es todo. Este seminario enseña a estos ejecutivos a mejorar su presentación a travéz de la dialéctica, la retórica y el lenguaje corporal. La película se da en un momento en donde el capitalismo toma cada vez más fuerza y surgen los populares "yuppies". Todos aspiran a ser ricos y por lo visto muchos jóvenes lo estaban logrando.
Farocki nos revela una sociedad que se rige por recetarios para vivir la vida personal y profesional. Es cuestión de ir a una libreria y ver los títulos de los libros y quienes los escriben. Jerry Seinfeld dijo una vez “A bookstore is one of the only pieces of evidence we have that people are still thinking.” Quizás esto podía aplicarse hace 100 años. Hoy vas a la librería y puedes encontrar más de 10 títulos "escritos" por Donald Trump. Todos sus libros son sobre como te puedes hacer millonario, y sobre todo, de cómo Trump es brillante. Lo mas triste de todo es que siempre habrá gente que consuma estas ideas y adoctrinamientos.
La cámara de Farocki se encuentra presente sin nunca intervenir. No existe una imposición por parte de Farocki, la cámara nos muestra. Es en la edición donde podemos sentir la manos de Farocki. Podemos ver que escogió los momentos que más representan el fin último del seminario, que es el de adquirir habilidades para convertirse en unas máquinas vendedoras. El seminario es dirigido por un moderador que es realmente un cliché andando. No se por qué pero muchos de estos moderadores son realmente ridículos y parecen que todos tienen una afinidad por la actuación. Quizás todos estos moderadores se parecen por que también ellos lo aprendieron en un curso donde se les modeló y ellos lo siguen al pie de la letra. Este moderador es gracioso pues es una persona directa y va al grano con sus comentarios. El hecho de que sea alemán puede influir en el hecho de que sus comentarios y críticas son bastante mordaces a la hora de corregir a sus alumnos.
Existe también un juego de poder protagonizado por el moderador. Estos seminarios para esas personas son el escenario para poder brillar. Lo que sale de su boca es la verdad. La palabra adoctrinamiento implica no cuestiona ni examinar lo que se te enseña. Es realmente gracioso y en ocasiones parece actuado, es aquí donde nos deberíamos preocupar pues Indoctrination es real y una realidad que rige al mundo.
"For those who stubbornly seek freedom, there can be no more urgent task than to come to understand the mechanisms and practices of indoctrination. These are easy to perceive in the totalitarian societies, much less so in the system of 'brainwashing under freedom' to which we are subjected and which all too often we serve as willing or unwitting instruments"
Noam Chomsky
Inextinguishable Fire, Harun Farocki 1969
Images of the World and the Inscription of War, Harun Farocki 1988
Harun Farocki By Harun Farocki, Thomas Elsaesser (completo)
http://books.google.com/books?id=OHBrp2_W2ccC&lpg=PA1&dq=harun%20farocki&client=firefox-a&pg=PA3
Speaking about Godard By Kaja Silverman, Harun Farocki, Constance Penley
http://books.google.com/books?id=m4iq7264svIC&lpg=PP1&dq=harun%20farocki&client=firefox-a&pg=PA4
Sobre el Thought-terminating Cliché
http://bigfrankdickinson.blogspot.com/2008/07/clichs-are-simplistic-thought-negating.html
Harun Farocki nos presenta en 45 minutos, la condensación de un seminario de 5 días. Este seminario es para todos aquellos hombres de negocios que desean mejorar sus ventas a travéz de ciertas habilidades. Los temas de las películas de Farocki son bastante variados pero podemos notar cuales son alguno de sus intereses. Farocki le gusta explorar fenómenos sociales meramente contemporáneos como el capitalismo, los medios y el consumismo y como estos afecta fenómenos arcaicos como la guerra.
Estos ejecutivos aspiran a subir de nivel en su empresa. Para ello necesitan vender más y no es tarea fácil. El cómo se presenta uno con el cliente lo es todo. Este seminario enseña a estos ejecutivos a mejorar su presentación a travéz de la dialéctica, la retórica y el lenguaje corporal. La película se da en un momento en donde el capitalismo toma cada vez más fuerza y surgen los populares "yuppies". Todos aspiran a ser ricos y por lo visto muchos jóvenes lo estaban logrando.
Farocki nos revela una sociedad que se rige por recetarios para vivir la vida personal y profesional. Es cuestión de ir a una libreria y ver los títulos de los libros y quienes los escriben. Jerry Seinfeld dijo una vez “A bookstore is one of the only pieces of evidence we have that people are still thinking.” Quizás esto podía aplicarse hace 100 años. Hoy vas a la librería y puedes encontrar más de 10 títulos "escritos" por Donald Trump. Todos sus libros son sobre como te puedes hacer millonario, y sobre todo, de cómo Trump es brillante. Lo mas triste de todo es que siempre habrá gente que consuma estas ideas y adoctrinamientos.
La cámara de Farocki se encuentra presente sin nunca intervenir. No existe una imposición por parte de Farocki, la cámara nos muestra. Es en la edición donde podemos sentir la manos de Farocki. Podemos ver que escogió los momentos que más representan el fin último del seminario, que es el de adquirir habilidades para convertirse en unas máquinas vendedoras. El seminario es dirigido por un moderador que es realmente un cliché andando. No se por qué pero muchos de estos moderadores son realmente ridículos y parecen que todos tienen una afinidad por la actuación. Quizás todos estos moderadores se parecen por que también ellos lo aprendieron en un curso donde se les modeló y ellos lo siguen al pie de la letra. Este moderador es gracioso pues es una persona directa y va al grano con sus comentarios. El hecho de que sea alemán puede influir en el hecho de que sus comentarios y críticas son bastante mordaces a la hora de corregir a sus alumnos.
Existe también un juego de poder protagonizado por el moderador. Estos seminarios para esas personas son el escenario para poder brillar. Lo que sale de su boca es la verdad. La palabra adoctrinamiento implica no cuestiona ni examinar lo que se te enseña. Es realmente gracioso y en ocasiones parece actuado, es aquí donde nos deberíamos preocupar pues Indoctrination es real y una realidad que rige al mundo.
"For those who stubbornly seek freedom, there can be no more urgent task than to come to understand the mechanisms and practices of indoctrination. These are easy to perceive in the totalitarian societies, much less so in the system of 'brainwashing under freedom' to which we are subjected and which all too often we serve as willing or unwitting instruments"
Noam Chomsky
Inextinguishable Fire, Harun Farocki 1969
Images of the World and the Inscription of War, Harun Farocki 1988
Harun Farocki By Harun Farocki, Thomas Elsaesser (completo)
http://books.google.com/books?id=OHBrp2_W2ccC&lpg=PA1&dq=harun%20farocki&client=firefox-a&pg=PA3
Speaking about Godard By Kaja Silverman, Harun Farocki, Constance Penley
http://books.google.com/books?id=m4iq7264svIC&lpg=PP1&dq=harun%20farocki&client=firefox-a&pg=PA4
Sobre el Thought-terminating Cliché
http://bigfrankdickinson.blogspot.com/2008/07/clichs-are-simplistic-thought-negating.html
viernes, 19 de junio de 2009
Grey Gardens
Grey Gardens 1975 Albert Maysles y David Maysles, Ellen Hovde y Muffie Meyer (trailer)
Una película de la que mucho se ha hablado y analizado. No me sorprende el hecho de que Grey Gardens se ha convertido en una película de culto. Son de esas películas que por más que se escriba de ellas, por más que se describa con toda precisión, no se puede realmente transmitir lo que la película sí logra.
Esta película es realmente hipnotizante y misteriosa pues no sabría descifrar con exactitud qué es lo que nos atrae tanto. Creo que esto es gracias a la combinación de tantos elementos, de muchos detalles que nunca más se repetirán. Detalles propios que sólo existen dentro de la película. Cada elemento en la película es poderoso y esencial; la casa, las Edie, las voces, sus recuerdos, sus gatos, su tapiz, Jerry, los Maysles, las peleas, la ropa, los bailes, la sangre aristócrata, la fotografía de Albert Maysles, los elotes, la terraza, la decadencia, los mapaches, todo esto en conjunto y más da vida a Grey Gardens.
Los hermanos Maysles fueron ofrecidos un documental sobre Jackie Kennedy (en ese entonces Onassis) y su familia, los aristócratas del este de Estados Unidos los Bouvier. Reto fácil para los Maysles que han filmado a personalidades como Marlon Brando, The Beatles, The Rolling Stones, Truman Capote entre otros. Filmaron horas de material incluyendo a la tía y prima de Jackie, Edith Bouvier Beale y su hija "little" Edie Beale. Fascinados por sus personalidades, los Maysles abandonaron el proyecto inicial y comenzaron una nueva aventura con las Beales.
Grey Gardens es el nombre de la mansión de 28 recámaras de las Beale en East Hampton, Nueva York. Todo ocurre en esta decadente y decrépita mansión donde alguna vez fueron amenazadas con desalojarla. La mansión se encontraba llena de pulgas y basura, cohabitaban con varios gatos y mapaches y carecían de corriente de agua. Gracias a la donación de Jackie y su hermana Lee Radzill, las Beale pudieron seguir viviendo ahí.
¿Por dónde empezar a la hora de hablar de Grey Gardens? Es extraño encontrar a personalidades tan singulares como las Beale. Ambas excéntricas y abrumadoras, son filmadas por la cámara de Albert Maysles de una manera muy bella. Todo lo que sale a cuadro es hipnotizante e irradia color. Estos personajes superan la ficción, si existieran en la ficción no sé que tan carismáticas y amadas pudieran haber sido. Aquí la cámara es mucha más que un "fly on the wall". Los Maysles se relacionan con las Beale y sobre todo ellas con los cineastas. Los Maysles son como un especie de diario donde podrán contar todos sus anécdotas. Los Maysles son su audiencia que siempre les aplaudirá. Para "little" Edie la cámara es lo que siempre soñó tener, una cámara que logra filmar y preservar los cantos y bailes que no se registraron en su juventud.
Los Maysles nos demuestran una vez más lo brillante que son como retratistas. Grey Gardens es un retrato de dos mujeres en su vida cotidiana. Existe un grado elevado de sencillez contrastado con la excesiva personalidad de las Beales. Entre las dos existe un pique, pequeñas riñas que giran torno al "hubieras" y aprovechan la presencia de los Maysles para buscar su aprobación y comprobarse la una a la otra, quien es la que tiene la razón. Mucho afirman que realmente no era una relación de amor, simplemente una co-dependencia enfermiza. Yo difiero y opino que si existía amor entre ambas. También compartían el amor al arte, al baile y al canto y a recordar y revivir sus pasados. Creo que su relación co-dependiente se formó por el hecho de que ambas llevaron (voluntaria e involuntariamente) su vida hacia el mismo camino.
Se nos muestra lo que es imposible mostrarnos, el pasado. La mayoría del tiempo se encuentran hablando del pasado y podemos ver pinceladas de ello a travéz de las fotografías que le enseñan a los Maysles. Podemos verlas en su plena juventud y nos percatamas de lo cruel que es el tiempo. El tiempo mata y arrasa con todo; la juventud, el dinero, los objetos, la vida. La única manera de seguir inyectando vida es a travéz de la memoria y lo que esta pueda rescatar.
"It's very difficult to keep the line between the past and the present,"
Little Edie Beale
Grey Gardens trata precisamente sobre el tiempo. Lo único que tienen es su pasado. Parece que "little" Edie aún se comporta como lo hacía en su juventud. Canta y baila las misma canciones que antes. Nunca se siente incomodidad a la hora de revivir su pasado, les gusta y quizás es de alguna forma terapéutico para ellas. Cada conversación de su pasado es para nosotros un descubrimiento, y se vuelve cada vez más profundo. Las Beales sobreviven por que tuvieron un pasado.
Las Beales fueron capaces de conquistar a los Maysles y a todos los que hemos visto esta película. Existe algo demasiado atractivo en sus personalidades y su manera de vivir. De nuevo me cuestiono, ¿qué es exactamente lo que nos atrae?. La respuesta no es simple y los motivos, como ya mencioné sobran. Las Beales son un enigma (en el buen sentido de la palabra, no como algo oscuro) e irradian un carisma fuera de lo común, y, combinado con su extraño estilo de vida y filosofía, forman parte de su complejo encanto.
Albert Maysles regresa a Grey Gardens 30 años después.
Fotos de grey gardens
http://www.nytimes.com/slideshow/2009/04/17/garden/20090417-insidegreygardens_index.html?scp=6&sq=grey%20gardens&st=cse
The Marble Faun. La historia de Jerry quién regularmente visitaba a las Beales.
http://www.newyorker.com/archive/2006/03/06/060306ta_talk_green
Una película de la que mucho se ha hablado y analizado. No me sorprende el hecho de que Grey Gardens se ha convertido en una película de culto. Son de esas películas que por más que se escriba de ellas, por más que se describa con toda precisión, no se puede realmente transmitir lo que la película sí logra.
Esta película es realmente hipnotizante y misteriosa pues no sabría descifrar con exactitud qué es lo que nos atrae tanto. Creo que esto es gracias a la combinación de tantos elementos, de muchos detalles que nunca más se repetirán. Detalles propios que sólo existen dentro de la película. Cada elemento en la película es poderoso y esencial; la casa, las Edie, las voces, sus recuerdos, sus gatos, su tapiz, Jerry, los Maysles, las peleas, la ropa, los bailes, la sangre aristócrata, la fotografía de Albert Maysles, los elotes, la terraza, la decadencia, los mapaches, todo esto en conjunto y más da vida a Grey Gardens.
Los hermanos Maysles fueron ofrecidos un documental sobre Jackie Kennedy (en ese entonces Onassis) y su familia, los aristócratas del este de Estados Unidos los Bouvier. Reto fácil para los Maysles que han filmado a personalidades como Marlon Brando, The Beatles, The Rolling Stones, Truman Capote entre otros. Filmaron horas de material incluyendo a la tía y prima de Jackie, Edith Bouvier Beale y su hija "little" Edie Beale. Fascinados por sus personalidades, los Maysles abandonaron el proyecto inicial y comenzaron una nueva aventura con las Beales.
Grey Gardens es el nombre de la mansión de 28 recámaras de las Beale en East Hampton, Nueva York. Todo ocurre en esta decadente y decrépita mansión donde alguna vez fueron amenazadas con desalojarla. La mansión se encontraba llena de pulgas y basura, cohabitaban con varios gatos y mapaches y carecían de corriente de agua. Gracias a la donación de Jackie y su hermana Lee Radzill, las Beale pudieron seguir viviendo ahí.
¿Por dónde empezar a la hora de hablar de Grey Gardens? Es extraño encontrar a personalidades tan singulares como las Beale. Ambas excéntricas y abrumadoras, son filmadas por la cámara de Albert Maysles de una manera muy bella. Todo lo que sale a cuadro es hipnotizante e irradia color. Estos personajes superan la ficción, si existieran en la ficción no sé que tan carismáticas y amadas pudieran haber sido. Aquí la cámara es mucha más que un "fly on the wall". Los Maysles se relacionan con las Beale y sobre todo ellas con los cineastas. Los Maysles son como un especie de diario donde podrán contar todos sus anécdotas. Los Maysles son su audiencia que siempre les aplaudirá. Para "little" Edie la cámara es lo que siempre soñó tener, una cámara que logra filmar y preservar los cantos y bailes que no se registraron en su juventud.
Los Maysles nos demuestran una vez más lo brillante que son como retratistas. Grey Gardens es un retrato de dos mujeres en su vida cotidiana. Existe un grado elevado de sencillez contrastado con la excesiva personalidad de las Beales. Entre las dos existe un pique, pequeñas riñas que giran torno al "hubieras" y aprovechan la presencia de los Maysles para buscar su aprobación y comprobarse la una a la otra, quien es la que tiene la razón. Mucho afirman que realmente no era una relación de amor, simplemente una co-dependencia enfermiza. Yo difiero y opino que si existía amor entre ambas. También compartían el amor al arte, al baile y al canto y a recordar y revivir sus pasados. Creo que su relación co-dependiente se formó por el hecho de que ambas llevaron (voluntaria e involuntariamente) su vida hacia el mismo camino.
Se nos muestra lo que es imposible mostrarnos, el pasado. La mayoría del tiempo se encuentran hablando del pasado y podemos ver pinceladas de ello a travéz de las fotografías que le enseñan a los Maysles. Podemos verlas en su plena juventud y nos percatamas de lo cruel que es el tiempo. El tiempo mata y arrasa con todo; la juventud, el dinero, los objetos, la vida. La única manera de seguir inyectando vida es a travéz de la memoria y lo que esta pueda rescatar.
"It's very difficult to keep the line between the past and the present,"
Little Edie Beale
Grey Gardens trata precisamente sobre el tiempo. Lo único que tienen es su pasado. Parece que "little" Edie aún se comporta como lo hacía en su juventud. Canta y baila las misma canciones que antes. Nunca se siente incomodidad a la hora de revivir su pasado, les gusta y quizás es de alguna forma terapéutico para ellas. Cada conversación de su pasado es para nosotros un descubrimiento, y se vuelve cada vez más profundo. Las Beales sobreviven por que tuvieron un pasado.
Las Beales fueron capaces de conquistar a los Maysles y a todos los que hemos visto esta película. Existe algo demasiado atractivo en sus personalidades y su manera de vivir. De nuevo me cuestiono, ¿qué es exactamente lo que nos atrae?. La respuesta no es simple y los motivos, como ya mencioné sobran. Las Beales son un enigma (en el buen sentido de la palabra, no como algo oscuro) e irradian un carisma fuera de lo común, y, combinado con su extraño estilo de vida y filosofía, forman parte de su complejo encanto.
Albert Maysles regresa a Grey Gardens 30 años después.
Fotos de grey gardens
http://www.nytimes.com/slideshow/2009/04/17/garden/20090417-insidegreygardens_index.html?scp=6&sq=grey%20gardens&st=cse
The Marble Faun. La historia de Jerry quién regularmente visitaba a las Beales.
http://www.newyorker.com/archive/2006/03/06/060306ta_talk_green
Lecumberri
Lecumberri, Arturo Ripstein 1977
David Alfaro Siqueiros 1960
Qué mejor manera para empezar el siglo XX que con la inauguración de una prisión. Después de 12 años de construcción, Porfirio Díaz da a conocer al mundo su ambicioso proyecto que mostraba la grandeza mexicana, La prisión de Lecumberri. Esta prisión no sería como las anteriores en donde carecían higiene y estructura. Después de 76 años, Lecumberri, desde 1982, El archivo general de la nación, decide clausurarse y todos los reos fueron trasladados a las nuevas cárceles. Se le ofrece a Arturo Ripstein grabar los últimos días de Lecumberri. Demasiadas memorias habitan "El Palacio Negro" y Ripsten trata de capturar lo más que se pueda.
Lecumberri es una prisión con una estructura imponente e intimidante. Su forma es la de un panóptico (en la película sólo lo vemos una vez en un a toma aérea) que permite vigilar a los prisioneros sin ellos saber que están siendo vigilados. La idea del panóptico fue diseñada en 1785 por el filósofo inglés Jeremy Bentham. La idea principal del panóptico es poder vigilar sin que los presos sepan cuando están siendo vigilados. Para Bentham esto permitiría crear una especie de presencia inexistente que siempre estaría presentes en las mentes de los prisioneros. Esta presencia intimidaría al preso y una vez liberado sentiría esa misma sensación de que está siendo vigilado, por lo que sería más probable que se abstenga de cometer un crimen. Como un Big Brother sin realmente serlo. Algo que me resulta graciosos es que Bentham le ve otro beneficio al panóptico, y este es el del ahorro de dinero. No se necesita contratar un guardia, una simple torre es suficiente para que los presos no hagan ninguna revuelta. No se por qué no se les había ocurrido algo así. La idea de Bentham es la idea con la que el mundo se ha regido por varios siglos. La gente se abstiene o se abstenía por miedo a Dios. Miedo al Dios omnipresente que siempre nos observa, y si pecas se te castiga con el infierno.
Lecumberri es una prisión bastante ecléctica. Dentro de ella podemos ver a ancianos, criminales con cargos menores, presos políticos, los ricos que pagan por la celda lujosa y uno que otro rubio alto americano. El documental no se rige por un solo estilo, sino combina muchos. Para mí las entrevista sobran, quizás la que rescataría sería cuando son preguntados su motivo en Lecumberri, y sus respuestas son por crímenes tontos y menores. Otro elemento que eliminaría yo serían las voces en off de los prisioneros. Creo que lo que dicen no es muy revelador, sabemos todos que la cárcel ha de ser una pesadilla y realmente estas voces no conmueven ni nos sitúan en su situación. Aunque nos queda claro que no iba a haber manera, por lo menos en los últimos días de la prisión, de poder captar esos abusos y por eso las voces en off. Creo que hubiera sido increíble que la película fuera un poco del estilo de Wiseman, simplemente estar presentes. Ripstein emplea muchos recursos, como si quisiera plasmar absolutamente todo de Lecumberri, las rutinas, los procesos, las distracciones, las vivencias, los maltratos y los recuerdos, cosa que es muy entendible, pues era su única oportunidad.
Ripstein logra plasmar con exactitud y algo de sentido del humor los procesos burocráticos que en ocasiones son algo ridículos y absurdos. La cámara va siguiendo todos estos proceso sin cortar. Este es un buen recurso para adentrarnos un poco y desesperarnos tantito. Existe un momento en donde la cámara panea bruscamente de un lado a otro. Esto es como en un patio circular con unas celdas amplias, al aire libre y solo una pequeña rejilla donde podemos ver sus ojos. Lo genial de la escena es que estos presos se comunican a gritos ininteligible de celda a celda, mientras la cámara va siguiendo la conversación. Existe una recreación que es de lo mejor de la película. La secuencia inicia con la claqueta indicándonos que es una actuación, un prisionero se encuentra hincado en los baños sosteniendo una piedra. Al sonar la claqueta el reo es empapado por un cubeta de agua y este comienza a tallar el piso.
Otro momento especial es cuando la familia viene a visitar a los presos en un domingo. Existen varios juegos al estilo carnaval y la familias disfrutan del domingo con sus familiares presos, pero antes tuvieron que pasar por la inspección en donde unas mujeres revisan la comida de los visitantes que se encuentran en fila. Existe en este secuencia un travelling que se vuelve bastante bizarro. La cámara se desplaza por donde las familias están comiendo, vemos a un hombre con un bigote delgado ver fijamente a la cámara. La cámara sigue desplazándose y de nuevo aparece ese hombre en otro posición pero con la misma mirada. La cámara sigue su movimiento y por tercera vez aparece el hombre en otra posición. Esta escena es realmente graciosa y bastante extraña y es inevitable no imaginártelo corriendo detrás de la cámara y colocándose frescamente para ser filmado.
Ripstein filmó más de 20 horas de material y lo condensó a 1 hora 45 minutos. Creo que está bien para fines comerciales pero me hubiera gustado que existiera una versión más larga pues se presta para mucho tiempo más. Creo que a pesar de estas fallas que no puedo evitar mencionar, es una muy buena película y vale la pena, y su valor aumenta por la exclusividad que tiene por ser el único registro de Lecumberri. Es un registro histórico con gran valor cultural para México y el resto del mundo.
Mientras José Revueltas estuvo prisionero en Lecumberri, escribió su más celebrada obra El Apando. En 1976 Felipe Cazals, director de Las poquianchis, adaptó la novela al cine.
El Apando, Felipe Cazals 1976 (1)
Prison Nation, un programa de National Geographic que he visto en varias ocasiones, que nos muestra la vida dentro de las cárceles y los grupos que se forman dentro y el poder que pueden tener fuera.
Continuando con el tema de las instituciones, el otro día estaba leyendo sobre un extraño tipo de institución, los Needle Parks de Suiza. Los Needle Parks eran parques para que los adictos a la heroína se pudieran inyectar con agujas limpias entre otros servicios. Aquí unos links que hablan del tema y unos con muy buenas fotos.
http://picturesandperspectives.blogspot.com/2009/04/switzerland-platzspitz-or-needle-park.html
http://www.swissinfo.ch/eng/front/detail/Ten_years_on_from_Needle_Park.html?siteSect=105&sid=1008665&cKey=1012813920000
http://www.reconsider.org/wordpress/?p=73
La peores prisiones del mundo.
http://www.13above.com/2008/11/worlds-most-deadliest-prisons.html
http://www.foreignpolicy.com/story/cms.php?story_id=4641
http://www.dirty-rotten-scoundrels.co.uk/2008/06/30/the-10-worst-prisons-in-the-world/
Una prisión algo diferente, Leoben Justice Centre, Steiermark, Austria
http://www.hohensinn-architektur.at/jz_leoben.html
Michel Foucault On 'Disciplinary Society,' Part 1
http://www.youtube.com/watch?v=Xk9ulS76PW8
David Alfaro Siqueiros 1960Qué mejor manera para empezar el siglo XX que con la inauguración de una prisión. Después de 12 años de construcción, Porfirio Díaz da a conocer al mundo su ambicioso proyecto que mostraba la grandeza mexicana, La prisión de Lecumberri. Esta prisión no sería como las anteriores en donde carecían higiene y estructura. Después de 76 años, Lecumberri, desde 1982, El archivo general de la nación, decide clausurarse y todos los reos fueron trasladados a las nuevas cárceles. Se le ofrece a Arturo Ripstein grabar los últimos días de Lecumberri. Demasiadas memorias habitan "El Palacio Negro" y Ripsten trata de capturar lo más que se pueda.
Lecumberri es una prisión con una estructura imponente e intimidante. Su forma es la de un panóptico (en la película sólo lo vemos una vez en un a toma aérea) que permite vigilar a los prisioneros sin ellos saber que están siendo vigilados. La idea del panóptico fue diseñada en 1785 por el filósofo inglés Jeremy Bentham. La idea principal del panóptico es poder vigilar sin que los presos sepan cuando están siendo vigilados. Para Bentham esto permitiría crear una especie de presencia inexistente que siempre estaría presentes en las mentes de los prisioneros. Esta presencia intimidaría al preso y una vez liberado sentiría esa misma sensación de que está siendo vigilado, por lo que sería más probable que se abstenga de cometer un crimen. Como un Big Brother sin realmente serlo. Algo que me resulta graciosos es que Bentham le ve otro beneficio al panóptico, y este es el del ahorro de dinero. No se necesita contratar un guardia, una simple torre es suficiente para que los presos no hagan ninguna revuelta. No se por qué no se les había ocurrido algo así. La idea de Bentham es la idea con la que el mundo se ha regido por varios siglos. La gente se abstiene o se abstenía por miedo a Dios. Miedo al Dios omnipresente que siempre nos observa, y si pecas se te castiga con el infierno.
Lecumberri es una prisión bastante ecléctica. Dentro de ella podemos ver a ancianos, criminales con cargos menores, presos políticos, los ricos que pagan por la celda lujosa y uno que otro rubio alto americano. El documental no se rige por un solo estilo, sino combina muchos. Para mí las entrevista sobran, quizás la que rescataría sería cuando son preguntados su motivo en Lecumberri, y sus respuestas son por crímenes tontos y menores. Otro elemento que eliminaría yo serían las voces en off de los prisioneros. Creo que lo que dicen no es muy revelador, sabemos todos que la cárcel ha de ser una pesadilla y realmente estas voces no conmueven ni nos sitúan en su situación. Aunque nos queda claro que no iba a haber manera, por lo menos en los últimos días de la prisión, de poder captar esos abusos y por eso las voces en off. Creo que hubiera sido increíble que la película fuera un poco del estilo de Wiseman, simplemente estar presentes. Ripstein emplea muchos recursos, como si quisiera plasmar absolutamente todo de Lecumberri, las rutinas, los procesos, las distracciones, las vivencias, los maltratos y los recuerdos, cosa que es muy entendible, pues era su única oportunidad.
Ripstein logra plasmar con exactitud y algo de sentido del humor los procesos burocráticos que en ocasiones son algo ridículos y absurdos. La cámara va siguiendo todos estos proceso sin cortar. Este es un buen recurso para adentrarnos un poco y desesperarnos tantito. Existe un momento en donde la cámara panea bruscamente de un lado a otro. Esto es como en un patio circular con unas celdas amplias, al aire libre y solo una pequeña rejilla donde podemos ver sus ojos. Lo genial de la escena es que estos presos se comunican a gritos ininteligible de celda a celda, mientras la cámara va siguiendo la conversación. Existe una recreación que es de lo mejor de la película. La secuencia inicia con la claqueta indicándonos que es una actuación, un prisionero se encuentra hincado en los baños sosteniendo una piedra. Al sonar la claqueta el reo es empapado por un cubeta de agua y este comienza a tallar el piso.
Otro momento especial es cuando la familia viene a visitar a los presos en un domingo. Existen varios juegos al estilo carnaval y la familias disfrutan del domingo con sus familiares presos, pero antes tuvieron que pasar por la inspección en donde unas mujeres revisan la comida de los visitantes que se encuentran en fila. Existe en este secuencia un travelling que se vuelve bastante bizarro. La cámara se desplaza por donde las familias están comiendo, vemos a un hombre con un bigote delgado ver fijamente a la cámara. La cámara sigue desplazándose y de nuevo aparece ese hombre en otro posición pero con la misma mirada. La cámara sigue su movimiento y por tercera vez aparece el hombre en otra posición. Esta escena es realmente graciosa y bastante extraña y es inevitable no imaginártelo corriendo detrás de la cámara y colocándose frescamente para ser filmado.
Ripstein filmó más de 20 horas de material y lo condensó a 1 hora 45 minutos. Creo que está bien para fines comerciales pero me hubiera gustado que existiera una versión más larga pues se presta para mucho tiempo más. Creo que a pesar de estas fallas que no puedo evitar mencionar, es una muy buena película y vale la pena, y su valor aumenta por la exclusividad que tiene por ser el único registro de Lecumberri. Es un registro histórico con gran valor cultural para México y el resto del mundo.
Mientras José Revueltas estuvo prisionero en Lecumberri, escribió su más celebrada obra El Apando. En 1976 Felipe Cazals, director de Las poquianchis, adaptó la novela al cine.
El Apando, Felipe Cazals 1976 (1)
Prison Nation, un programa de National Geographic que he visto en varias ocasiones, que nos muestra la vida dentro de las cárceles y los grupos que se forman dentro y el poder que pueden tener fuera.
Continuando con el tema de las instituciones, el otro día estaba leyendo sobre un extraño tipo de institución, los Needle Parks de Suiza. Los Needle Parks eran parques para que los adictos a la heroína se pudieran inyectar con agujas limpias entre otros servicios. Aquí unos links que hablan del tema y unos con muy buenas fotos.
http://picturesandperspectives.blogspot.com/2009/04/switzerland-platzspitz-or-needle-park.html
http://www.swissinfo.ch/eng/front/detail/Ten_years_on_from_Needle_Park.html?siteSect=105&sid=1008665&cKey=1012813920000
http://www.reconsider.org/wordpress/?p=73
La peores prisiones del mundo.
http://www.13above.com/2008/11/worlds-most-deadliest-prisons.html
http://www.foreignpolicy.com/story/cms.php?story_id=4641
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Una prisión algo diferente, Leoben Justice Centre, Steiermark, Austria
http://www.hohensinn-architektur.at/jz_leoben.html
Michel Foucault On 'Disciplinary Society,' Part 1
http://www.youtube.com/watch?v=Xk9ulS76PW8
jueves, 18 de junio de 2009
Titicut Follies
Titicut follies, Frederick Wiseman 1967
Titticut Follies es de esas películas que nunca se olvidan. Las imágenes se quedan impregnadas en la memoria y no se qué podría hacerlas desvanecer. Esta película y la mayoría de la filmografía de Frederick Wiseman deberían ser incluidos en las cápsulas de tiempo (que tanto les encanta hacer) para las futuras generaciones. En la actualidad existe una absurda cantidad de registros del mundo, y realmente creo que si se tuviera que elegir, Wiseman debería entrar en esa categoría. Wiseman es un antropólogo contemporáneo, un etnógrafo de su propia cultura.
Titicut follies nos muestra la vida dentro de una institución mental en Massachussetts. Vemos a todos los que coexisten en ese lugar, los pacientes, los guardias, las enfermeras y los médicos. Algunos de ellos tratan a los pacientes con indiferencia y existe una abuso físico y psicológico. Esta película fue prohibida simplemente por mostrar demasiado. Wiseman se vio enredado en varias batallas legales que le permitieron exhibir la película siempre y cuando fuera para médicos, estudiantes y gente especializada en el tema. A la hora de proyectar las películas, Wiseman tenía que verificar a travéz de identificaciones y documentos, que todos los presentes entraran a esta categoría. La excusa para prohibir la película era por qué violaba la dignidad y la privacidad de los pacientes, a pesar de que todos los que aparecen en la película dieron autorización. “The obvious point that I was making was that the restriction of the court was a greater infringement of civil liberties than the film was an infringement on the liberties of the inmates”
Wiseman ha podido mantener un mismo estilo durante cuarenta años. Titicut siendo su primera difiere en pequeños detalles. Además de que es más corta que el resto, Titicut es un poco más didáctica, aunque al igual que las demás es muy dialéctica. Con esto me refiero a que la edición es más notoria, elemento que Wiseman no le agrada tanto el día de hoy y se arrepiente un poco. Esto es cuando alimentan involuntariamente a un hombre a travéz de un tubo. Los médicos son algo agresivos y sus bromas son bastante crueles. Esta imágenes son yuxtapuestas con el mismo hombre siendo embalsamado de una manera muy dócil. Para mí esta escena es increíble, con un enorme peso cinematográfico, y claro, es también una imagen bastante perturbante, triste y muy difícil de aguantar. Para Wiseman la edición es elemental, pues sin ella es simplemente un registro de eventos. Existe siempre una subjetividad y Wiseman trata de encontrar un balance y aún así dejar que el espectador llegue a su propia conclusión. Existen muchas imágenes que contrastan unas de otras. Unas imágenes son muy duras y crudas, otras son bastante bizarras y surreales y también hay elementos graciosos protagonizados por Eddie el guardia e intérprete oficial.
El principio de Titicut parece como de otra película. Podemos ver a unas personas cantar con mucho entusiasmo a pesar de que la luz inferior le agregue una sensación algo tenebrosa. Se ha hablado mucho en el blog sobre el poder que tiene la cámara. En esta escena la cámara que se encuentra en el mismo lugar que el de la audiencia, hace un acercamiento a uno de ellos. Este acercamiento es muy cerrado y pareciera que la cámara logra hacerlo prisionero. El poder le pertenece a quien sea capaz de sostener la mirada, usualmente lo tiene la cámara. Algo interesante que ocurre en Titicut es que muchos de los internados retan a la cámara, fijan la mirada. La cámara esta viendo a un paciente, él no lo sabe. El paciente voltea y ve fijamente a la cámara, la cámara no se mueve, la mirada sigue igual. La cámara pareciera que se intimida y da un ligero paneo, el paciente la sigue y nunca quita su mirada. Este es un momento que rara vez ocurre y habla de lo acostumbrados que se encuentran de ser observados en todo momento.
El enfoque de Wiseman durante todos estos años ha sido el de las instituciones, el de las organizaciones culturales, el dónde se reúne la gente. Para Wiseman todo lo que ocurre en una institución pública debe ser transparente. Pero no lo es y Wisemana ha podido enfatizar en la manera en que dichas instituciones suelen deshumanizar. Tema interesante que toca es sobre la brecha que existe entre la ideología principal y las metas de una institución y lo que realmente ocurre en la práctica. En Titicut vemos a una enfermera regocijarse por una carta que le da el paciente. Esto hace reír al espectador pues ya pudimos ver el abuso que existe dentro de ese lugar. Creo que es injusto generalizar y decir que todos los que aparecen ahí son unos malditos, cuando sabemos que existen varios que sí tienen buenas intenciones y que realmente creen que están haciendo un bien. Concuerdo con Wiseman con el hecho de que esta brecha entre la ideología y la práctica existe en cada persona y todos hemos sido culpables de cometerlo alguna vez; es una falla humana.
A pesar de que tenemos una idea de cómo funcionan estas instituciones, lo increíble de Wiseman es que pareciera que siempre nos revela algo nuevo. Sus películas son, sencillamente dicho, un retrato de cómo vivimos, pero con un trasfondo muy profundo y merecedor de numerosos análisis.
Law and Order 1969 (clip)
Entrevista a Frederick Wiseman (parte 1)
http://www.viceland.com/int/v14n9/htdocs/doc.php?country=us
Entrevistas
http://www.reason.com/news/show/123022.html
http://www.notcoming.com/features/wiseman-interview/
Titticut Follies es de esas películas que nunca se olvidan. Las imágenes se quedan impregnadas en la memoria y no se qué podría hacerlas desvanecer. Esta película y la mayoría de la filmografía de Frederick Wiseman deberían ser incluidos en las cápsulas de tiempo (que tanto les encanta hacer) para las futuras generaciones. En la actualidad existe una absurda cantidad de registros del mundo, y realmente creo que si se tuviera que elegir, Wiseman debería entrar en esa categoría. Wiseman es un antropólogo contemporáneo, un etnógrafo de su propia cultura.
Titicut follies nos muestra la vida dentro de una institución mental en Massachussetts. Vemos a todos los que coexisten en ese lugar, los pacientes, los guardias, las enfermeras y los médicos. Algunos de ellos tratan a los pacientes con indiferencia y existe una abuso físico y psicológico. Esta película fue prohibida simplemente por mostrar demasiado. Wiseman se vio enredado en varias batallas legales que le permitieron exhibir la película siempre y cuando fuera para médicos, estudiantes y gente especializada en el tema. A la hora de proyectar las películas, Wiseman tenía que verificar a travéz de identificaciones y documentos, que todos los presentes entraran a esta categoría. La excusa para prohibir la película era por qué violaba la dignidad y la privacidad de los pacientes, a pesar de que todos los que aparecen en la película dieron autorización. “The obvious point that I was making was that the restriction of the court was a greater infringement of civil liberties than the film was an infringement on the liberties of the inmates”
Wiseman ha podido mantener un mismo estilo durante cuarenta años. Titicut siendo su primera difiere en pequeños detalles. Además de que es más corta que el resto, Titicut es un poco más didáctica, aunque al igual que las demás es muy dialéctica. Con esto me refiero a que la edición es más notoria, elemento que Wiseman no le agrada tanto el día de hoy y se arrepiente un poco. Esto es cuando alimentan involuntariamente a un hombre a travéz de un tubo. Los médicos son algo agresivos y sus bromas son bastante crueles. Esta imágenes son yuxtapuestas con el mismo hombre siendo embalsamado de una manera muy dócil. Para mí esta escena es increíble, con un enorme peso cinematográfico, y claro, es también una imagen bastante perturbante, triste y muy difícil de aguantar. Para Wiseman la edición es elemental, pues sin ella es simplemente un registro de eventos. Existe siempre una subjetividad y Wiseman trata de encontrar un balance y aún así dejar que el espectador llegue a su propia conclusión. Existen muchas imágenes que contrastan unas de otras. Unas imágenes son muy duras y crudas, otras son bastante bizarras y surreales y también hay elementos graciosos protagonizados por Eddie el guardia e intérprete oficial.
El principio de Titicut parece como de otra película. Podemos ver a unas personas cantar con mucho entusiasmo a pesar de que la luz inferior le agregue una sensación algo tenebrosa. Se ha hablado mucho en el blog sobre el poder que tiene la cámara. En esta escena la cámara que se encuentra en el mismo lugar que el de la audiencia, hace un acercamiento a uno de ellos. Este acercamiento es muy cerrado y pareciera que la cámara logra hacerlo prisionero. El poder le pertenece a quien sea capaz de sostener la mirada, usualmente lo tiene la cámara. Algo interesante que ocurre en Titicut es que muchos de los internados retan a la cámara, fijan la mirada. La cámara esta viendo a un paciente, él no lo sabe. El paciente voltea y ve fijamente a la cámara, la cámara no se mueve, la mirada sigue igual. La cámara pareciera que se intimida y da un ligero paneo, el paciente la sigue y nunca quita su mirada. Este es un momento que rara vez ocurre y habla de lo acostumbrados que se encuentran de ser observados en todo momento.
El enfoque de Wiseman durante todos estos años ha sido el de las instituciones, el de las organizaciones culturales, el dónde se reúne la gente. Para Wiseman todo lo que ocurre en una institución pública debe ser transparente. Pero no lo es y Wisemana ha podido enfatizar en la manera en que dichas instituciones suelen deshumanizar. Tema interesante que toca es sobre la brecha que existe entre la ideología principal y las metas de una institución y lo que realmente ocurre en la práctica. En Titicut vemos a una enfermera regocijarse por una carta que le da el paciente. Esto hace reír al espectador pues ya pudimos ver el abuso que existe dentro de ese lugar. Creo que es injusto generalizar y decir que todos los que aparecen ahí son unos malditos, cuando sabemos que existen varios que sí tienen buenas intenciones y que realmente creen que están haciendo un bien. Concuerdo con Wiseman con el hecho de que esta brecha entre la ideología y la práctica existe en cada persona y todos hemos sido culpables de cometerlo alguna vez; es una falla humana.
A pesar de que tenemos una idea de cómo funcionan estas instituciones, lo increíble de Wiseman es que pareciera que siempre nos revela algo nuevo. Sus películas son, sencillamente dicho, un retrato de cómo vivimos, pero con un trasfondo muy profundo y merecedor de numerosos análisis.
Law and Order 1969 (clip)
Entrevista a Frederick Wiseman (parte 1)
http://www.viceland.com/int/v14n9/htdocs/doc.php?country=us
Entrevistas
http://www.reason.com/news/show/123022.html
http://www.notcoming.com/features/wiseman-interview/
The Thin Blue Line
The Thin Blue Line, Errol Morris 1988
"The fact that it took 12 and a half years and a movie to prove my innocence should scare the hell out of everyone in this room and, if it doesn’t, then that scares the hell out of me"
Randall Dale Adams
La película anterior a The Thin Blue Line salió siete años antes (Vernon, Florida 1981). Errol Morris tardó tanto pues no solamente fungió como director sino como detective. Originalmente estaba trabajando un documental sobre el psicólogo Dr. James Grigson, conocido como Doctor Death. Gracias su participación en más de 100 juicios, todos resultaron con la condena de pena de muerte. Al conocer Morris a Randall Dale Adams, no le pareció una persona capaz de asesinar a alguien. Esto incitó a que investigara arduamente el caso de Adams y descubrir que realmente no era culpable.
En 1976 un policía es asesinado. Randall Adams y el joven de 16 años David Harris pasaron la noche juntos en el cine. Fue Adams a quien encontraron culpable y lo sentencian con la pena de muerte. Este es el típico caso que le llaman coloquialmente en inglés whodunit (¿Quién lo hizo?). La película cuenta con recreaciones meticulosas y muy estilizadas de las diferentes versiones que brindó cada testigo. Morris logra crear dentro del documental, pequeñas ficciones que para un individuo son realidades. Estas recreaciones y demás entrevistas nos ayudan a armar el rompecabezas (aunque ya armado por Morris) y darnos cuenta de que Randall Adams no es el asesino.
El por qué Adams cumplió 12 años en prisión es completamente absurdo. Harris al día siguiente le confiesa a sus amigos de haber matado a un policía. Harris ya tenía un pasado criminal mientras que Adams no. Pero al ver que Adams era mayor de edad, captamos que es mejor candidato que un joven de 16 años que no puede ser enviado a la silla eléctrica. Es, para los policías y otros burócratas americanos, humillante cuando matan a un policía y no se resuelve el caso. El fin es culpar a alguien y sentenciarlo. Matar a un policía es como matar a un Cristo, y su muerte debe ser vengada de la forma más dura posible.
Para mí las entrevistas suelen ser muy complicadas de lograr, y muchos documentales suelen fallar en ese aspecto. Para mí Morris es uno de los mejores entrevistadores, ya sea entrevistando a Donald Trump, a los testigos white-trash del caso de Adams, o a una serial killer groupie. En el 2000 Morris hizo un programa de televisión llamada First Person basado completamente en entrevistas y pocas recreaciones y recursos como fotografías. Este programa es muy dinámico y nos demuestra su gran habilidad para entrevistar. En The Thin Blue Line las entrevistas para mí aportan mucho a pesar de estar hablando de muchas tonterías. Esto se da cuando entrevista a varios de los testigos en donde nos platican las peleas con sus esposos y esposas, y se va convirtiendo en pláticas sin sentido que creeríamos que no aportan nada al caso. Es después que nos damos cuenta de que este tipo de simplezas tuvieron la capacidad enorme de formar el destino de una persona. La vida de Adams estaba en manos de personas como estas. Lo que la gente puede llegar a distorsionar, por lo visto, puede cambiar por completo la vida de una ser humano.
Errol Morris de manera discreta nos muestra lo ridículo que son estos procesos. La gente participa por que hay una recompensa o un acuerdo favorable. Se basan en demasiados papeleos que deben cumplirse al pie de la letra para llevar a cabo un juicio. Un grupo de personas deciden que hacer con la vida de una persona como si se decidiera que hacer con un terreno. “Hoy te matan, mañana no, quizás en dos meses, te van a matar en 48 horas”. Esto le ocurrió a Adams y no me puedo imaginar lo difícil y surreal que ha de ser el hecho de que sepas que te van a matar en varias ocasiones.
A mí Morris siempre me ha gustado por el hecho de que le encanta las peculiaridades de las personas. Sus documentales giran en torno a las personas y los anécdotas que nos puedan contar. Le gusta lo excéntrico pero también lo mundano, lo “insignificante”. El crítico de cine (para mí uno de los mejores de la actualidad) Jonathan Rosenbaum, afrima que sus películas se basan en lo extraño de las personas a quienes filma y también la extrañeza que produce el hecho de que los filma.
El término "la delgada línea azul" proviene del término de "la delgada línea roja" que refiere al ejército Británico y su rol defendiendo al Imperio. La delgada línea azul se refiere a que es solamente una delgada línea de policías lo que previene a una sociedad de sucumbir al caos.
"Thin red line of 'eroes when the drums begin to roll"
Tommy 1892, Rudyard Kipling
"Because we assemble our picture of reality from details. We don’t take in reality whole. Our ideas about reality come from bits and pieces of experience. We try to assemble them into something that has a consistent narrative."
"Memory is an elastic affair. We remember selectively, just as we perceive selectively. We have to go back over perceived and remembered events, in order to figure out what happened, what really happened."
"The brain elides, confabulates, conflates, denies, suppresses, evades, confuses and distorts."
Errol Morris
A Brief History of Errol Morris, Kevin Macdonald 2000 (part 1)
Para mí una de las páginas oficiales más completas de un director.
http://errolmorris.com/
The Interrotron, una máquina similar al teleprompter que Morris usa para entrevistar. .
http://www.errolmorris.com/content/eyecontact/interrotron.html
Una plática entre Errol Morris y Werner Herzog
http://www.believermag.com/issues/200803/?read=interview_herzog
Errol Morris escribe para el New York times. Suelen ser algo largas pero he leído una que otra y creo que estan bastante buenos y valen la pena leerlos. Este es uno reciente (2008) que habla sobre The thin blue line y reflexiona sobre la manera en que se puede contar una historia como esta. Se pregunta si son válidos los reenactments en los documentales, tema que aún genera controversia y discuciones en la actualidad.
http://morris.blogs.nytimes.com/2008/04/03/play-it-again-sam-re-enactments-part-one/?scp=2&sq=the%20thin%20blue%20line&st=cse
http://morris.blogs.nytimes.com/2008/04/10/play-it-again-sam-re-enactments-part-two/
El blog con todos los artículos para el Nytimes.com El tema es sobre la fotografía. Zoom Errol Morris
http://morris.blogs.nytimes.com/?scp=1&sq=errol%20morris%20blog&st=cse
Una noticia que acaba de salir hace unos momentos que me traumó.
http://www.nytimes.com/2009/06/19/us/19scotus.html?_r=1&hp
"The fact that it took 12 and a half years and a movie to prove my innocence should scare the hell out of everyone in this room and, if it doesn’t, then that scares the hell out of me"
Randall Dale Adams
La película anterior a The Thin Blue Line salió siete años antes (Vernon, Florida 1981). Errol Morris tardó tanto pues no solamente fungió como director sino como detective. Originalmente estaba trabajando un documental sobre el psicólogo Dr. James Grigson, conocido como Doctor Death. Gracias su participación en más de 100 juicios, todos resultaron con la condena de pena de muerte. Al conocer Morris a Randall Dale Adams, no le pareció una persona capaz de asesinar a alguien. Esto incitó a que investigara arduamente el caso de Adams y descubrir que realmente no era culpable.
En 1976 un policía es asesinado. Randall Adams y el joven de 16 años David Harris pasaron la noche juntos en el cine. Fue Adams a quien encontraron culpable y lo sentencian con la pena de muerte. Este es el típico caso que le llaman coloquialmente en inglés whodunit (¿Quién lo hizo?). La película cuenta con recreaciones meticulosas y muy estilizadas de las diferentes versiones que brindó cada testigo. Morris logra crear dentro del documental, pequeñas ficciones que para un individuo son realidades. Estas recreaciones y demás entrevistas nos ayudan a armar el rompecabezas (aunque ya armado por Morris) y darnos cuenta de que Randall Adams no es el asesino.
El por qué Adams cumplió 12 años en prisión es completamente absurdo. Harris al día siguiente le confiesa a sus amigos de haber matado a un policía. Harris ya tenía un pasado criminal mientras que Adams no. Pero al ver que Adams era mayor de edad, captamos que es mejor candidato que un joven de 16 años que no puede ser enviado a la silla eléctrica. Es, para los policías y otros burócratas americanos, humillante cuando matan a un policía y no se resuelve el caso. El fin es culpar a alguien y sentenciarlo. Matar a un policía es como matar a un Cristo, y su muerte debe ser vengada de la forma más dura posible.
Para mí las entrevistas suelen ser muy complicadas de lograr, y muchos documentales suelen fallar en ese aspecto. Para mí Morris es uno de los mejores entrevistadores, ya sea entrevistando a Donald Trump, a los testigos white-trash del caso de Adams, o a una serial killer groupie. En el 2000 Morris hizo un programa de televisión llamada First Person basado completamente en entrevistas y pocas recreaciones y recursos como fotografías. Este programa es muy dinámico y nos demuestra su gran habilidad para entrevistar. En The Thin Blue Line las entrevistas para mí aportan mucho a pesar de estar hablando de muchas tonterías. Esto se da cuando entrevista a varios de los testigos en donde nos platican las peleas con sus esposos y esposas, y se va convirtiendo en pláticas sin sentido que creeríamos que no aportan nada al caso. Es después que nos damos cuenta de que este tipo de simplezas tuvieron la capacidad enorme de formar el destino de una persona. La vida de Adams estaba en manos de personas como estas. Lo que la gente puede llegar a distorsionar, por lo visto, puede cambiar por completo la vida de una ser humano.
Errol Morris de manera discreta nos muestra lo ridículo que son estos procesos. La gente participa por que hay una recompensa o un acuerdo favorable. Se basan en demasiados papeleos que deben cumplirse al pie de la letra para llevar a cabo un juicio. Un grupo de personas deciden que hacer con la vida de una persona como si se decidiera que hacer con un terreno. “Hoy te matan, mañana no, quizás en dos meses, te van a matar en 48 horas”. Esto le ocurrió a Adams y no me puedo imaginar lo difícil y surreal que ha de ser el hecho de que sepas que te van a matar en varias ocasiones.
A mí Morris siempre me ha gustado por el hecho de que le encanta las peculiaridades de las personas. Sus documentales giran en torno a las personas y los anécdotas que nos puedan contar. Le gusta lo excéntrico pero también lo mundano, lo “insignificante”. El crítico de cine (para mí uno de los mejores de la actualidad) Jonathan Rosenbaum, afrima que sus películas se basan en lo extraño de las personas a quienes filma y también la extrañeza que produce el hecho de que los filma.
El término "la delgada línea azul" proviene del término de "la delgada línea roja" que refiere al ejército Británico y su rol defendiendo al Imperio. La delgada línea azul se refiere a que es solamente una delgada línea de policías lo que previene a una sociedad de sucumbir al caos.
"Thin red line of 'eroes when the drums begin to roll"
Tommy 1892, Rudyard Kipling
"Because we assemble our picture of reality from details. We don’t take in reality whole. Our ideas about reality come from bits and pieces of experience. We try to assemble them into something that has a consistent narrative."
"Memory is an elastic affair. We remember selectively, just as we perceive selectively. We have to go back over perceived and remembered events, in order to figure out what happened, what really happened."
"The brain elides, confabulates, conflates, denies, suppresses, evades, confuses and distorts."
Errol Morris
A Brief History of Errol Morris, Kevin Macdonald 2000 (part 1)
Para mí una de las páginas oficiales más completas de un director.
http://errolmorris.com/
The Interrotron, una máquina similar al teleprompter que Morris usa para entrevistar. .
http://www.errolmorris.com/content/eyecontact/interrotron.html
Una plática entre Errol Morris y Werner Herzog
http://www.believermag.com/issues/200803/?read=interview_herzog
Errol Morris escribe para el New York times. Suelen ser algo largas pero he leído una que otra y creo que estan bastante buenos y valen la pena leerlos. Este es uno reciente (2008) que habla sobre The thin blue line y reflexiona sobre la manera en que se puede contar una historia como esta. Se pregunta si son válidos los reenactments en los documentales, tema que aún genera controversia y discuciones en la actualidad.
http://morris.blogs.nytimes.com/2008/04/03/play-it-again-sam-re-enactments-part-one/?scp=2&sq=the%20thin%20blue%20line&st=cse
http://morris.blogs.nytimes.com/2008/04/10/play-it-again-sam-re-enactments-part-two/
El blog con todos los artículos para el Nytimes.com El tema es sobre la fotografía. Zoom Errol Morris
http://morris.blogs.nytimes.com/?scp=1&sq=errol%20morris%20blog&st=cse
Una noticia que acaba de salir hace unos momentos que me traumó.
http://www.nytimes.com/2009/06/19/us/19scotus.html?_r=1&hp
miércoles, 17 de junio de 2009
Salesman
Salesman, Albert and David Maysles, and Charlotte Zwerin 1969 (clip)
Yesterday...
"Every documentary is sort of an adventure into the heart and soul of certain people"
"When you see somebody on the screen in a documentary, you're really engaged with a person going through real life experiences. So for that period of time, as you watch the film, you are, in effect, in the shoes of another individual. What a privilege to have that experience."
Albert Maysles
Salesman se enfoca en un pequeño sector de la población americana, que termina revelando sobre toda una sociedad de un país. Los Maysles se enfocan en lo ordinario, aquí no existen The Beatles ni los Rolling Stones. Un vendedor de Biblias es capaz de mostrarnos la soledad, lo vil ordinario de una existencia, la decepción y la supervivencia del hombre. Salesman nos muestra la realidad que confronta a la mayoría. No es una tragedia de gran magnitud la vida de estos hombres, pero sus vivencias son las que perduran por mucho tiempo y, a la larga, amargan más.
Los hermanos Maysles recorren la vida de 4 vendedores de Biblias originarios de Boston. Los 4 personajes son los típicos católicos irlandeses con un acento muy marcado de la ciudad de Boston. La película se enfoca principalmente en Paul Brennan "The Badger". Podemos ver a Paul Brennan convivir con sus compañeros en el viaje que hacen a Miami. Entre ellos se cuentan anécdotas graciosas que ocurrieron durante el día en los cuartos de hotel que comparten. También hablan, de manera algo tajante, sobre la carencia de ventas del día. Estos momentos, son los que conmueven, los que en ocasiones entristecen. Creo que la intención de los Maysles nunca fue el de deprimirnos, simplemente conmovernos con una realidad presente en una mayoría.
Podemos ver a estos vendedores en todo lo que conlleva ser vendedor. Vemos como se les cierran puertas por gente nerviosa que no sabe cómo rechazarlos. Algo que caracteriza a los vendedores es su insistencia. Podemos ver las estrategias que emplean para poder vender una sagrada Biblia. No importa si uno es pobre, todo hombre debe tener una Biblia en casa. Estas escenas logran hacernos sentir incómodos por ambos lados, pues ellos también están concientes de su propia incomodidad y la ajena.
Paul Brennan cada vez se encuentra más desilusionado y podemos sentir que se ve a sí mismo como un fracaso.
Podemos sentir, por parte de los Maysles, una empatía hacia la gente que escogen filmar. Albert compara esto con alguien a quien uno ama. Cuando amas a una persona, eres capaz de ver el lado bueno y el lado malo y aceptarlo. Es lo mismo que ocurre con las personas que filman. Se genera un cariño y son capaces de ver de una manera redonda e integral lo que la gente ve como bueno y malo en una persona.
Salesman es considerada como una película del género direct cinema y la tendencia fly on the wall. Albert Maysles niega el término fly on the wall pues eso significaría que no existe una cercanía con el sujeto. Esta cercanía se da con la simple mirada. Una mirada que no juzga, que trata de comprender. La intervención de los Maysles se trata de brindarles un apoyo a los que están siendo filmados, pero nunca los incitan, no manipulan. En Salesman impresiona la comodidad en la que se encuentran los vendedores ante la cámara, realmente como si no estuviera presente. Por momentos se nos olvida que gracias a la cámara, estamos presenciando estos eventos. La cámara se desliza suavemente por el lugar, sentimos como si la cámara fuera nuestros propios ojos.
Para mí Salesman me mueve más que cualquier otra película que trata de ser explícita y gráfica. Salesman es una película "sencilla", elegante y rica en poesía. Lo que ocurre es una introspección que va fluyendo sutilmente durante la película hasta darte cuenta de que te encuentras muy conmovido.
Psychiatry in Russia, Albert Maysles 1955
Gimme Shelter, David Maysles, Albert Maysles and Charlotte Zwerin 1970
An Evening with Albert Maysles, Hammer Screenings
Varias series de una misma entrevista bastante autobiográfica de Albert Maysles. También hay de Raoul Coutard, Jonas Mekas, Andrzej Wajda entre otros.
http://www.peoplesarchive.com/browse/movies/5525/en/off/
Documentary filmmakers speak By Liz Stubbs
http://books.google.com/books?id=i4dDdV5m2UkC&dq=Documentary+filmmakers+speak++By+Liz+Stubbs&printsec=frontcover&source=bl&ots=6OAReo93Pd&sig=2YX2-Es4O9F4m5EmSM08RbJSgNE&hl=en&ei=mWw2SviTO4vEMd__hIIK&sa=X&oi=book_result&ct=result&resnum=3#PPA13,M1
Albert Maysles By Joe McElhaney. Entrevista algo extensa aunque incompleta de Albert Maysles pg 157
http://books.google.com/books?id=LbdmgLhLqIgC&pg=PP1&dq=Albert+Maysles++By+Joe+McElhaney&ei=a3s4SrXVKYbgkQTgj_SZDg&client=firefox-a#PPP1,M1
Yesterday...
"Every documentary is sort of an adventure into the heart and soul of certain people"
"When you see somebody on the screen in a documentary, you're really engaged with a person going through real life experiences. So for that period of time, as you watch the film, you are, in effect, in the shoes of another individual. What a privilege to have that experience."
Albert Maysles
Salesman se enfoca en un pequeño sector de la población americana, que termina revelando sobre toda una sociedad de un país. Los Maysles se enfocan en lo ordinario, aquí no existen The Beatles ni los Rolling Stones. Un vendedor de Biblias es capaz de mostrarnos la soledad, lo vil ordinario de una existencia, la decepción y la supervivencia del hombre. Salesman nos muestra la realidad que confronta a la mayoría. No es una tragedia de gran magnitud la vida de estos hombres, pero sus vivencias son las que perduran por mucho tiempo y, a la larga, amargan más.
Los hermanos Maysles recorren la vida de 4 vendedores de Biblias originarios de Boston. Los 4 personajes son los típicos católicos irlandeses con un acento muy marcado de la ciudad de Boston. La película se enfoca principalmente en Paul Brennan "The Badger". Podemos ver a Paul Brennan convivir con sus compañeros en el viaje que hacen a Miami. Entre ellos se cuentan anécdotas graciosas que ocurrieron durante el día en los cuartos de hotel que comparten. También hablan, de manera algo tajante, sobre la carencia de ventas del día. Estos momentos, son los que conmueven, los que en ocasiones entristecen. Creo que la intención de los Maysles nunca fue el de deprimirnos, simplemente conmovernos con una realidad presente en una mayoría.
Podemos ver a estos vendedores en todo lo que conlleva ser vendedor. Vemos como se les cierran puertas por gente nerviosa que no sabe cómo rechazarlos. Algo que caracteriza a los vendedores es su insistencia. Podemos ver las estrategias que emplean para poder vender una sagrada Biblia. No importa si uno es pobre, todo hombre debe tener una Biblia en casa. Estas escenas logran hacernos sentir incómodos por ambos lados, pues ellos también están concientes de su propia incomodidad y la ajena.
Paul Brennan cada vez se encuentra más desilusionado y podemos sentir que se ve a sí mismo como un fracaso.
Podemos sentir, por parte de los Maysles, una empatía hacia la gente que escogen filmar. Albert compara esto con alguien a quien uno ama. Cuando amas a una persona, eres capaz de ver el lado bueno y el lado malo y aceptarlo. Es lo mismo que ocurre con las personas que filman. Se genera un cariño y son capaces de ver de una manera redonda e integral lo que la gente ve como bueno y malo en una persona.
Salesman es considerada como una película del género direct cinema y la tendencia fly on the wall. Albert Maysles niega el término fly on the wall pues eso significaría que no existe una cercanía con el sujeto. Esta cercanía se da con la simple mirada. Una mirada que no juzga, que trata de comprender. La intervención de los Maysles se trata de brindarles un apoyo a los que están siendo filmados, pero nunca los incitan, no manipulan. En Salesman impresiona la comodidad en la que se encuentran los vendedores ante la cámara, realmente como si no estuviera presente. Por momentos se nos olvida que gracias a la cámara, estamos presenciando estos eventos. La cámara se desliza suavemente por el lugar, sentimos como si la cámara fuera nuestros propios ojos.
Para mí Salesman me mueve más que cualquier otra película que trata de ser explícita y gráfica. Salesman es una película "sencilla", elegante y rica en poesía. Lo que ocurre es una introspección que va fluyendo sutilmente durante la película hasta darte cuenta de que te encuentras muy conmovido.
Psychiatry in Russia, Albert Maysles 1955
Gimme Shelter, David Maysles, Albert Maysles and Charlotte Zwerin 1970
An Evening with Albert Maysles, Hammer Screenings
Varias series de una misma entrevista bastante autobiográfica de Albert Maysles. También hay de Raoul Coutard, Jonas Mekas, Andrzej Wajda entre otros.
http://www.peoplesarchive.com/browse/movies/5525/en/off/
Documentary filmmakers speak By Liz Stubbs
http://books.google.com/books?id=i4dDdV5m2UkC&dq=Documentary+filmmakers+speak++By+Liz+Stubbs&printsec=frontcover&source=bl&ots=6OAReo93Pd&sig=2YX2-Es4O9F4m5EmSM08RbJSgNE&hl=en&ei=mWw2SviTO4vEMd__hIIK&sa=X&oi=book_result&ct=result&resnum=3#PPA13,M1
Albert Maysles By Joe McElhaney. Entrevista algo extensa aunque incompleta de Albert Maysles pg 157
http://books.google.com/books?id=LbdmgLhLqIgC&pg=PP1&dq=Albert+Maysles++By+Joe+McElhaney&ei=a3s4SrXVKYbgkQTgj_SZDg&client=firefox-a#PPP1,M1
lunes, 15 de junio de 2009
Capturing the Friedmans
Capturing the Friedmans, Andrew Jarecki 2003
Capturing The Friedmans es un vistazo a una familia de clase media americana de los suburbios. Como en todas las familias, los Friedmans nos van revelando secretos y pasados oscuros. Los secretos, ahora públicos, de los Friedmans, son más perturbante que los de la mayoría de las familias.
Capturing the Friedmans, como su nombre lo sugiere, es sobre capturar a los Friedmans legalmente, capturarlos en la cámara, y capturar las diferentes psicologías de las personas y con ello muchas verdades. Esta película es resultado de una coincidencia. Originalmente Andrew Jarecki quería filmar el medio del entretenimiento infantil. Entre ellos se encontraba uno de los payasos más populares de Nueva York, David Friedman. Al descubrir Jarecki que el padre de David Friedman y su hermano fueron encarcelados en los ochenta acusados de pedofilia, decidió darle otro enfoque a su película.
Arnold Friedman impartía clases particulares de computación en un suburbio en Nueva York. Al recibir su dosis de pornografía infantil desde Holanda la policía lo arrestó a él y a su hijo Jesse y los culpan de abusar a los estudiantes de computación. Esto genera una cacería de brujas por parte de toda la comunidad, histeria por parte de los padres y confusión entre los niños que son presionados por la policía. También genera la desintegración de una familia y el colapso emocional de cada integrante. Y para fortuna del director, David Friedman era aficionado de grabar su situación familiar, incluyendo todo este proceso íntimo y difícil.
Los Friedmans son una familia bastante compleja. Algo extraño es la relación que tienen los tres hijos con cada uno de sus padres. Usualmente los hijos varones tienen una afinidad de carácter protector con la madre. En el caso de los Friedman, los hijos se apoyan por completo en el padre, Arnold. Podemos sentir la frustración de la madre, su mirada nos indica que se siente incómoda en su propia casa. Arnold, a pesar de su "inconveniente" es respetado e idealizado ciegamente por sus hijos. Existe la probabilidad de que los hijos aceptan su condición demasiado bien o simplemente se rehúsan a aceptarlo. Creo que esta postura es muy comprensible y quizás bastante noble. Al final fue un buen padre para ellos, y es lo que a los hijos les interesa.
Otro aspecto importante que nos revela la película, es sobre cómo se comporta una sociedad, más específicos, una comunidad. Unos afirman que nunca ocurrió nada aparte de la clase de computación en casa de los Friedmans. Otros describen con mucho detalle los juegos perversos que se jugaban en vez de realmente jugar Frogger, como otros cuentan. Se habla en la película sobre la manera, muy conocida, en que los policías e investigadores abordan el cuestionamiento, presionando a los interrogantes para que contesten lo conveniente. Muchas personas sucumben a la presión, pues se crea una aura de histeria, pero hay otros que simplemente quieren ser parte de ello. Muchos de los que participan en los juicios de este tipo, lo suelen hacer simplemente para pertenecer a algo interesante y morboso, algo que no ocurre diario y los desvié de su vida cotidiana.
David Friedman no tiene pudor con su cámara. Los momentos más incómodos de una familia se encuentran presentes en sus videos. Existe una tendencia en la sociedad americana de indagar en sus situaciones personales, siempre y cuando se quede registro de ello, ya sea en los diarios, películas o blogs. David pudo amasar una serie de videos caseros peculiares, Jarecki nos muestra los que contienen momentos incómodos, momentos de desahogo, y momentos de distracción donde se arman shows absurdos y cómicos. Estos video caseros, que probablemente no tenían mucho valor cuando lo hacían, son lo que hace a la película. Estas películas nos hacen comprender lo complejo que es la vida de cada persona. Estos videos nos presentan una retrato familiar inquietante y muy intrincado. La cámara era su distracción y el humor era su escudo.
Un momento en donde Jesse es criticado es después de escuchar su sentencia. Jesse se encuentra en el estacionamiento con sus hermanos haciendo shows frente a la cámara. Este momento habla mucho de la manera en que las personas reaccionan ante ciertos momentos que te marcan de por vida. Me he dado cuenta de que el hombre tiene la capacidad de despejar la mente, de distraerse con frivolidades con tal de no pensar en lo denso. Esto es una forma de mecanismo de defensa, de una terapia y sobre todo de una sanación. Y este momento es exactamente eso. Jesse sabe que no podrá ver a sus hermanos por muchos años, por qué no alivianar la noticia bromeando con ellos. Es probable que estos videos son la mejor manera de comunicarse con sus hermanos. Su reacción no tiene nada que ver con su culpabilidad ni con la persona que es, es simplemente una reacción humana. También ocurre que las noticias de este calibre tardan en percatar al hombre.
Jarecki logra darle voz a los Friedmans, a las víctimas, a quienes lo defienden y a las autoridades. Pero mientras más información, más enredado se vuelve. Todo gira de una manera cíclica, cuando comenzamos a empatizar con Arnold, nuevos datos aparecen que nos hacen retroceder, pero de nuevo algo aparece que nos hace empatizar otra vez. Esto para muchos puede ser perturbante, pues nunca queremos ver las diferentes caras de las personas. O son personas buenas o personas malas. El hecho de que alguien pueda tener algo de malo nos asusta. Es difícil evitar el mencionar el efecto Roshomon que la película genera. Nos damos cuenta de que el efecto Roshomon existe en la vida real, todos los días. La verdad depende de quien lo cuente. A final no importa si Jesse es inocente o culpable, lo que importa es la reflexión que se genera, y estar concientes de los diferente tonos de gris que tiene la vida.
En la página de Jesse Friedman (que creo que lleva un rato sin actualizar) se encuentran varias cosas interesantes, como videos personales y recomendaciones. http://www.freejesse.net/
Video musical de la luna de miel de Jesse Friedman, que presume de haber editado.
sobre el false memory syndrome
http://www.freejesse.net/fmsdoc.htm
http://en.wikipedia.org/wiki/False_memory_syndrome
la entrevista de Jesse Friedman con Geraldo Rivera en 1989. Aquí admite que fue abusado sexualmente por su padre. Ha dicho que esta entrevista no es cierta y lo que dijo fue por que su abogado se lo recomendó.
http://www.leadershipcouncil.org/1/ctf/geraldo.html
Capturing The Friedmans es un vistazo a una familia de clase media americana de los suburbios. Como en todas las familias, los Friedmans nos van revelando secretos y pasados oscuros. Los secretos, ahora públicos, de los Friedmans, son más perturbante que los de la mayoría de las familias.
Capturing the Friedmans, como su nombre lo sugiere, es sobre capturar a los Friedmans legalmente, capturarlos en la cámara, y capturar las diferentes psicologías de las personas y con ello muchas verdades. Esta película es resultado de una coincidencia. Originalmente Andrew Jarecki quería filmar el medio del entretenimiento infantil. Entre ellos se encontraba uno de los payasos más populares de Nueva York, David Friedman. Al descubrir Jarecki que el padre de David Friedman y su hermano fueron encarcelados en los ochenta acusados de pedofilia, decidió darle otro enfoque a su película.
Arnold Friedman impartía clases particulares de computación en un suburbio en Nueva York. Al recibir su dosis de pornografía infantil desde Holanda la policía lo arrestó a él y a su hijo Jesse y los culpan de abusar a los estudiantes de computación. Esto genera una cacería de brujas por parte de toda la comunidad, histeria por parte de los padres y confusión entre los niños que son presionados por la policía. También genera la desintegración de una familia y el colapso emocional de cada integrante. Y para fortuna del director, David Friedman era aficionado de grabar su situación familiar, incluyendo todo este proceso íntimo y difícil.
Los Friedmans son una familia bastante compleja. Algo extraño es la relación que tienen los tres hijos con cada uno de sus padres. Usualmente los hijos varones tienen una afinidad de carácter protector con la madre. En el caso de los Friedman, los hijos se apoyan por completo en el padre, Arnold. Podemos sentir la frustración de la madre, su mirada nos indica que se siente incómoda en su propia casa. Arnold, a pesar de su "inconveniente" es respetado e idealizado ciegamente por sus hijos. Existe la probabilidad de que los hijos aceptan su condición demasiado bien o simplemente se rehúsan a aceptarlo. Creo que esta postura es muy comprensible y quizás bastante noble. Al final fue un buen padre para ellos, y es lo que a los hijos les interesa.
Otro aspecto importante que nos revela la película, es sobre cómo se comporta una sociedad, más específicos, una comunidad. Unos afirman que nunca ocurrió nada aparte de la clase de computación en casa de los Friedmans. Otros describen con mucho detalle los juegos perversos que se jugaban en vez de realmente jugar Frogger, como otros cuentan. Se habla en la película sobre la manera, muy conocida, en que los policías e investigadores abordan el cuestionamiento, presionando a los interrogantes para que contesten lo conveniente. Muchas personas sucumben a la presión, pues se crea una aura de histeria, pero hay otros que simplemente quieren ser parte de ello. Muchos de los que participan en los juicios de este tipo, lo suelen hacer simplemente para pertenecer a algo interesante y morboso, algo que no ocurre diario y los desvié de su vida cotidiana.
David Friedman no tiene pudor con su cámara. Los momentos más incómodos de una familia se encuentran presentes en sus videos. Existe una tendencia en la sociedad americana de indagar en sus situaciones personales, siempre y cuando se quede registro de ello, ya sea en los diarios, películas o blogs. David pudo amasar una serie de videos caseros peculiares, Jarecki nos muestra los que contienen momentos incómodos, momentos de desahogo, y momentos de distracción donde se arman shows absurdos y cómicos. Estos video caseros, que probablemente no tenían mucho valor cuando lo hacían, son lo que hace a la película. Estas películas nos hacen comprender lo complejo que es la vida de cada persona. Estos videos nos presentan una retrato familiar inquietante y muy intrincado. La cámara era su distracción y el humor era su escudo.
Un momento en donde Jesse es criticado es después de escuchar su sentencia. Jesse se encuentra en el estacionamiento con sus hermanos haciendo shows frente a la cámara. Este momento habla mucho de la manera en que las personas reaccionan ante ciertos momentos que te marcan de por vida. Me he dado cuenta de que el hombre tiene la capacidad de despejar la mente, de distraerse con frivolidades con tal de no pensar en lo denso. Esto es una forma de mecanismo de defensa, de una terapia y sobre todo de una sanación. Y este momento es exactamente eso. Jesse sabe que no podrá ver a sus hermanos por muchos años, por qué no alivianar la noticia bromeando con ellos. Es probable que estos videos son la mejor manera de comunicarse con sus hermanos. Su reacción no tiene nada que ver con su culpabilidad ni con la persona que es, es simplemente una reacción humana. También ocurre que las noticias de este calibre tardan en percatar al hombre.
Jarecki logra darle voz a los Friedmans, a las víctimas, a quienes lo defienden y a las autoridades. Pero mientras más información, más enredado se vuelve. Todo gira de una manera cíclica, cuando comenzamos a empatizar con Arnold, nuevos datos aparecen que nos hacen retroceder, pero de nuevo algo aparece que nos hace empatizar otra vez. Esto para muchos puede ser perturbante, pues nunca queremos ver las diferentes caras de las personas. O son personas buenas o personas malas. El hecho de que alguien pueda tener algo de malo nos asusta. Es difícil evitar el mencionar el efecto Roshomon que la película genera. Nos damos cuenta de que el efecto Roshomon existe en la vida real, todos los días. La verdad depende de quien lo cuente. A final no importa si Jesse es inocente o culpable, lo que importa es la reflexión que se genera, y estar concientes de los diferente tonos de gris que tiene la vida.
En la página de Jesse Friedman (que creo que lleva un rato sin actualizar) se encuentran varias cosas interesantes, como videos personales y recomendaciones. http://www.freejesse.net/
Video musical de la luna de miel de Jesse Friedman, que presume de haber editado.
sobre el false memory syndrome
http://www.freejesse.net/fmsdoc.htm
http://en.wikipedia.org/wiki/False_memory_syndrome
la entrevista de Jesse Friedman con Geraldo Rivera en 1989. Aquí admite que fue abusado sexualmente por su padre. Ha dicho que esta entrevista no es cierta y lo que dijo fue por que su abogado se lo recomendó.
http://www.leadershipcouncil.org/1/ctf/geraldo.html
miércoles, 3 de junio de 2009
The Animated Life
Jeff Scher es un pintor aplicándolo al cine. Sus trabajos han estado en el MOMA, Museo Guggenheim y el Pompidou Center. En Nytimes.com se pueden ver varios de sus cortos.
http://www.nytimes.com/2008/09/23/business/worldbusiness/23krona.html?scp=5&sq=swedish%20government&st=cse
http://www.nytimes.com/2008/09/23/business/worldbusiness/23krona.html?scp=5&sq=swedish%20government&st=cse
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